EL CIRCUITO

Nos mudamos

2011-03-03T13:29:00.004-03:00

A partir de ahora, mis notas y críticas de teatro tienen otro sitio: www.elcircuitodeteatro.com.ar

Se aprobó una ley que beneficia a los nuevos espacios escénicos de la Ciudad de Buenos Aires

2010-12-20T14:33:00.001-03:00

La Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires acaba de aprobar un proyecto de ley que reconoce y protege “la vitalidad y creación permanente de nuevos espacios culturales”.
A través de esta nueva ley, se modificó el artículo 2.1.8 del Código de Habilitaciones que impedía el funcionamiento de los espacios escénicos hasta tanto no contaran con la habilitación municipal para hacerlo. Con este cambio, dichos espacios quedan autorizados para funcionar con la iniciación del trámite correspondiente.
Además, se otorgó un plazo especial a aquellos espacios que hayan iniciado su funcionamiento entre el 20 de diciembre de 2006 y la entrada en vigencia de esta ley, y que todavía no cuenten con expediente de habilitación iniciado, para que puedan continuar con sus actividades hasta el 30 de junio de 2011, a condición de cumplir con una serie de requisitos básicos de seguridad y salubridad.
Por último, la ley contempla la situación de aquellos espacios escénicos que por diversos motivos (aumento de alquiler, venta del inmueble, etcétera) no pueden seguir funcionando en los espacios en los que se encuentran habilitados. En su artículo 3º se les otorga un plazo de seis meses para funcionar en una nueva sede sin expediente de habilitación iniciado y cumpliendo también con requisitos básicos de seguridad y salubridad. A los teatros consolidados, como se denomina a los espacios que empezaron a funcionar del 20 de diciembre de 2006 en adelante, les corresponde el inciso b) de dicho artículo.
Para ESCENA, la sanción de esta norma significa el primer paso de los muchos que se necesitan dar para, como bien se expresa en los fundamentos de la nueva ley, construir un marco legal comprensivo “de la forma en que surgen espacios culturales independientes que constituyen el semillero del rico fenómeno cultural que se da en Buenos Aires”.
ESCENA reconoce la labor de todos y cada uno de los funcionarios, legisladores y asesores que estuvieron involucrados en la discusión y redacción del proyecto que hoy se convirtió en ley. También merece ser mencionado el apoyo a la iniciativa recibido de la Defensoría del Pueblo de la Ciudad, la CTA, ARTEI, diversos medios periodísticos y un gran número de prestigiosos colegas de la danza y el teatro.
Pero especialmente ESCENA quiere agradecer la presencia masiva del público durante la SEMANA ESCENA DOSMILDIEZ, Primer Festival de Teatro y Danza Autónomo, en el cual se consiguieron más de 1500 firmas adhiriendo a las propuestas y acciones de esta nueva entidad emergente, que nuclea a 16 espacios escénicos de la Ciudad.

Bestiario del desengaño amoroso

2010-11-30T14:16:00.001-03:00

El miércoles pasado se estrenó Dragón de Komodo, una obra de Cristian Morales protagonizada por Leticia Bredice. El espacio del No/Avestruz estaba desbordado de público. Los actores ya en escena, de espaldas, esperando comenzar la función. Un último aviso. Suponemos que es la advertencia de apagar los celulares pero no, se nos informa que “por razones que solo ella conoce, Leticia Bredice no hará la función”. El desconcierto se sobrelleva al ritmo del primer cuadro musical, una coreografía ideada por Ana Garat y Pilar Beamonte. Luego, como en una sesión de análisis grupal, se irán dibujando los distintos personajes. El hilo conductor es el desencuentro amoroso. Cada uno a su tiempo desnudará su alma y expondrá su dolor. Todos sufren. Sufren mucho. A Salomé Vega le toca hacer de “mala”, da órdenes, se ríe del dolor ajeno y hasta se pone un parche en el ojo con en Malparida. A Santiago Caamaño le corresponde la voz del “macho” y Juan Pablo Panebianco compone con frescura al “gay”. Chachi Telesco aporta la cuota de fragilidad y delicadeza femenina. Están tan tipificados que más que personajes son estereotipos. Cristian Morales no olvida ninguno de los clichés de la pena: a su tiempo llorarán lágrimas negras, cantarán canciones tristes y se perderán en el amor no correspondido.
Todo lo que rodea a Dragón de Komodo tiene un plus atractivo. El director contó con la ayuda de Celeste Cid para la escenografía. El artista plástico Ariel Villarreal aportó su obra. En el foro, se encuentran suspendidos algunos de sus insectos. El vestuario tan sensual y sugerente es de Miuki Madelaire. Chachi Telesco interpreta dos canciones en vivo contrastando lo pequeño de su caudal vocal con una emotividad desbordada. Es acompañada por los músicos Santiago Alvarado y Hugo Dellamea. Sin embargo, Dragón de Komodo no logra traducir en términos escénicos todo el glamour y talento que convoca. Consultando el programa de mano, notamos que las ausencias fueron más de las anunciadas. No sólo faltó Leticia Bredice sino también Miuki Madelaire y Dina Pagach. ¿Cómo puede estrenarse una obra faltándole el quince por ciento de su elenco, incluidas las protagonistas? Es más, ¿qué decir de Dragón de Komodo cuando, a los efectos del espectáculo, esas ausencias no fueron significativas?

Ficha técnica:
Dragón de Komodo
Con Leticia Bredice, Chachi Telesco, Miuki Madelaire, Santiago Caamaño, Juan Pablo Panebianco, Salomé Vega, Nieves González, Leonardo Serio.
Dramaturgia y dirección general: Cristian Morales

Funciones: miércoles de noviembre y diciembre a las 21 horas (Última función: 15 de diciembre).
Localidades: $ 30.-
Teatro No Avestruz - Humboldt 1857
Palermo Hollywood - 4777-6956

publicado en Tiempo Argentino, 29/11/2010

Los noventa en la intimidad

2010-11-30T14:12:00.001-03:00

“Soy Rocío, no lluvia”, pequeña, vulnerable, así se siente Rocío. Mientras se prepara para las Olimpíadas matemáticas de Mar del Plata, sobrevive a golpizas de sus compañeras, a enamoramientos prohibidos y al cariño caótico de Tina, su madre, tan joven y desorientada como ella. Corre la implacable década del noventa. ¿Cómo narrar las marcas de una sociedad que está cambiando? ¿Cómo dar cuenta del liberalismo que está en todas partes? En Soy Rocío una televisión eternamente encendida lo advierte: fragmentos de Polémica en el bar, la estridente voz de un muy joven Marcelo Tinelli, un discurso del entonces presidente Menem hablando chapuceramente de la revolución productiva se entrecruzan y dialogan con lo que vemos en escena. La cocina del departamento, que conoció tiempos mejores, es el centro por el que transitan estos seres. Ellos también muestran en sus cuerpos los embates de la época.
Verónica Schneck elige mostrar escenas pequeñas y cotidianas. Nos hacemos una idea de quién es quién a través de los detalles. Un realismo ajustado nos convierte en espías más que en espectadores. Los vínculos quedan expuestos sin necesitar mayores explicaciones. La misma autora encarna a Tina, una madre joven y soltera, con una constelación de familiares. Tina es una luchadora pero se le están acabando las fuerzas. Es ahora o nunca que debe arrancar con su vida. Quiere poner un negocio y anhela para su hija un futuro mejor. Sabe que Rocío tiene talento y debe cuidarla. Es su posesión más valiosa. Sin embargo, no la puede proteger: ni fuera de su casa, ni adentro siquiera.
Rocío, interpretada por Sofía Lewkowicz, está tan rubia platinada como su madre y, como ella, las marcas de la tintura crecida ya son innegables. ¿Otro signo del fin de una época? Claudia Mac Auliffe se luce como Pauli, la novia del padre de Tina. También circulan el ex, el hermano y la vecina a punto de casarse. Todos se entrecruzan y se enciman. Y hasta se superponen las voces de todos mientras comen fideos con salsa en una cena familiar.
Lo más conmovedor de Soy Rocío está en esa oscilación. Ese mandato a “salvarse”, en cifrar en la más joven la posibilidad de un futuro mejor sin poder modificar en nada las condiciones que llevaron al fracaso. Frente a la violencia de su entorno, Tina le pide a su hija que se defienda pero el consejo es infantil e inútil. ¿Qué asegura que Rocío podrá abrirse paso allí donde Tina quedó entrampada? En el ambiente se percibe que algo se está terminando. Soy Rocío resulta así una lectura sensible y profundamente política de una década que sabemos terminó en tragedia.

Ficha técnica:
Obra: Soy Rocío
Dramaturgia: Verónica Schneck
Actuan: Nahuel Cano, Luis Gasloli, Sofía Lewkowicz, Claudia Mac Auliffe, Marta Pomponio, Verónica Schneck, Adrián Silver
Dirección: Diego Echegoyen, Verónica Schneck

Web: http://soyrocioteatro.blogspot.com
TEATRO ANFITRION
Venezuela 3340 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4931-2124 // 1530046545
Web: http://www.anfitrionteatro.com.ar
Entrada: $ 40,00 y $ 25,00 - Sábado - 23:15 hs - Hasta el 04/12/2010

publicado en Cultura, de Tiempo Argentino, 28/11/2010

Fragilidad

2010-11-25T19:01:00.002-03:00

El presente: un espacio cerrado, contrafrente y claustrofóbico. Una madre que sufre de cáncer muy avanzado se desespera por el futuro de Nina, su hija autista. La López, vecina de toda la vida, es el único lazo con el afuera y “autora intelectual” de los planes para ubicar a Nina con ideas que resultan tan descabelladas como siniestras.
Esta trama ideada por Diego Manso sería insoportable si no fuera por la cuota disruptiva de humor negro que maneja. Las vecinas charlan con un registro que busca en el costumbrismo de barrio ciertas inflexiones líricas. Allí donde todo se desarrolla de manera tranquila surge la tragedia y se impone sin dilación. Parloteando de tonterías, deciden casar a la nena con “alguien como ella” y ahí aparece Andresito, interpretado por Julián Vilar, “el monguito” como lo conocen en el barrio. Nina, inmanejable y frágil en la máscara de María Inés Sancerni, es conducida a diversos destinos uno peor que el otro. La escena en que los chicos se conocen es paradigmática del humor y crueldad de Cómo estar juntos.
El pasado: la historia de militancia compartida, violencia y exilio que atravesó a estas vidas y las dejó truncas, enfermas, sin habla. Un secreto guardado obliga a la gratitud y a los reproches: salvó las vidas de una familia y eternizó un triángulo amoroso. Como estar juntos a veces funciona como una pregunta, ¿podremos alguna vez convivir? Otras veces resulta una comparación y se abisma. Como estar juntos, dirigida por Luciano Suardi, cuenta con un elenco muy parejo donde cada intérprete aporta lo suyo: Silvia Baylé es una cabal vecina metida y chismosa, puede ser liviana y volverse cruelmente implacable. Marta Lubos aporta su prestancia y afectación a esta madre desesperada pero a la que no le tiembla el pulso. Aparecen también los vecinos, encarnados por Maitina de Marco e Iván Moschner.
El futuro: no hay ninguna chance en el mundo cerrado de adultos enfermos, cegados de odio, anulados en su soledad y de jóvenes atontados, debilitados y castigados por las imposibilidades de sus mayores. Como estar juntos impone la mirada cruel de los adultos y cercena toda esperanza en el futuro. Las cosas se resuelven de la peor manera posible. ¿Hay futuro en Cómo estar juntos? Diego Manso nos dice que no, que el futuro ya fue.

Ficha técnica:
Cómo estar juntos
Escrita por Diego Manso
Dirección: Luciano Suardi
Con: Silvia Baylé, Maitina De Marco, Marta Lubos, Ivan Moschner, María Inés Sancerni y Julián Vilar

Funciones: Viernes a las 23:15
Localidades: $40.- Jubilados y estudiantes universitarios: $ 25.-
El Camarín de las Musas – Mario Bravo 960 / 4862-0655
http://www.elcamarindelasmusas.com/

publicada en Tiempo Argentino 22/11/2010

fragmentos del desengaño amoroso

2010-11-25T18:59:00.002-03:00

¿Cómo volver sobre esas canciones que estremecieron de pasión a millones de parejas con la dulce voz de María Martha Serra Lima y el trío Los Panchos, que tuvieron tantas versiones e interpretaciones diferentes, de Bola de Nieve a Luis Miguel, de Eydie Gorme a Vicentico, que le imprimieron letra y música al amor por generaciones? Arráncame la vida es un espectáculo musical creado por Chico Novarro y Betty Gambartes. Se estrenó en 1991 e inmediatamente se convirtió en un éxito. Con un imbatible repertorio propio y otros tantos temas románticos, Chico Novarro imaginó este espectáculo como un musical de amor, acompañado primero por Andrea Tenuta y luego por Silvana Di Lorenzo. Ahora Arráncame la vida vuelve al escenario de El Nacional de la mano de Juan Darthés y Cecilia Milone.
Una formación de teclado, batería y bajo acompaña en escena a los intérpretes. El clima evocado está más cercano al café concert que al despliegue del musical: lo despojado del escenario, el arreglo de los temas y hasta los obligados chistes de salón. Por otra parte, los actores se conocen bien, se los nota cómplices en escena y cómodos trabajando juntos.
Arráncame la vida tiene tres diferentes bloques temáticos. El primero está ligado al desengaño amoroso. El segundo consiste en un tributo a la música “caribeña” con más ritmo y baile. El cuadro tercero repasa todos los temas más conocidos y es cuando el espectáculo alcanza sus mejores momentos. El público conoce todas las letras y ansía participar. Suspira cuando Darthés aparece sin camisa y se admira de la belleza estilizada de Milone.
Sin embargo, lo que prevalece es un ánimo de parodia: ya sea buscando un doble sentido de efecto cómico o llevando la interpretación al paroxismo emocional. ¿Será que el ideal de amor implícito en las letras ya no puede tomarse tan en serio? A pesar de ser canciones muy queridas y populares remiten a un hombre y a una mujer que quedaron en el pasado, que ya no existen como imaginario sino como estereotipo. Los mismos intérpretes rompen el verosímil cuando la risa los gana y esos momentos se disfrutan desde la platea. ¿Se puede volver sobre estos temas sin caer en la parodia? ¿Son estos tiempos difíciles para el amor?

Ficha técnica:

Autoría: Betty Gambartes, Chico Novarro
Intérpretes: Juan Darthes, Cecilia Milone
Prensa: Alejandro Veroutis
Arreglos musicales: Daniel Garcia
Producción artística: Marita Guercio
Producción ejecutiva: Pat Cabrio Guercio
Producción general: Marita Guercio
Puesta en escena: Pablo Novak
Dirección musical: Daniel Garcia
Dirección general: Chico Novarro

TEATRO EL NACIONAL
Av. Corrientes 968
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4326-4218
Web: http://www.romayproducciones.com/teatroelnacional/
Entradas desde: $ 80,00 - Viernes, Sábado y Domingo - 21:00 hs - Hasta el 28/11/2010

publicada en Tiempo Argentino 15/11/2010

Con el inconfundible sello de Spregelburd

2010-11-04T16:56:00.002-03:00

¿Qué esperamos encontrar en una obra de Rafael Spregelburd? La trama intrincada, el planteamiento virtuoso de cuestiones complejas, un elenco solvente de actores. Reiremos por las mezquinas batallas de sus personajes y hacia el final, tal vez, aguantaremos estoicamente algún golpe bajo, precio a pagar por habernos permitido la identificación con los protagonistas. Se acaba de estrenar Todo, como dice la Compañía El Patrón Vázquez, “una obra muy pomposa y muy simple”. Escrita especialmente para el Festival Digging deep and getting dirty con motivo de los veinte años de la Caída del Muro, Todo se presentó en Berlín. Ahora puede verse en el teatro Beckett de viernes a domingo.
No se trata, en realidad, de una sino de tres obras breves unidas a partir de lazos débiles, referencias al pasar y algunos recursos narrativos compartidos. Cada una responde o intenta responder tres grandes preguntas, que son también tres referencias a una totalidad. ¿Por qué el Estado genera burocracia? ¿Por qué el arte se convierte en negocio? ¿Por qué la religión se convierte en superstición? Las respuestas son tres historias. Veremos cómo empleados públicos devienen incendiarios. También cómo una cena familiar vehiculiza un debate apasionado –aunque algo remanido– sobre el estatuto del arte contemporáneo. Mientras sobre el final, la enfermedad de un bebé durante una noche de tormenta desatará las más oscuras reflexiones sobre la vida y la protección divina. Cada escena tiene un narrador en off diferente, “extranjero” al sistema. Un hombre entrampado en una dependencia pública, una mujer coreana compartiendo la cena navideña, una figura ominosa en la noche. Desde la dirección, Spregelburd es consecuente con el planteo intelectual de la fractura de las explicaciones totalizantes. Así elige para esta obra una serie de recursos teatrales caídos en desgracia, como la manipulación de objetos invisibles –ejercicio caro a la iniciación actoral– y el teatro de living, del que tanto abusara el realismo en el pasado. De igual manera implementa con efectividad recursos que provienen de otras artes como la proyección de imágenes. Todo cuenta con el inconfundible sello de Spregelburd. Vale la pena ir a verla.

Ficha técnica:
Con: Pablo Seijo / Mónica Raiola / Alberto Suárez / Andrea Garrote / Rafael Spregelburd
Dirección: Rafael Spregelburd
Música: Zypce / Asistencia de dirección: Lalo Rotavería / Ignacio Bozzolo / Escenografía e iluminación: Santiago Badillo /
Asistente de escenografía: Ignacio Bozzolo / Vestuario: Julieta Álvarez / Fotografía: Nicolás Levín / Blu Mambor /
Video: Juan Schnitman / Agustín Mendilaharzu / Alejo Varisto / Postproducción de video: Alejo Varisto /
DF en video: Rodrigo Bermúdez / Asistencia en video: Milo Schnitnman / Fotografía adicional en video: Darío Feal / Cecilia Szalkowicz
Producción: Corina Cruciani

“Todo” se ha presentado en los siguientes teatros y festivales:
Festival FIND IX, Schaubühne, Berlín, marzo 2009
Festival Transteatral, Praga, abril 2009
Festival MAD, Teatro Quirino, Roma, septiembre 2010

Funciones: Viernes y sábados 23:00, Domingos 19:00
Duración: 2 hs
Localidades: $50
Última función: domingo 28 de noviembre
BECKET TEATRO Guardia Vieja 3556 / Reservas: 4867-5185

publicada en Tiempo Argentino 1/11/2010

Amor prohibido en la pista de skate

2010-10-25T15:47:00.002-03:00

Hubo miles de adaptaciones, es cierto. Se hicieron musicales y películas, versiones históricas o modernas y cada una aportó, con desigual grado de eficacia y arte, una mirada sobre el original. La trágica historia de los amantes de Verona vuelve una vez más a escena. Se acaba de estrenar en el Camarín de las Musas Julieta y Julieta, una variación al clásico de Shakespeare. La dramaturga y directora es Lorena Romanín, también creadora de Plan V, serie lésbica de culto que se emite por Internet y ya lleva dos temporadas.
Tal como inaugurara la película Romeo+Julieta (1996), aquella con un Leo di Caprio de camisa hawaiana y armado hasta los dientes que enamoraba a la angelical Claire Danes demostrando que se podía asimilar cada uno de los versos de Shakespeare al ambiente caldeado de las pandillas juveniles, en Julieta y Julieta también encontramos ese contrapunto de agresión y lirismo. Si la historia sigue interpelando a nuestra época de manera tan actual es también por cómo se entiende allí la violencia.
En Julieta y Julieta el espacio escénico está dispuesto en torno a una pista de skate. Dos grupos se disputan el derecho a usarla. Comparten códigos, comparten un mismo espacio físico y un mismo estado de violencia. Están las víctimas y los victimarios, abusos y provocaciones. También está “la ley” encarnada en un vigilante que, cachiporra en mano, se pasea evitando los disturbios que no puede ni se esfuerza en comprender. Y en ese marco está Julieta: adolescente díscola que sucumbe a un excesivo lirismo acorde a su edad y su predisposición anímica. Cita a Pizarnik y aspira a morir de amor.
También está Julieta: niña cuidada y bien, encerrada en su pequeño mundo rosado y claustrofóbico que sueña con algo que no se parezca a nada de lo que tiene. Y pareciera tenerlo todo. Y Julieta conoce a Julieta y nace lo prohibido. La veda para el encuentro de los amantes es por el sexo. Son dos chicas.
Julieta y Julieta propone un mundo exclusivamente adolescente, donde no hay adultos que decidan o aporten otra perspectiva. El abuelo o la nana sólo acompañan las decisiones de las Julietas. Un amor incuestionablemente prohibido termina desencadenando la tragedia. En el hallazgo y sorpresa por esta relectura del clásico es que descansa la gran apuesta de Julieta y Julieta.

Ficha técnica:
Dramaturgia y puesta en escena: Lorena Romanin
Con: Sofía Wilhelmi, Lucila Németh, María Elena Acuña, Pedro Pena, Emiliano Figueredo, Nicolás Deppetre, Laura Espinola, Eduardo Peralta, Agustina Barach, Martín Lavini, Santiago Fraccarolli, Rodrigo Barrena, Facundo Carmona.
Músicos en escena: Luis R. Diaz Muñiz, Cecilia Campos, Marina Moral
Escenografía: Carina Claramunt

Camarín de las Musas
Mario Bravo 960
4862 0655
Jueves 21 hs.

publicado en Tiempo Argentino, 25/10/2010

Para fanáticos de todas las edades

2010-10-25T15:43:00.002-03:00

Parece una convención de minisuperhéroes. En realidad, estos niños vestidos con trajes en azul y rojo se amontonan en el teatro Ópera para ver la reposición de El hombre araña. Una superproducción para fanáticos de todas las edades que ya había sido estrenada el año pasado y que sólo estará en cartel un par de semanas. La historia de cómo el tímido Peter Parker se convierte en superhéroe arácnido vuelve a escena en la versión de Leandro Panetta. Los amantes de las historietas disfrutarán de la infinidad de citas a la estética del cómic. Desde el lenguaje —con el inconfundible registro de los doblajes de los sesenta— hasta por la proyección de numerosos pasajes de la mítica revista. Un homenaje de Marvel a los primeros números. Pero también en la utilización narrativa de los flash-backs, el sentido del humor y los encuadres cambiantes que modifican el punto de vista propios del género. Aquellos más pequeños —que accedieron a la historia a través de la saga fílmica— se encontrarán con una caracterización muy ajustada de los personajes tal como los conocieron en la pantalla grande: J.J. Jameson, Mary Jane, los tíos, Harry Osborn. Cada detalle está previsto cuidando no defraudar las expectativas de un público exigente, que busca corroborar aquello que ya conoce y ama. Así también, la caracterización de los enemigos del héroe está muy bien lograda. El doctor Octopus, Misterio, El hombre de arena, Lagarto y otros más se enfrentan al Hombre Araña con creatividad y recursos. Carlos Belloso resulta un perfecto “Duende verde” presentado en su doble personalidad de hombre de negocios y archienemigo volador. Las escenas de lucha cuentan con muy buenas coreografías, plenas de acción y efectos especiales. Aunque las terrestres suelen ser más efectivas, ya sea con los luchadores de catch como con los supervillanos. También resultan atractivas las escenas de vuelo. El hombre araña recorre la ciudad saltando de edificio en edificio, resuelto escénicamente con creatividad. La alternancia equilibrada entre escenas de acción y las que hacen avanzar la historia mantienen a los espectadores atentos los noventa minutos que dura la función. Y cuando finalmente la chica besa al héroe que cuelga cabeza abajo en la ya mítica escena, la platea estalla en aplausos de aprobación.

Ficha técnica:
Dramaturgia y dirección: Leandro Panetta
Con: Alicia Bellán, Carlos Belloso, Brenda Gandini, Gastón Ricaud, Adolfo Sánchez, Marcelo Xicarts
Acróbatas / Malabaristas: Germán Cabanas, Santiago Castello
Dirección musical: Fabio Zurita

OPERA
Corrientes 860
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4326-1335
Entradas desde: $ 60,00 -
Viernes - 20:00 hs - Sábado - 15:00 hs y 18:00 hs - Domingo - 15:00 hs y 18:00 hs

publicado en Tiempo Argentino, 18/10/2010

actores solidarios con la casa del teatro

2010-10-13T15:57:00.002-03:00

En ocasiones una buena causa consigue aquello que a una superproducción le resultaría prácticamente imposible. Tal es el caso de lo sucedido el lunes pasado con la apertura de una nueva edición de Teatrísimo, un ciclo de teatro semimontado a total beneficio de la Casa del Teatro.
El público colmó la sala del Regina para ver a un elenco encabezado por Norma Aleandro, Pablo Echarri y Julieta Díaz. Por esa única vez se presentaría La opinión de Amy, un texto del inglés David Hare que nunca fue puesto en escena en nuestro país. Aunque contó con una escenografía plena de detalles y varios cambios de vestuario, la puesta de Jorge Azurmendi fue un semimontado clásico en tanto los actores, libreto en mano, daban algunos trazos de color a las líneas de sus personajes.
La opinión de Amy comienza cuando Esme, una reconocida actriz de teatro conoce a Robin, el futuro marido de su hija, apasionado realizador de televisión y cine. Este vínculo tan tirante y conflictivo se irá desarrollando con los años e irá trazando las grandezas y debilidades de ambos personajes. Norma Aleandro jugó con solvencia los vaivenes de Esme, componiendo a una completa diva en la intimidad. Gran parte de la obra consistía en los enfrentamientos verbales entre suegra y yerno, haciendo que en la lectura se explicitaran las posiciones de los personajes. Pablo Echarri buscó en la voz el ímpetu que el libreto insinuaba. Más problemas tuvo Julieta Díaz. Al poco de comenzar, perdió totalmente la marca pero supo sortear con buen humor el escollo y continuar con la función. El público fue muy cálido con cada aparición de una nueva figura en escena. Sin embargo, el aplauso cerrado se lo llevó Lydia Lamaison ni bien pisó el escenario. Un merecido reconocimiento a su trayectoria. La opinión de Amy contó también con Aldo Barbero y Mariano Martínez interpretando personajes que, no por ricos dejaban de ser secundarios. Con una lógica más ligada al cine, lo de Martínez estuvo cercano a un cammeo apareciendo recién en el último acto para interpretar a un joven y carismático actor. Teatrísimo 2010 continúa todos los lunes de octubre y noviembre en el teatro Regina convocando otros elencos y directores de primera línea para textos que ya son verdaderos clásicos.

Ficha técnica:
La opinión de Amy, de David Hare
Con Norma Aleandro, Julieta Díaz, Pablo Echarri, Lydia Lamaison, Aldo Barbero, Mariano Martínez
Versión de Fernando Masllorens y Federico González del Pino
Vestuario: Renata Schussheim
Dirección: Jorge Azurmendi
Teatro Regina
Avenida Santa Fe 1235

a Carlos Pacheco seguro no le pasa...

2010-10-05T18:01:00.002-03:00

Luego de mi reseña, un joven director de teatro se sintió en la obligación de enviarme el siguiente mail. Cito textual:
"2 cosas: 1° no vengas mas a ver espactaculos q yo dirijo, no la pasas bien, no te gustan, no entiendo para q lo haces.
2° esto es personal: lo q escribis q no te gusta es lo q a mi me gusta, escribis feo y sos fea."

What?

El inmenso poder de la paranoia

2010-10-05T14:00:00.002-03:00

Clara es un ama de casa. Su marido ha desaparecido sin dejar rastros. Ella asume entonces que fue víctima del terrorismo y, secundada por su hermana, se lanza en una cruzada mediática paranoide. Como era de esperar, el discurso del miedo gana adeptos vertiginosamente y Clara accede a la categoría de celebridad: tapas en las revistas, noticieros y almuerzos en televisión. Brevemente, esta es la trama de La Persuasión de Erica Halvorsen que Luciano Cáceres dirige en el teatro Cervantes.
El espacio escénico es atractivo en su eclecticismo. Emplazadas entre las doradas paredes de la sala del Cervantes, surgen unas columnas de metal. También algo escondido, un coqueto living decorado como en las revistas y una gran cama sobre una tarima. Una pantalla en el foro, varias cámaras con sus trípodes y sobre la izquierda, algo alejada de la escena, una sonriente operadora será la encargada de los planos. Los actores, con vestuario retro-almodovariano, conversan en coro cerrado.
Escuchamos al locutor citar a Blaise Pascal: “El arte de persuadir consiste tanto en el de agradar como en el de convencer; ya que los hombres se gobiernan más por el capricho que por la razón”. A poco de comenzar la obra sabremos que no se buscará “agradar” o “convencer”, mas bien se tratará de explorar las formas del capricho.
Aunque ya es un lugar común que prenda como pólvora un discurso paranoico sobre la inseguridad, que además resuma lo más reaccionario, xenófobo y discriminador de la sociedad y que los noticieros se nutran de las palabras de las “víctimas” como del pan de cada día. Sin embargo, en La percepción también se muestra cómo los medios prescriben un “buen uso” de ellos mismos. Un intangible “manual de la fama”. En este contexto, las imágenes del programa de Tinelli, se aprecian como un comentario sagaz al gran productor de este tipo de “celebridades”. Desde la dirección se buscó jugar las escenas desde la exterioridad, saturando la percepción del espectador con una enunciación enfebrecida de la teoría de la persuasión que obliga y anula al mismo tiempo el disfrute intelectual. El uso de la tecnología va en el mismo sentido, se impone por saturación. El resultado final implica un regodeo en lo más burdo del planteo, volviendo más inverosímil y débil la interesante hipótesis original.

Ficha técnica:
LA PERSUASIÓN
De Erika Halvorsen

Dirección: Luciano Cáceres
Con: Susana Cart, Cristina Fridman, Ignacio Rodríguez de Anca

Funciones: Viernes y Sábados 19hs - Domingos 18:30hs
Localidades: Desde $30.-
Teatro Cervantes - Sala Luisa Vehil (Salón Dorado)
Libertad 815 / 4815 8808

Publicada en Tiempo Argentino 04/10/2010

2010-09-30T23:18:00.001-03:00

plaza sésamo políticamente incorrecto

2010-09-28T20:18:00.003-03:00

Sólo a una mente retorcida que creció viendo Plaza Sésamo se le puede ocurrir este genial espectáculo llamado Avenida Q. Un musical en el que interactúan marionetas y actores donde el humor y la incorrección política parecen ser la norma. En un clima signado por la crisis económica, el miedo y la falta de oportunidades, aquellos adorables muñecos se convierten en el símbolo de un destino trunco. Si en Plaza Sésamo se cantaba “Me gusta ser yo”, en Avenida Q se dice “Qué feo ser yo”, cuadro que abre el musical y presenta a los personajes. Todo lo que en Plaza Sésamo era exaltación de la multiculturalidad, en Avenida Q muta en xenofobia. Si Bodoque vivía en un cajón de fruta, Nicky termina en un tacho de basura. Es que la infancia ya quedó atrás, ahora es el tiempo de reconocer que nunca seremos aquellos que soñamos ser. Los muñecos reciclados de Plaza Sésamo funcionan como la gran metáfora del conflictivo rito de pasaje. El difícil oficio de crecer se encuentra plagado con la desorientación vocacional y sexual, el porno, las drogas, la indigencia, la xenofobia.
En el Paseo la Plaza se estrenó la versión local de este exitoso musical con adaptación y dirección de Natalia del Castillo. El elenco de marionetas cuenta con un sólido trabajo técnico y vocal, con canciones pegadizas y un crudo sentido del humor. Mariano Chiesa, que presta su voz a infinidad de avisos publicitarios, compone a Princeton, licenciado en Letras en plena crisis vocacional y a Rod, un empresario conservador en puja por asumir su homosexualidad. Melania Lenoir se esconde detrás de Kate, la tímida novia de Princeton y se muestra con Lucy, la sexy femme fatal. También acompaña con humor y soltura Federico Salles que manipula a Nicky, Trekkie Monster y al terrible Osito de las malas ideas.
El elenco humano está encabezado por la pareja de Chaw Fan, una muy graciosa Silvana Tomé, y Brian, interpretado por el ex Mambrú Gerardo Tripel. El dominicano Manuel Victoria se pone en la piel de Gary Coleman, explotando con un humor cruel datos de la vida personal del recordado actor. En definitiva, Avenida Q resulta una muy buena adaptación local de la estética y sentido del humor propio de las mejores sit-coms norteamericanas.

Ficha técnica:
Idea: Robert Lopez, Jeff Marx
Libro: Jeff Whitty
Adaptación: Natalia del Castillo, molotov ilustrado, Eduardo Morales
Con: Mariano Chiesa, Melania Lenoir, Patricia Lorca, Micaela Pierani Méndez, Federico Salles Gribado, Silvana Tome, Germán Tripel, Manuel Victoria
Manipuladores: Jorge Crapanzano, Rosa Crapanzano
Músicos: Pablo Gandolfo, Guillermina Gesualdi, Patricia Lorca, Micaela Pierani Méndez
Escenografía: Santiago "Tato" Fernández
Dirección de actores: Omar "Chino" Kuhn
Dirección: Natalia del Castillo

Web: http://www.avenidaqelmusical.com
PASEO LA PLAZA
Av Corrientes 1660
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 6320-5350
Web: http://www.paseolaplaza.com.ar
Entradas desde: $ 80,00 -
Domingo - 20:00 hs - Miércoles y Jueves - 20:15 hs - Viernes y Sábado - 21:00 hs

publicado en Tiempo Argentino 26/09/2010

historia coral sobre la política nativa

2010-09-20T13:47:00.000-03:00

Alberto Ajaka, autor y director de Cada una de las cosas iguales, acaba de ganar el premio ACE como mejor actor en teatro alternativo por su labor en Ala de criados.

Varios creadores jóvenes sienten el llamado a reflexionar sobre lo político y volcarlo en sus obras. Un ejemplo de esto es la excelente Mi vida después, de Lola Arias. Otro es el caso de Cada una de las cosas iguales, de Alberto Ajaka que se presenta en la sala Escalada. Ya es un lugar común repetir que en Buenos Aires proliferan los espacios teatrales exponencialmente. La casa de Ajaka devino sala y espacio cultural desde el año pasado con una programación interesante y variada.
Cada una de las cosas iguales es una obra en dos partes. La primera se desarrolla sobre colchones distribuidos por todo el espacio escénico. Los nueve actores duermen y hablan en sueños. Y en murmullos componen una historia coral de la política argentina. Cada nombre trae una resonancia, un juego fonético, una asociación tan arbitraria como reconocible. Un acierto es la utilización del espacio. Siguiendo una estética de gran austeridad: las paredes descascaradas y con ladrillos a la vista, los únicos elementos escenográficos son esos colchones. La iluminación es precaria y virtuosa, tubos fluorescentes que se apagan dividiendo las escenas. Luego sigue una sección de monólogos. Cada actor es dueño de su pequeño mundo de sueños, pesadillas y reflexiones trasnochadas compone un patchwork atractivo y con ritmo. Son historias muchas veces triviales pero que trazan el mapa de una generación: sus opciones, sus límites, sus pequeñeces. Una sola intervención se sale de registro, en vez de casual, suena crispada. En el centro, una actriz cuestiona la autoridad del padre. Su voz es trágica; su discurso, patético. Se propone el doloroso camino de una nación sin padres. En la segunda parte, cambia totalmente el tono y la propuesta. Pareciera haber triunfado el clima agobiante de esa única voz trágica. El recurso de las máscaras —son cajas de cartón con orificios para ojos y boca— que ocultan la cara de los actores es monótono y obvio en su carga simbólica. El ocultamiento de los rostros, de sus inflexiones, de su singularidad expresiva genera angustia. Resulta difícil conjugar un acto con el otro. ¿Cómo entender el himno final de esas cajas parlanchinas bajo la nieve? Luego, sólo queda el desconcierto.

Ficha técnica:
Cada una de las cosas iguales
libro y dirección: Alberto Ajaka
con Leonel Elizondo, Sol Fernández López, Luciano Kaczer, Julia Martínez Rubio, Luciana Mastromauro, Andrea Nussembaum, Andrés Rossi, Gabi Saidón, Mariano Sayavedra

SALA ESCALADA
Remedios Escalada de San Martin 332
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4856-0277
Web: http://www.salaescalada.blogspot.com
Lunes y viernes 21:00 hs
Entrada: $ 25,00 y $ 20,00

Publicado en Tiempo Argentino, 20/09/2010

David Linch en Córdoba capital

2010-09-15T14:25:00.004-03:00

Agradezco a la gente de DocumentA/Escénicas la posibilidad de leer Black dreams, un texto escrito por Cipriano Agüello Pitt a partir del trabajo de Carolina Cismondi, Martín Suárez, Melina Passadore y Estefanía Moyano. Colaboró también Luciano Delprato. A partir de variaciones muy pequeñas se logra transmitir un clima enrarecido y atrapante. Si estás en Córdoba, no te la pierdas.

Yo también quise ser Madonna

2010-09-14T11:10:00.002-03:00

En 1990, con el estreno del espectáculo Criaturas, nacía El Descueve, un grupo que buscaba trascender los límites entre la danza y el teatro con espectáculos legendarios como Hermosura, Patito Feo.

Sobre el escenario, la banda empieza a tocar. Se recortan las figuras de dos coristas, Carla Peterson y Griselda Siciliani, que, luciendo sus ajustados bodies de encaje negro, bailan enfebrecidas al compás de un tema pop. El público, en una amplia mayoría compuesto por mujeres, acepta la propuesta y parece decir: alguna vez yo también quise ser Madonna. De eso se trata Corazón idiota que continúa sus funciones en la trasnoche del Paseo La Plaza. La escenografía es retro: una mesa de pool, la barra de madera infinita, símbolos inequívocos de fines de los ochenta.
Ana Frenkel, Carlos Casella y Dani Cúparo, que escribieron y dirigieron este espectáculo, vienen trabajando desde hace años cuando formaban parte del mítico grupo El Descueve. Juntos produjeron espectáculos que cruzaban danza y teatro, amplificando la expresividad de un gesto o una palabra y volviéndola forma. Para Corazón idiota privilegiaron la efectividad de ciertos recursos y el resultado, por momentos, es forzado y desparejo. ¿Es que el circuito determina al espectáculo? La estética coreográfica se impone tanto en los cuadros musicales como en las otras escenas y es desde el gesto que se monta la situación dramática.
Lo que prevalece por sobre cualquier otra cosa es el carisma de las dos actrices. Griselda Siciliani se luce con su voz potente y expresiva, baila muy bien y maneja los tiempos para el humor. Al mismo tiempo, Carla Peterson aprovecha cada resquicio que encuentra y lo llena con sus acostumbrados toques de espontaneidad. Corazón idiota son ellas dos, mujeres fuertes y atractivas, figuras carismáticas y queridas por su público, rodeadas por un séquito de hombres que las asisten, acompañan y cortejan. Y como el espectáculo no se hace cargo de este hecho, el planteo se debilita. ¿Por qué, cuando se presenta a los integrantes de la banda, ellas, que lideraron todo el tiempo, ocupan el lugar muy menor de “coristas”? Ellas juegan a ser contradictorias, juegan a ser frágiles, alocadas y perdedoras, pero es otra la imagen que transmiten. ¿Por qué evadirse de asumir el rol de mujeres poderosas, de mujeres deseantes y repiten viejos patrones estereotipados? En definitiva, Corazón idiota no es más que una excusa para que las actrices puedan lucir sus talentos para el humor, el baile, el canto.

Ficha técnica:
libro y dirección: Carlos Casella, Daniel Cúparo, Ana Frenkel
Con: Rakhal Herrero, Leo Kraimer, Carla Peterson, Diego Rosental, Griselda Siciliani, Fernando Tur
Músicos: Diego Vainer
Diseño de vestuario: Pablo Ramirez
Diseño de escenografía: Julieta Potenze, Ariel Vaccaro
Diseño de luces: Gonzalo Córdova

PASEO LA PLAZA
Av Corrientes 1660
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 6320-5350
Web: http://www.paseolaplaza.com.ar
Entradas desde: $ 60,00 - Jueves - 23:00 hs - Viernes - 00:00 hs - Sábado - 00:30 hs - Hasta el 16/10/2010

Publicada en Tiempo Argentino 13/09/2010

Cántala de nuevo, Tanta

2010-09-07T23:00:00.002-03:00

Si en el pasado fueron canciones de Brecht y Kurt Weill en el espacio íntimo de la Scala de San Telmo. Luego, los espectáculos musicales de Alejandro Tantanian fueron creciendo en la ambición y en espacio: de lágrimas, de protesta, de noche. El criterio de selección era temático y el criterio musical perseguía el extrañamiento. En Viaje de invierno, Tantanian nos ofrece pequeños grupos temáticos y el mismo procedimiento musical. El escenario está bien equilibrado y no nos hace extrañar la intimidad de una sala más pequeña, espacio probadamente eficaz para este tipo de espectáculos.
Tantanian puede ser un niño pequeño cantando una hermosa canción de Boris Vian o una bataclana de music hall o un rock star derrochando energía. Incluso llega regodearse en el mayor de los desparpajos que rozan lo grosero y lo ridículo. Alienta e interactúa con la platea con soltura y gracia. Puede tanto ser Nacha Guevara como también Alberto Cortez, recordar a Gardel o a Glenn Close. El repertorio es variado pero evita caer en la vulgaridad de que el público coree los temas. Muchas son canciones conocidas pero a todas se les ha buscado un costado inesperado, sorprendente. Lamentamos que el programa de mano no explicite el nombre de los temas que escuchamos. Viaje de invierno tiene, además, invitados especiales que van cambiando. En la función que presencié, Malena Solda cantó con su habitual dulzura y timidez Moon river y acompañó a Tantanian en Te amaré de Silvio Rodríguez. El famoso tango El organito puede resonar y acoplarse con el lied de Schubert Viaje de invierno. Esta versión da título al espectáculo. Alejandro Tantanian comenta que originariamente iba a ser un espectáculo de tangos pero derivó en un repertorio más ecléctico. Así, resulta el más fragmentario de los espectáculos musicales de Tantanian. Es también el más ecléctico. Hay temas propios de Diego Penelas, el encargado de los arreglos musicales, que además de ocuparse del piano y guitarra, hace los coros. También lo acompañan Alfredo Zuccarelli en cello y Rodrigo Quirós en batería y voz. El frío es un factor para este Viaje de invierno. Alejandro Tantanian aporta su carisma para “calentar” al público en la trasnoche del Metropolitan 2.

Ficha técnica:
Voz: Alejandro Tantanian
Piano, guitarra, loops y voz: Diego Penelas
Cello: Alfredo Zuccarelli
Batería, percusión y voz: Rodrigo Quirós
Fotografía y asistencia general: Ernesto Donegana
Diseño de sonido: Martín Vaccarezza
Diseño gráfico: Gonzalo Martínez
Prensa y difusión: Duche & Zárate
Producción ejecutiva y manager: Romina Chepe
Asistencia de producción: Gabriel Bitterman
Selección de temas: Diego Penelas & Alejandro Tantanian
Coreografías: Diego Velázquez
Luces: Jorge Pastorino
Vestuario: Oria Puppo
Arreglos & dirección musical: Diego Penelas
Idea & dirección: Alejandro Tantanian

Funciones: Viernes a las 23:15
Localidades: desde $ 30.- En venta por PLATEANET
Teatro Metropolitan 2 – Av. Corrientes 1343 / 5277-0500

publicado en Tiempo Argentino, 6/9/2010

Un esquimal en Buenos Aires

2010-08-31T16:03:00.002-03:00

Se suele decir que los unipersonales son difíciles. Estos espectáculos tienen el desafío extra de captar la atención del espectador sin que se eche en falta a otros actores. En el Centro Cultural de la Cooperación, Damián Dreizik presenta Groenlandia, una obra escrita y protagonizada por él mismo. Se trata de varios monólogos enlazados a partir de una hipótesis disparatada: a raíz del calentamiento global, los hielos de Groenlandia se derriten y sus habitantes se ven forzados a migrar. Muchos esquimales terminan aquí, en Argentina. Gran parte de la acción transcurre durante la supuesta filmación de un “corto institucional” de una conocida fábrica de hielo. Para contar esta historia, el ex Melli apela a infinidad de recursos: la mímica de un afiebrado viaje en trineo, el monólogo interior de un empleado vencido, el diálogo de sordos con la cabina de control y más. La puesta de Gustavo Tarrío saca lo mejor de cada texto. Aprovecha muy bien el espacio y agiliza el pasaje de un personaje a otro. Tiene mucho ritmo y variedad. Los cambios se realizan de manera vertiginosa, casi a la vista de los espectadores. El humor es un aliado muy efectivo para un público que sigue y conoce el trabajo de Damián Dreizik. A lo largo de la obra pasará de encarnar a un esquimal desorientado a un empresario cheto o a una productora estresada. A cada uno le va a encontrar sus giros y particularidades propias. Los referentes son claros y reconocibles. Sin embargo todos comparten un mismo rasgo de estilo. Damián Dreizik, en tanto autor de los textos, busca chistes a partir de asociaciones sorpresivas y similitudes fonéticas con marcas conocidas. Es así que por momentos cae en algo infantil, como si no pudiera contenerse de buscar el gag. Esto se hace evidente sobre todo en los momentos más intencionadamente políticos de la obra donde ese tipo de humor queda sobrando.
La música y efectos sonoros aportan mucho en estímulos. Actor y música dialogan y se acompañan ajustadamente. También los cambios de luces resultan fundamentales para una puesta que cuenta con un mínimo de escenografía: telón oscuro, una silla, un cartel, unos palos y nada más. El final, apelando a la resolución onírica, no desentona con el resto de la obra pero le da un matiz moral al planteo que lo vuelve redundante.

Ficha técnica:
Groenlandia
unipersonal de Damián Dreizik
Dirección: Gustavo Tarrío

CENTRO CULTURAL DE LA COOPERACIÓN
Corrientes 1543 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 5077-8077
Web: http://www.centrocultural.coop
Entrada: $ 40,00 - Viernes y Sábado - 23:00 hs

Publicada en Tiempo Argentino 30/08/2010

2010-08-31T16:02:00.001-03:00

Dos viejos cómicos en el ocaso

2010-08-26T18:48:00.004-03:00

El dato: El director español Álex de la Iglesia dirigió Muertos de risa, una adaptación hilarante a un mismo tema.

Los reyes de la risa tiene la virtud de unir a dos de los actores más reconocidos del país dirigidos por uno de los directores teatrales más celebrados. La trama se organiza a partir del esperado reencuentro de dos grandes cómicos luego de más de una década sin dirigirse la palabra. Como la intriga es predecible y poco ambiciosa, el énfasis está puesto en la actuación. Lo más sorprendente de Los reyes de la risa es que en una misma obra confluyen tres formas de hacer teatro. ¿Cómo se amalgaman en escena Daniel Veronese, el osado director alternativo, Alfredo Alcón, el actor trágico por antonomasia del teatro oficial y Guillermo Francella, el comediante televisivo y popular? ¿Qué aporta cada uno a este espectáculo?
El público de Daniel Veronese puede quedar decepcionado. En Los reyes de la risa se echa en falta la genial mirada del director. Si bien es cierto que la adaptación de la comedia dramática de Neil Simon está a cargo de Federico González del Pino y Fernando Masllorens, la puesta en escena resulta convencional y estática. La escenografía de Alberto Negrín sigue las pautas de los sets de televisión donde incluso se nota el esfuerzo por “avejentar” los objetos decorativos.
También el público que se acerca por Alfredo Alcón debe estar conciente que no va a ver el despliegue trágico acostumbrado. No es el Alcón del Rey Lear por el cual le otorgaron el premio ACE a mejor actor dramático. Sus trabajos en comedia nos remontan a películas como Cohen vs. Rossi donde sorprendía a todos vestido de mujer. Al encarnar a Manuel, un viejo cómico bastante senil y taimado, su voz se transforma en un balbuceo que el micrófono amplifica pero no necesariamente hace inteligible.
Sin lugar a dudas, el público que sigue a Guillermo Francella es quien más satisfecho resulta. El mismo público que está dispuesto a reír, aunque el actor encarne a un personaje mucho más anciano de lo que da su phisique du rol y que actúe una renquera tan inorgánica como intermitente. Francella, como Goyo, resulta simpático y comprador, caracterizado como un joven Gene Wilder canoso y pícaro. Como actor supo transformarse paulatinamente hasta trascender limitaciones y encasillamientos. Por eso cuenta con la ferviente e incondicional devoción de su público siempre dispuesto a aplaudirlo de pie.

Ficha técnica:
Los reyes de la risa
de Neil Simon
con Alfredo Alcón, Guillermo Francella, Peto Menahem
Dirección: Daniel Veronese

TEATRO METROPOLITAN
Av. Corrientes 1343 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 5277-0500
Web: http://www.teatrometropolitan.com.ar
Entradas desde: $ 90,00 -
Domingo, Miércoles y Jueves - 20:15 hs, Viernes - 20:45 hs, Sábado - 20:00 hs y 22:00 hs

Publicada en Tiempo Argentino, 23/08/2010

¿Servicio público o industria cultural?

2010-08-18T17:20:00.002-03:00

Colectivo Teatral invita a la charla:

¿Servicio público o industria cultural? Dos paradigmas para rediscutir el rol del Estado en el desarrollo de las artes escénicas.

Miércoles 18 de agosto, 19.00 hs.
Teatro La Tertulia
Gallo 826
Entrada libre y gratuita

Participan: Guillermo Heras, Alejandro Tantanian, Raúl Brambilla, Valeria Kovadloff y Silvia Pritz.
Modera: Alejandro Cruz.

Para más información: colectivoteatral@gmail.com

Básico y eficaz como un vestido negro

2010-08-17T16:06:00.002-03:00

El dato: Andrea Garrote escribió en 1996 La ropa donde ya entonces se planteaba con humor inteligente la innegable relación identitaria de las mujeres con lo que llevan puesto.

Vestidos, carteras, zapatos, accesorios la idea central de Amor, dolor y qué me pongo es que los recuerdos de una mujer se guardan en lo que lleva sobre el cuerpo. Mercedes Morán y Fidel Sclavo son los encargados de la versión local de Love, Loss and What I Wore de las hermanas Nora y Delia Ephron. Conocidas por dominar el género “comedia romántica” a la perfección, las autoras cuentan con éxitos cinematográficos tales como Cuando Harry conoció a Sally, Tienes un e-mail y la reciente Julie & Julia. A semejante antecedente, se suma un elenco de figuras encabezado por Leonor Manso y Cecilia Roth y el debut como directora de Mercedes Morán. Por donde se la mire, Amor, dolor y qué me pongo es una apuesta a ganador.
Una obra de mujeres, actuada por mujeres y destinada a una platea compuesta casi en su totalidad por mujeres. Un escenario austero, cinco banquetas y cinco actrices, cinco modelos de vestido negro. Sabemos de qué se trata. Cada una a su tiempo, le habla al público directamente, en la mejor tradición del stand-up. De manera que las historias se multiplican oscilando entre el testimonio de vida y el monólogo de humor. Como en Monólogos de la vagina o Confesiones de mujeres de treinta, cada una tiene su estilo y transita momentos reconocibles por todas. El dibujo de un vestido de fiesta, la búsqueda de la cartera perfecta y hasta la entereza de sobrellevar con estilo un cáncer de mama. Sin embargo, en su afán universal, la obra se evade de hablar de ciertos temas, por ejemplo del paso del tiempo y sus consecuencias. Exceptuando a Leonor Manso que reconstruye toda una vida a partir de la memoria de sus vestidos. El resto del elenco se centra en problemas de mujeres en unos eternos treinta años. Aquello que no encaja en la postadolescencia será erradicado. Incluso el incipiente embarazo de Ana Katz queda disimulado en los pliegues de su vestido. La gran ficción de la obra es hacer como que la menopausia no existe. Y hasta Cecilia Roth se ve y habla como una treintañera más. Los momentos más graciosos de la obra se los lleva Jorgelina Aruzzi con su desparpajo y recursos humorísticos. Amor, dolor y qué me pongo resulta un espectáculo dinámico y divertido, elegante y versátil como un buen vestido negro.

Ficha técnica:
Con Cecilia Roth, Leonor Manso, Jorgelina Aruzzi, Ana Katz y Mercedes Scápola.
Adaptación: Mercedes Morán y Fidel Sclavo
Dirección: Mercedes Morán,

Teatro Tabarís –Av. Corrientes 831
Miércoles, jueves y viernes a las 21 hs. Sábados a las 20 y a las 22 hs. Domingo a las 18.30 y a las 20.30 hs.
Entradas en venta en el teatro y en www.plateanet.com.ar

publicado en Tiempo Argentino, 16/08/2010

Recordando a una grande

2010-08-10T16:52:00.002-03:00

La sala Kabaret queda en el segundo piso del Maipo, legendario teatro que antes fuera de revista. La escalera de acceso tiene una galería de fotos dedicada enteramente a una de las grandes actrices y cantantes argentinas, Tita Merello. Los retratos la muestran como damita joven, como vedette rea, con ojos soñadores y boca carnosa, como actriz consagrada, como anciana combativa y dura. Una vida dedicada al escenario, un siglo entero de éxitos y soledad. Esas fotos anticipan el espectáculo que nos convoca: Dijeron de mí. La actriz Virginia Innocenti imaginó, entre la añoranza y el tributo, este bello homenaje a Tita.
Un tributo para alguien que ya es todo pasado: del “se dice” al “dijeron”. El cambio de tiempo del título de la obra habla a qué público se dirige. Aquellos que en su momento supieron “qué se decía de ella”. La obra no es explicativa o biográfica, más allá de recordar su verdadero nombre, su debut en el Bataclán, su mal de amores, sus frases célebres. Al comienzo resuena una pregunta en off: ¿Cómo son los momentos previos a morir? El espectáculo será entonces un aluvión de recuerdos, algunos felices, otros atormentados que se enciman, arremolinan y componen una vida. Cuanto más se conoce sobre Tita, más se disfruta Dijeron de mí. El hilo conductor es la música. Grandes tangos que permiten repasar e identificar los vaivenes de la vida de Tita: Niebla del Riachuelo, Se dice de mí, Arrabalera, Pipistrela y tantos otros. Si la Merello tenía esa voz ronca, fuerte y tan característica, Innocenti es toda suavidad en su interpretación. Si Tita era conocida por su carácter indómito y su rebeldía popular, Virginia resulta en comparación algo fría y distinguida. Una de las decisiones más interesantes de la puesta es que en esta evocación a Tita no se busca emular su estilo, tan solo recordarlo. Eso le da un matiz elegante, distanciado y emotivo. Diego Vila, al piano, va marcando con soltura el pasaje de un número a otro. La elección de los distintos fragmentos resulta acertada y los arreglos están hechos con gusto. En esta oscilación entre el repertorio de la Merello y los datos de su vida, Dijeron de mí se decide terminar con el aspecto biográfico, tal vez más teatral, pero nos deja con ganas de un bis a todo tango.

Ficha técnica:
Libro: Virginia Innocenti. Con Virginia Innocenti y dirección de Luciano Suardi. Con el acompañamiento al piano de Diego Vila.
Funciones: Jueves a Sábados a las 21hrs. Domingos a las 20hrs.
Venta en boletería del teatro o telefónica en Platea Net 5326-3000 Tarjeta VISA Crédito ó VISA Débito.
Maipo Kabaret - Esmeralda 443 2do. Piso / 4322-4882/8238

Publicada en Tiempo Argentino el 09/08/2010

Nueve dramaturgos en busca de los secretos de la escritura teatral

2010-08-05T15:25:00.007-03:00

Un ciclo de clases magistrales en el Malba. Los autores abordan el proceso de elaboración de textos en el marco del Proyecto Sur. Iniciaron el ciclo Eduardo Pavlovsky y Ricardo Monti y pasarán Mauricio Kartun y Philipp Löhle. ¿Los organizadores? Joachin Gersteier y Alejandro Tantanián.

A quien escribe piezas teatrales se lo llama “dramaturgo”, definición concisa pero que esconde innumerables problemas. ¿Desde dónde se escribe teatro? ¿Desde el escenario, con los actores, en la soledad del escritorio? ¿Qué estatuto tienen las palabras del drama?, ¿son dignas de registrarse, deben editarse en libros o su destino es perderse en cada representación? ¿Qué tiene de particular la escritura dramática? Dentro del ambicioso proyecto Escena Sur, tiene lugar en el Malba un ciclo de nueve clases magistrales dictadas por importantes dramaturgos argentinos y extranjeros. La propuesta es abordar las peculiaridades del texto teatral desde su perspectiva creadora. Sin duda, uno de los aportes más interesantes del ciclo es la diversidad de estéticas y puntos de partida para acercarse a la escritura teatral. Abrieron el ciclo Eduardo Pavlovsky y Ricardo Monti, dos de los grandes maestros del género dramático argentino.

Pavlovsky fue agasajado recientemente por cumplirse cincuenta años del estreno de su primera obra, La espera trágica. En su conferencia, fue alternando la lectura rigurosa de sus reflexiones teóricas y la explicación improvisada a partir de ejemplos y anécdotas. “¿Cómo es ponerse en la cabeza de un personaje ‘represor’?”, se preguntaba. Su concepción del teatro político quedó circunscripta a la lectura de los años del terror. Uno de los momentos más interesantes fue cuando ejemplificó cómo construir un espacio escénico y brindó al público una muestra de su talento actoral. Luego concluyó diciendo: “no soy un teórico del teatro; como actor, conceptualizo mis prácticas”.

Otro fue el estilo de Ricardo Monti. Subió al escenario y ante nuestros ojos expectantes se convirtió en el niño enamorado de las palabras que supo ser. El autor de Visita contó qué difícil le resultaba escribir un texto dramático. Sólo conseguía hacer diálogos y él intuía que el teatro era otra cosa. Un día descubrió la solución y pudo transformar la novela que estaba escribiendo. Así surgió su primera obra Una noche con el Sr. Magnus e hijos. Monti entiende al teatro como la delimitación de un lugar donde todo tiene sentido. “Es la vida, pero más iluminada”, concluyó.
Con el correr de las clases, se va armando un mapa complejo y diverso de las mil maneras de llegar a un texto teatral. Por ejemplo, Guillermo Calderón sorprendió al afirmar que parte siempre de una idea política. Por su parte, Romina Paula y Ariel Farace incluyeron otro concepto: la improvisación con los actores. Rafael Spregelburd abrió su conferencia con un inquietante video musical peruano y centró su clase en la importancia de trabajar con el azar en el proceso creativo. Luego propuso un ejercicio de escritura para ejemplificar sus palabras. Aportó lúcidas reflexiones en torno a las características y complejidades de la estructura dramática.
Las clases magistrales continúan hasta el 13 de agosto y contarán con la presencia de Mauricio Kartun, Philipp Löhle y Emilio García Wehbi.

La intimidad del proceso creativo. Entrevista con Guillermo Calderón.

La primera semana de conferencias se completó con la presencia de Guillermo Calderón. El dramaturgo y director chileno que fuera figura del pasado Festival de Teatro con sus obras Neva y Diciembre, habló de “La dictadura del aburrimiento”. Antes de su charla, concedió a Tiempo Argentino una entrevista:

–¿Cómo deberían interesarse los jóvenes hoy en la dictadura?
–Las generaciones más jóvenes están aburridas de la idea de dictadura. Es un desafío para toda la gente que hace teatro el abordar ese tema sin aburrir. No hacer de la dictadura algo entretenido sino interesante. Mi próxima obra trata justamente de ese tema. Por eso elegí ese título.
–¿De qué modo abordarlo?
–Lo primero que tiene que haber es una ultrainformación. Una investigación profunda de lo que pasó. En segundo lugar tiene que haber una crítica verdadera a quien le valió la impunidad para la violación de los Derechos Humanos. En tercer lugar, hay que hacerse cargo de la inmensa fractura de lo que ha ocurrido en el país. La ideología dominante actual es que no podemos seguir eternamente pegados en el pasado. Tenemos que ser capaces de mirar hacia el futuro. Esa es para mí la ideología de la impunidad. Si uno pretende entender el Chile de hoy sin esa historia, simplemente no se entiende y no vale la pena.
–¿Cómo es el teatro chileno hoy?
–Un teatro cada vez más diverso, de gente joven. Hay una generación muy interesada en la marginalidad como principal metáfora política.
La vida del pobre, la violencia, y eso es lo que retrata mejor una especie de quiebre en el sistema. En Chile hay dos grandes metáforas: la violencia y la marginalidad, para hacerse cargo de que aquí hay un trauma no explícito en el país. Eso es lo que yo veo principalmente.
–¿Cómo llega a una situación dramática a partir de una idea?
–Básicamente parto de una idea política. Desde ahí, sale la necesidad de explicarla, de discutirla. Entonces, ¿qué personajes pueden crear una situación dramática?
–¿Cómo continúa el procreso creativo?
–Luego construyo la situación dramática simple, por lo general una situación doméstica. Una sala de clases, una familia en una cena de navidad o un grupo de actores ensayando una obra de teatro. Comienzo a explorar la idea de que ellos discutan. ¿Cómo pueden discutir y finalmente expresar su idea? Todo apunta hacia un clímax de ideas y no a un clímax de emoción.
–¿Cómo es su trabajo como director en relación con la escritura?
–El director en mí es el editor de la obra.
–¿Qué significa eso exactamente?
–Cuando la obra se escribe, el director no tiene compasión con el dramaturgo. Lo corta, lo parte. Es un director bastante severo, capaz de decir claramente lo que sirve y lo que no.
–¿Trabaja siempre con un mismo elenco?
–Por lo general trabajo con amigos. No soy bueno para trabajar con gente que no conozco.
Me gusta escribir para actores específicos y entonces soy capaz de ver cómo me gustaría que él o ella actuaran. Les escribo cosas especiales para ellos.
–Es decir que prefiere establecer relaciones muy cercanas con los actores.
–Sí, es una relación bastante íntima. Típica del teatro, también.

publicada en Tiempo Argentino el 5/8/2010
fotos de Ernesto Donegana

personas que quizás conozcas

2010-08-03T16:03:00.009-03:00

¿Qué dice de la amistad ser amigos por facebook? ¿Hay usos “correctos” de la exposición pública? En muy pocos años, las nuevas tecnologías han modificado profundamente nuestra vida. Eso es innegable pero también es decir poco. Así como se reactualizan viejas costumbres y vínculos, también se crean muchos nuevos. José María Muscari le propuso a un grupo de actores investigar en este fantástico aleph de las relaciones humanas, la red social virtual más influyente, el facebook. A partir de esta idea original, se dedicaron a hacerla rendir. Muscari (y los actores) eran usuarios obsesivos y manejaban a la perfección las singulares categorías de facebook: amigos, etiquetas, grupos, perfil, muro, estado, etc. El resultado fue una obra de teatro que, luego de un casting multitudinario, se multiplicó en siete elencos diferentes. Están los míticos, sex, tours, hot, stars, teens y freaks. Cada elenco aporta su matiz y se puede elegir, según la sensibilidad del público, a qué función asistir. Feizbuk se da de miércoles a domingo en la Ciudad Cultural Konex.
En el programa de mano se aclara que el texto de Feizbuk no es ficción pero tampoco es una obra testimonial. Se arma a partir de lo que distintas personas exponen de sus vidas en Internet: una mujer que habla a su familia de sus amantes, un chico que murió pero que sigue actualizando su muro, gente que miente, que odia, que quiere volverse famosa a cualquier costo.
En el foro se proyecta en tiempo real la sesión de facebook de Muscari y cada uno de los casos que se consideran es mostrado en la pantalla: el que está pero se esconde, el que se exhibe sin pudores. Feizbuk denuncia tanto la ingenuidad de algunos como el oportunismo de otros. Completan la escenografía un gran cartel luminoso, micrófonos y las coreografías de los cuerpos de los actores.
¿Los casos que se presentan son rarezas o la norma? Neo-nazis, asesinos de gatitos, pedófilos, la red parece el lugar indicado para que se exhiban los seres más despreciables de la humanidad. Con astucia, Muscari aprovecha el carácter público de la red para morderle la cola. Así crea un ready-made hipnotizante y encuentra arte en las contradicciones y las ya cotidianas miserias virtuales.

- FEIZBUK MITICOS -

7 QUE YA HICIERON MUSCARI: Miercoles 21 HS
Ya son viejos conocidos, si viste Muscari, los viste.
Lo mejor del Olimpo Muscariano!
Actúan: Martin Otero - Emiliano Figueredo - Maruja Bustamante - Laura Espinola - Diego Rinaldi - Felipe Rivera Valencia - Natalia Giardinieri

- FEIZBUK SEX -

7 CHICAS TRANS CON CHICOS GAYS: Jueves 21 HS
De sexo, Vos que sexo sos? Ellos lo saben y lo exponen, se exponen en este Feizbuk de Muscari
Actúan: Juan Manuel Cabrera - Naty Menstrual - Lucia Escobar - Delfina Bianco - Marcelo Blanco - Richie Guzman - Victoria Cortes

- FEIZBUK TOURS -

7 EXTRANJEROS DE CUALQUIER LUGAR: Viernes 21 HS
Tienen cantito, no son de acá, nacieron en otro lado, lejos, pero están radicados, hablan paposo y se exponen lejos de mamá.
Vení, mirá y escucha, Feizbuk es internacional!
Actúan: Cesar Riveros (Chileno) John Aguirre Garcia (Colombiano) Maria Alcalde Montt (Chilena) Pilar Esteban Calle (Española) Milko Bikic (Brasilero) Herve Segata (Francés) Saeed Pezeshki (Mexicano)

- FEIZBUK HOT -

7 PERRAS Y CHONGOS A FULL: Viernes 23 HS.
Ellos son hot, calientes, te calientan, se calientan. Dejate calentar, calentate. Así es Feizbuk, si lo sabrás!
Actúan: Pablo Rojas - Facundo Cardosi - Constanza Molfese - Paula Meson - Miriam Lanzoni - Martin Crespo - Marianela Resera

- FEIZBUK STARS -

7 QUE LA FAMA LOS MERODEA: Sabados 21 HS
Les conoces la cara, los tenes de algún lado, son familiares de un famoso, son famosos, lo fueron o lo serán. Fama relativa. Fama Feizbuk
Actúan: Luis Bremer - Tania Luna - Mariana Brey - Valeria Britos - Federico Ayos - Jezabel Yacuzzi - Señorita Lee

- FEIZBUK TEENS -

7 PENDEX EN ESTADO DE EBULLICION: Domingos 19 HS
Son jóvenes, juveniles, teens! Pero se exponen, no se esconden, se muestran y te muestran.
Actuan: Federico Vallejos Ariel Francilessing - Pablo D Elia - Guadalupe Torres - Daniela Gaitan - Brian Ynserra Arezo - Daiana Arias

- FEIZBUK FREAKS -

7 RAREZAS VARIAS DEL MONTON: Domingos 21 HS
Son raros, peculiares, particulares, atractivos, freaks! en Feizbuk de Muscari se dejan ver vení, miralos.
Actúan: Carlos Folias Maiamar Abrodos - Marina Castillo - Bimbo Godoy - Leo Espindola - Marisa Bredice -Silvia Armoza

CIUDAD CULTURAL KONEX
Dirección: Sarmiento 3131
Reservas: 4864-3200
Funciones: Miércoles y jueves 21hs. Viernes: 21 y 23hs. Sábados 21hs. Domingo: 19 y 21hs. Localidades: $40

publicado en Tiempo Argentino, 2/08/2010

Triller trillado

2010-07-30T14:44:00.003-03:00

El viernes pasado se estrenó ¿Quién es quién? en el teatro de El Cubo. Una intriga policial que comienza cuando un guionista famoso pero en decadencia invita a su casa a un joven y ambicioso escritor en ciernes. A pesar de que promete muchos giros inesperados, la trama es tan floja como predecible. El escritor, la esposa insatisfecha, la vecina entrometida, el abogado… un lugar común atrás del otro. Los temas principales, el deseo y el poder, son tratados con la mayor liviandad a partir de la anunciadísima subtrama gay y la resolución por el recurso del teatro dentro del teatro. Se reproduce, además, una idea del campo intelectual, con su sistema de publicación y crítica, inverosímil en su ingenuidad. Todo pareciera justificarse por la búsqueda de un guión perfecto. Es la eterna fantasía de “salvarse”. Sosteniendo la infantil idea de que con la sola publicación de un guión de historieta alcanza para volverse millonario.
¿Quién es quién? elige escudarse en el humor, en la búsqueda de “situaciones delirantes”, para quedarse en la superficialidad más absoluta. Aquello que quiere ser artificio cae en una serie repetitiva de ruidos y efectos. La estética es retropop. Se alude al mundo del cómic pero rápidamente se desdibuja quedando solamente algunas marcas en el vestuario, propio de los años setenta, y los colores puros del programa de mano. La escenografía parece un decorado de televisión; así como los actores parecen niños jugando a ser adultos. Una parodia de aquello que creen es el comportamiento de los “grandes”. ¿Una decisión del director o simplemente una estudiantina? En el escenario no hay más que chicos simpáticos que actúan para otros chicos simpáticos que disfrutan de esa propuesta.
Una mención aparte es para los cortos con cameos de “famosos”: Lucho Avilés, Diego Ramos, Héctor Díaz o Nicolás Scarpino. Estos fragmentos filmados que se intercalan en distintos momentos de la obra nos revelan qué concepto tienen del teatro tanto el autor como el director. En la pantalla vemos “lo que no se puede mostrar” en el escenario. Estos cortos se corresponderían con las escenas de “exteriores”. Resultando así el teatro un espacio empobrecido, televisivo. ¿Quién es quién? a pesar de proponerse como puro juego no logra crear un tono teatral interesante.

Ficha técnica:
ELENCO: Adrián Pajhon / Anita Gutierrez /Diego Coran Oria /Juan Barreiro /Karina Hernández/ Lautaro Metral
Dirección: Nicolás Scarpino
Dramaturgia: Adrián Pajhon
Asistencia de Dirección: Kevin Cass
Diseño y Realización Audiovisual: Martín Vatenberg
Diseño y Vestuario: Loreley Portas
Diseño y Realización de Escenografía: Gonzalo Córdoba Estévez
Asistencia de Escenografía: Dalia Kluger
Diseño de Luces: Sandra Grassi
Banda Sonora Original: Nacho Medina
FX: San Jorge
D.G: Kari Hernandez, Estudio Merd
Foto. Rocío Crudo
Prensa: Octavia Comunicación y Gestión Cultural
Producción: Juan Paya

Cortos:
Dirección: Martín Vatenberg
Cámara: Sandra Grossi
Asistencia de Dirección: Daniel Bula
Asistencia de Dirección: Mariana Borella
Dirección de Arte: Ezequiel Galeano
Foto Fija: Rocío Crudo
Edición: Gonzalo Murna Losada
Actúan: Lucho Aviles, Diego Ramos, Hector Diaz, Ale Fidalme, Florencia Valerio, Jimena Conde, Micaela Di Fiore, Sergio Calvo y Nicolás Scarpino.

publicada en Tiempo Argentino,26/07/2010

es hora de replantearse algunas cosas

2010-07-20T23:56:00.002-03:00

Pasa un chico con una remera roja que dice “no soy virgen”. Todos, chicos y chicas, usan maquillaje. Las chicas usan boinas; los varones, gel. Uno de los pocos hombres adultos tiene una falda y medias escocesas. Es canoso, algo calvo y le falta la gaita. Espero lo que parecen horas bajo una lluvia leve pero molesta. A codazos accedo a un espacio techado donde la gente mata por un daiquiri o alguna pieza de sushi gratis. Apenas me puedo mover. Hay fotógrafos. Hay chicas y chicos de la tele. No conozco a nadie pero todos me parecen levemente conocidos. Los que están, los que estuvieron, y los que quieren estar se reunieron para el estreno de prensa de Quién es quién. Estoy empapada, con frío, me acaban de robar el estereo del auto. Yo me pregunto ¿qué estoy haciendo acá?

Música para niños que disfrutan los padres

2010-07-20T15:41:00.003-03:00

Desde hace veinte años, el grupo Caracachumba realiza shows musicales para niños. Ya tienen cinco discos editados que se corresponden con los sucesivos espectáculos. Su último estreno se llama Caracachumba a la carta donde, a partir de distintos cuadros, repasan muchos de los grandes éxitos del grupo. Caracachumba a la carta propone un “menú del día” con “revuelto de candombes”, “sillas en su jugo” o una “brochette de instrumentos”.
La propuesta gastronómico-musical se desdibuja con el correr de las escenas. Los cuadros resultan separados. No se articulan entre sí sino que tematizan cierta actualidad que interesa a los niños como las vacaciones de invierno o el fútbol. Como todo espectáculo episódico, algunos cuadros se disfrutan más que otros pero en su conjunto componen un todo armónico y virtuoso. En los pasajes estrictamente musicales resalta el interés por introducir a los pequeños en diferentes ritmos: candombe, salsa, tango, entre otros. Aunque no siempre se entiende la letra de las canciones y, por eso mismo, se pierde el sentido de ciertas acciones cómicas. Los músicos tienen oportunidad de lucir su virtuosismo. Siendo la estrella “Ensalada rusa” donde los intérpretes van intercambiando manos e instrumentos en un nudo musical intrincadísimo. Los cuadros de los varones resultan más predecibles que los de las mujeres. Por ejemplo, el genial diálogo sobre Teresa, Chiche y Copete del cuadro “Vecinas al dente” donde las tres componen un canon de trabalenguas desopilante.
Una mención aparte se merece el trabajo de clown de Violeta Naon que brilla con su acostumbrada espontaneidad y gracia. Los cuadros donde interviene resultan los más divertidos y esperados.
El diseño de la escenografía y el vestuario aporta colorido y juego a la propuesta. Objetos utilizados con inventiva, que no por su sencillez dejan de ser atractivos y mágicos. Un banco de madera se convierte ante nuestros ojos en un instrumento musical o una falda de volados, en un mar embravecido. Lo que prevalece es el juego. Así, para la canción Mariposa, ya cerca del final, las luces bajan y entre el público vuelan unos títeres que los niños intentan tocar. El cierre nos deja con ganas de más. Eligen terminar sin estridencias, anunciándolo pero sin brillo. Lo menos memorable de un buen espectáculo.

Ficha técnica:
Con Silvio Cattaneo, Javier Estrin, Pablo Moral, Violeta Naón, Marina Sauber, Florencia Steinhardt
Vestuario y Escenografía: Azul Borenstein
Arreglos y Dirección Musical: Javier Estrin
Puesta en Escena: Martín Joab
Idea: Florencia Steinhardt - Marina Sauber
Producción y Dirección General: Florencia Steinhardt

Teatro Metropolitan 2 -Av. Corrientes 1343-
Funciones: sábados, domingos y feriados 16.30 hs.
Vacaciones de invierno: Todos los días 16.30 hs.
Localidades: $ 40 y $ 50 en venta por Plateanet 5326-3000 www.plateanet.com y en el teatro

Publicada en Tiempo Argentino, 19/07/2010

dramaturgia en el Malba

2010-07-14T14:43:00.003-03:00

ESCENA SUR presenta un ciclo de Clases Magistrales en el Malba sobre la creación del texto teatral

En este ciclo de nueve conferencias, que se realizarán en el Malba-Fundación Costantini entre 19 de julio y el 11 de agosto, algunas de las figuras más relevantes de la dramaturgia argentina, latinoamericana y europea abordarán diversas cuestiones específicas de la creación del texto teatral desde su experiencia y perspectiva creadora.
Costo por clase: $ 50. Costo por 4 clases: $160. Costo ciclo completo: $240.
Inscripción en la recepción del museo, de lunes a domingo (excepto los martes) de 12:00 a 19:30.

CRONOGRAMA DE CLASES

Lunes 19 de julio
18:00 | Eduardo Pavlovsky: "Textura intrínseca de lo político en mi teatro".
19:30 | Ricardo Monti

Miércoles 21 de julio
16:00 | Guillermo Calderón (Chile): La dictadura del aburrimiento.

Lunes 26 de julio
18:30 | Romina Paula y Ariel Farace: La palabra en la escena. Una aproximación a algunos procesos de escritura y montaje.

Miércoles 28 de julio
16:00 | Horacio Banega (Argentina): Hechos dramáticos y textos filosóficos: convergencias, divergencias y referencias

Lunes 2 de agosto
18:30 | Rafael Spregelburd: La agonía del significado.

Miércoles 4 de agosto
16:00 | Philipp Löhle (Alemania): Panorama de la joven dramaturgia europea.

Lunes 9 de agosto
18:30 | Emilio García Wehbi: Intertextualidades, citas y derivas en la dramaturgia contemporánea.

Miércoles 11 de agosto
16:00 | Mauricio Kartun: Índice, el gran artefacto teatral. La construcción de lo invisible como mecanismo oculto del drama.

Mujeres puertas adentro

2010-07-13T15:39:00.003-03:00

Ya se ha visto antes en el teatro independiente que una misma escenografía pueda servir a varias puestas distintas. Proyecto vestuarios hace eso y más. Son dos obras que comparten incluso la misma anécdota básica. Un equipo amateur llega a la final del Mundial de un violento y exótico deporte llamado Lacrosse. Por este motivo viajaron hasta Hungría. Cada espectáculo se divide en dos escenas. Una muestra al equipo antes de la final y la otra, una vez terminado el partido. En el Proyecto vestuarios es el género (masculino y femenino) el que está proponiendo y condicionando la performance. Dos obras en espejo, una protagonizada por mujeres y otra, donde el equipo es de varones.
Vestuario de mujeres invita al placer voyeur. Ya desde el título se está proponiendo el juego impune de espiar en la intimidad de un grupo de mujeres. Esa curiosidad será saciada en todos sus pliegues al tiempo que será traicionada por los equívocos de la incomunicación. Un verosímil jugado hasta en los últimos detalles que alcanza puntos de saturación. La relación “mujeres y deporte” es siempre compleja y contradictoria. En este caso más cuando se trata de deportistas de un club de barrio viviendo un momento trascendente en sus vidas. Vestuario de mujeres cuenta con un elenco numeroso y muy parejo donde cada actriz tiene la oportunidad de lucirse. Los equívocos de la ideología del deporte se muestran al desnudo: los alcances del ansia de ganar, los límites del espíritu de equipo, las traiciones, las cábalas absurdas, el oportunismo y la estrechez de miras. Con el agregado de sobrevolar inteligente y silenciosamente un “Así somos las mujeres”. A partir de coquetear con este lugar común se burla tanto de la justificación como del regodeo peyorativo. Todo eso junto vuelve a este vestuario un experimento de laboratorio de los vínculos humanos.
La escenografía está muy lograda. Tiene el poder mostrar el espacio inconfundible de un vestuario y al mismo tiempo evocar lo que pasa extraescena. Podemos intuir la rudeza de la práctica deportiva, la lluvia, la lejanía. Desde la dirección se equilibran los cuerpos, las situaciones y los diálogos dándole profundidad a lo que se propone tan liviano como un comentario al pasar.

Ficha técnica:
Proyecto Vestuarios
Autor y director: Javier Daulte
Asistente de dramaturgia y director adjunto: Héctor Díaz
Asistencia de dirección: Leandro Orellano / Ezequiel Peleteiro
Producción ejecutiva: Sebastián Polito
Escenografía: Alicia Leloutre
Iluminación: Gonzalo Córdova
Vestuario: Mariana Polski
Hakas: Luciana Acuña

Elencos
Vestuario de hombres: Joaquín Berthold, Federico Buso, Julián Calviño, Gerardo Chendo, Héctor Díaz, Juan Grandinetti, Walter Jakob, Javier Niklison, Marcelo Pozzi, William Prociuk y Ezequiel Rodríguez
Vestuario de mujeres: Dana Basso, Elisa Carricajo, Valeria Correa, María Marull, Paula Marull, Laura Paredes, Ana Pauls, Marcela Peidro, Débora Zanolli y Magela Zanotta

Funciones:
Vestuario de hombres viernes 21 hs y sábados 23 hs
Vestuario de mujeres sábados 21 hs y domingos 20 hs

Localidades: $ 50.-

Espacio Callejón - Humahuaca 3759 – Informes: 4862-1167

Publicada en Tiempo Argentino, 12/07/2010

Retorno al hogar

2010-07-06T16:32:00.002-03:00

En el programa de mano de Hasta que la muerte nos separe se resalta con mayúsculas que se trata de una comedia. Pero este dato tiende a pasarse por alto al ver la foto de Mirta Busnelli con la cara desencajada de dolor. ¿Será una comedia negra? ¿Otra familia disfuncional a escena? Hasta que la muerte nos separe formó parte del ciclo de lecturas de obras francesas contemporáneas y ahora realiza una nueva temporada en la Ciudad Cultural Konex. Tras la muerte de la abuela, una madre y su hijo se reencuentran en el funeral. Solemnidad, cansancio y tristeza en sus caras. Llegan del cementerio. Repiten los lugares comunes del caso: cuánta gente los acompañó o qué hacer con las cenizas. Un primer momento intenso, que se sostiene a partir de gestos mínimos. Queda instalado el tono de la obra, pequeño, intimista.
Luego, una serie de equívocos predecibles y hasta ridículos organizan la trama. Paralelamente se procesan, silenciados y a destiempo, momentos significativos en la vida: la muerte, el amor y el matrimonio. Y también la pregunta ¿cuándo se deja, por fin, de ser “hijo”? Hasta que la muerte nos separe pareciera ceñirse a la idea de Antón Chejov de hacer una obra de teatro equivalente a la vida. Una obra donde la gente no haga otra cosa que comer mientras se van forjando sus destinos y se van destruyendo sus vidas. Y aunque prometía comedia negra, Hasta que la muerte nos separe termina alivianándose. Incluso por demás. Y se queda solamente en una serie de enredos y mentiras pueriles.
El gran atractivo de la obra, sin embargo, recae en las actuaciones. Mirta Busnelli compone a una madre balbuceante, en pleno duelo. Se puede mostrar frágil y lúcida, incisiva y errática al mismo tiempo. Está bien secundada por Javier Lorenzo, en quien recae también el papel de narrador y protagonista. El espacio escénico está utilizado con economía y alcanza una rara belleza poética: pocos objetos, gran poder de evocación. Va en la misma línea que Paul Desveaux utilizó para la dirección de actores: intensidad realista y quiebres estetizados que buscan sintetizar un resultado. Hasta que la muerte nos separe nos brinda un placer incompleto: disfrutar del trabajo de excelentes actores a pesar de la poca ambición del texto del francés Rémi de Vos.

Ficha técnica:
Con Mirta Busnelli, Javier Lorenzo y Céline Bodis
Dirección: Paul Desveaux
Escenografía: Sol Sotto y Paul Desveaux

Sábados y Domingos a las 20.00 hs.
Ciudad Cultural Konex – Sala B – Sarmiento 3131, Buenos Aires
Reservas: Tel 5237-7200 - www.ticketek.com.ar
Entradas: desde $ 50.- estudiantes y jubilados $ 35.-

Publicada en Tiempo Argentino, 5 de julio de 2010.

2010-07-06T15:55:00.000-03:00

2010-07-05T15:26:00.000-03:00

Los secretos de la industria

2010-07-01T16:48:00.003-03:00

¿Cómo se decide qué guión tiene lo necesario para transformarse en película? The producers, film que en 1968 realizó Mel Brooks, cuenta cómo dos pícaros planean una estafa haciendo el peor espectáculo posible. En su esfuerzo por fracasar, su musical es tan malo que se convierte inmediatamente en un éxito. Qué atractivo resulta el detrás de escena del show busines. Años después, en un capítulo de la sit-com Seinfeld, se ve una entrevista con los productores del canal de televisión. Allí, un indignado George Constanza se niega a comprometer “su integridad artística”. Jerry Seinfeld lo hace entrar en razones recordándole que él no es íntegro y mucho menos es artístico. Una síntesis perfecta a un eterno dilema estético.
En Pirañas, Gerardo Romano encarna a Daniel Gold, un productor de cine en la cima de su carrera, ante la posibilidad de optar por dos caminos opuestos. Uno lo propone Charlie Fox, un cínico y chispeante José María Muscari, que le trae un negocio redondo con sexo, violencia y Viggo Mortensen. La otra opción, la “artística”, la sostiene Karen, la secretaria, a quien Carolina Papaleo le pone el cuerpo. El texto es maniqueo: o la basura que les gusta a todos o lo sublime del arte. Los opuestos están planteados ingenuamente y sin matices. La pregunta obligada es ¿qué tiene de malo “entretener”? Y también, ¿qué tiene de bueno el arte en Pirañas? Lo deseable como “artístico” es un pastiche moral sobre el miedo a la muerte, la ecología y la soledad del hombre.
De manera análoga, la disposición de la escenografía es tan plana que obliga siempre a algún actor a quedar de espaldas. Aunque la historia se vuelve por momentos aburrida y predecible, la adaptación fluye a partir de lo que aportan los intérpretes. A Romano le queda muy bien la caracterización del empresario sin escrúpulos, cínico y seductor que duda en un momento de debilidad. Muscari también se luce con espontaneidad y malicia. Entre los dos se dan los mejores pasajes de la obra, que por lo demás resulta estática y verbosa. Topless de Papaleo incluido, queda el interrogante: ¿estos productores apostarían por el espectáculo que protagonizan?

PIRAÑAS
De David Mamet (en versión de Fernando Masllorens y Federico González Del Pino)
Con: Gerardo Romano, Carolina Papaleo y José María Muscari
Dirección: Marcelo Cosentino
Producción General: Javier Faroni

TEATRO DE LA COMEDIA
Rodríguez Peña 1062
Funciones de miércoles a domingos 20:30 hs.

Publicada en Tiempo Argentino, 28/06/2010

Un musical de terror

2010-06-23T16:24:00.003-03:00

En un escenario muy amplio, custodiado por dos grandes pantallas de video, se proyectan imágenes del cementerio de la Recoleta. Es de noche y además, llueve. Se abre el telón y una rubia de hot-pants danza con zombies. ¿Buffy, la porrista cazadora, en el video de Thriller? No, esta semana se estrenó en el Broadway 2 Noctámbulo, primer musical argentino de vampiros con temática adolescente. El protagonista es Demian Walker, un excéntrico cineasta inglés que vive su vampirismo con estilo pero sufre la carga de su inmortalidad solitaria. Aunque la trama difiere, muchos de los detalles de esta historia de amor se inspiran en la exitosa Crepúsculo, otra de vampiros. Las similitudes van desde lo abultado de las cabelleras masculinas al tono de algunas escenas. De allí que la trama descanse en explicitar lo obvio. Ariel Iannotti, el autor y protagonista, abusa de su dicción pasmosa. En su intento por sonar anacrónico, habla como en una mala traducción. Aparte, digan lo que digan, siempre resultará poco creíble un vampiro que use jeans blancos. Algunos de los cuadros musicales son muy buenos. Otros, demasiado estáticos, no revisten interés. Se destaca la vitalidad sado-maso de Pablo Heredia, el vampiro malo, un sexy vengador al que desearíamos ver triunfar. Mientras tanto, la tecnología gana protagonismo en sesiones de chat, búsquedas en Google y mensajes de texto amplificados por las pantallas gigantes.
Con predominio de un sentimiento adolescente, en Noctámbulo las vivencias pueden ser profundas pero siempre parecerán banales. Por eso, el protagonista afirma que “está mal” ante la noticia de que su secretaria fue literalmente comida por vampiros.
Las canciones, pegadizas, bien ejecutadas, hacen brillar la potente voz de Germán Barceló. También Lourdes Estrella se luce con su espontaneidad y humor. Las escenas de acción tienden a desincronizarse logrando efectos ridículos. El resultado alcanza sobradamente el estatuto de bizarrerie. ¿Un excelente producto para adolescentes? ¿O un mediocre espectáculo para toda la familia? Entre vampiros y chupasangres, Noctámbulo aparece en la cartelera porteña como un raro subproducto local de un furor internacional.

Ficha técnica:
Con Ariel Iannotti, Fernanda Neil, Pablo Heredia, Germán Barceló, Lourdes Estrella y gran elenco.
Libro: Ariel Iannotti
Música original: Alejandro Zanzi
Dirección general: Jorge Mazzini
Coreografía: María José Vexenat
Funciones: Lunes, Martes y Miércoles a las 21 hs.
Localidades: Desde $ 50.-
Duración: 1 hora 40 minutos (sin intervalo)
TEATRO: BROADWAY II.
AV CORRIENTES 1155 – Informes: 4382-2201

Publicada en Tiempo Argentino, 21/06/2010

una princesa malcriada

2010-06-23T16:17:00.003-03:00

El dato: Estrenada en 1968 en el nuevo teatro “Apolo” con Pinti como el dragón, Mi bello dragón se convirtió en un clásico de la comedia musical. Innumerables veces representada, fue editada como libro por Colihue en el 2006.

Ya desde hace bastante tiempo, los cuentos de hadas tradicionales vienen siendo revisitados y resignificados con diferente grado de efectividad e ingenio. Luego de una propuesta tan lúcida como la saga de Shrek, por nombrar sólo un ejemplo, ningún niño se escandaliza ante una princesa caprichosa o un príncipe algo desorientado. Hasta puede resultar un lugar común. Hace cuarenta años, cuando todavía no estaba de moda mostrar el otro lado de los cuentos infantiles, Enrique Pinti lo hizo en clave de comedia musical con Mi bello dragón. ¿Qué aporta de nuevo esta versión con Marcos Gómez, Vanesa Butera y Diego Hodara, dirigida por el mismo Pinti y Ricky Pashkus?
Mi bello dragón cuenta la historia de una princesa rebelde y malcriada que busca el amor lejos de su aburrido castillo. Entre hadas inútiles, nobles traidores, adivinas embusteras y guardias confundidos se establece la serie de equívocos que llevan a Roblecito, un joven altruista y enamorado, a enfrentarse con el temible dragón.
El uso de un lenguaje anacrónico, propio de un cuento de hadas, produce un efecto extraño al proponer distintos registros: la gitana, atractiva tanto en sus cualidades para el baile como en su tonada andaluza; el duque y demás hombres de la nobleza con un acento castizo claramente diferenciado de los otros habitantes del pueblo. Eso basta para delinear a los personajes.
En un guiño de humor muy presente en los espectáculos infantiles para que los adultos también se sientan interpelados, el dragón, carismático y juguetón, interpretado con simpatía por Marcos “Bicho” Gómez, recuerda en su verborragia y alusiones al inolvidable genio de la película Aladdín. Según la circunstancia, las referencias pueden multiplicarse y llegar hasta los avatares del programa de Tinelli. De todos los trajes, el del dragón es el más logrado y efectivo, con su gran barriga y sus suaves escamas. Entre carcajadas, uno se queda con ganas de más protagonismo. Los cuadros musicales son variados y coloridos, aunque los más pequeños quizás se pierdan parte de la historia cuando la acción avanza a partir de datos que se expresan exclusivamente en las canciones. Mi bello dragón termina con un final de cuento y la posibilidad, a la salida, de saludar y sacarse fotos con los distintos personajes de esta historia.

Ficha técnica:
de Enrique Pinti
Con: Marcos “Bicho” Gómez, Vanesa Butera, Diego Hodara, Diego Jaraz, Martín O´Connor, Jorge Priano, Laura Silva, Agustina Vera, Rodrigo Cecere, Jessica Abouchain, Marien Caballero Galvé, Diego Castro, Gastón Prat
Y la participación especial de Omar Calicchio
Dirección: Enrique Pinti – Ricky Pashkus
Escenografía y diseño del traje del dragón: Maggy Risdon
Música original: Julián Vat con arreglos de Marcelo Macri
Vestuario: diseñado por el Taller del Teatro Maipo bajo la dirección de Pablo Battaglia
Diseño de iluminación: Marcelo Szereszevsky
Coreografía: Ricky Pashkus
Producción ejecutiva: Cipe Fridman
Producción artística: Lino Patalano

Funciones: sábados y domingos a las 17 hs.
Localidades: Desde $ 30.- en venta en la boletería del teatro o llamando con tarjeta VISA Crédito o VISA Débito a Platea Net al 5236 3000
Teatro Maipo – Esmeralda 443 - 4322-4882 / 8238

publicada en Tiempo Argentino 15/06/2010

Comunicado de Prensa

2010-06-17T11:26:00.001-03:00

Buenos Aires, 9 de junio de 2010

Ante la producción fotográfica publicada por la revista Caras el 8 del corriente, en la que aparece la modelo Victoria Vanucci ensangrentada y semidesnuda, acompañada de un textual que dice "amo el dolor", días después de la divulgación profusa de un caso de violencia familiar de la que habría sido víctima, el Consejo Nacional de las Mujeres expresa su repudio más enérgico por la modalidad acrítica e irresponsable con que dicho medio resolvió encarar el caso. Denunciamos además que en el marco de la ley 26.485 de Protección Integral para Prevenir, Sancionar, Y Erradicar la Violencia contra las Mujeres en los Ámbitos donde Desarrollen sus Relaciones Interpersonales dicha exhibición configura violencia mediática y simbólica. La producción a la que fue sometida la modelo -como objeto y producto cultural de un paradigma de dominación masculina- humilla y atenta contra la dignidad de las mujeres. Este Consejo Nacional de las Mujeres considera que esta exhibición configura una banalización y frivolización de una situación de violencia familiar, legitima y naturaliza la agresión por razones de género, reproduciendo de esta manera la desigualdad de trato y la construcción de patrones socioculturales generadores de más violencia. Consejo Nacional de las Mujeres

el circuito recomienda

2010-06-15T14:20:00.003-03:00

LA MUJER, unipersonal inspirado en un cuento de Juan Bosch

Luego de presentar con éxito CONTANDO A MI ABUELO, María Isabel Bosch vuelve a adaptar un cuento del gran escritor y ex presidente dominicano JUAN BOSCH, considerado uno de los precursores del realismo mágico. LA MUJER nos habla del círculo vicioso en el que hoy se encuentran millones de mujeres que sufren la violencia doméstica.

Este espectáculo cuenta con el auspicio
de la embajada de la Rep. Dominicana

Estreno: 20 de junio
Domingos 19 hs.
Teatro Silencio de Negras
Luis Sáenz Peña 663
Entradas: $ 25 (Est. y jub. $ 15)
Reservas: 4381-1445
Duración: 40 minutos

¿cinismo o me parece?

2010-06-15T14:09:00.004-03:00

El Complejo Teatral de Buenos Aires, después de haber generado un escándalo al alquilar sus instalaciones (levantando funciones) para una fiesta privada, ahora va a celebrar otra "fiesta de cumpleaños". ¿Cinismo de la prensa? En el marco de los festejos por el 50 aniversario del teatro San Martín se preve: " Fiesta de cumpleaños. Un espectáculo homenaje a la historia y los artistas del Teatro San Martín."
¿Qué piensan también, instalar un pelotero en el teatro Sarmiento, ya que queda tan cerca del zoológico?

Hay que vestir santos o desvestir galanes

2010-06-15T14:02:00.002-03:00

En el ambiente relajado del café-concert del Moliére se estrenó Jardín de Otoño. Carlos Perciavalle y Guillermo Gill interpretan a dos sexagenarias solteronas desangradas de amor por un galán de televisión. Una vez más, vemos la puesta en escena del deseo borrando los límites entre ficción y realidad cuando Griselda y Rosalía, las protagonistas, se proponen cambiar el rumbo de sus vidas secuestrando al actor de sus sueños. Aunque sabemos que la combinación de bolero más telenovela dan “película de Almodóvar”, sin embargo, Jardín de otoño se queda en el estereotipo. Estas mujeres no hacen más que exponer sus manías desde la superficialidad. Riegan flores de plástico y se nota. Tal es así que viven una experiencia que no las modifica en absoluto. ¿Cómo pueden conservar sus sueños intactos una vez que el hombre que desean las ha defraudado completamente?
En su afán por buscar la explosión del humor, Perciavalle hace abuso de tonos graves tanto como Guillermo Gill recae en el falsete. ¿De qué se trata? ¿Es una parodia? ¿La idea es burlarse del patetismo de dos ancianas? Un buen momento de la obra es la breve imitación de China Zorrilla, donde vislumbramos algo del Carlos Perciavalle que conocimos en los ’80, aunque sin los brillos de entonces.
Por otra parte, en Jardín de otoño hay un uso acertado y cabal de la tecnología. A través de una pantalla rebatible podemos ver fragmentos de la telenovela que hace suspirar a estas mujeres. La tira que vemos proyectada sigue la estética que popularizó Polka, marca indiscutible en la actualización del género, con sus galanes carismáticos, algo grasas pero fervientes defensores de “la cultura del trabajo”, siempre orgullosos de su humilde origen. Y aunque la telenovela cambió, se actualizó, empezó a retratar otros temas y a incorporar personajes que antes le estaban vedados, sin embargo, la mirada sobre el género que propone Jardín de otoño sigue repitiendo los mismos viejos y anquilosados lugares comunes. Se ve a las espectadoras como ganado, embrutecidas, embobadas frente al televisor. No está a la altura de la reflexión que el mismo género hizo sobre sí mismo. Así, esta edulcorada versión de un bolero no habla más que de la afectación del espectáculo en sus prejuicios.

Ficha técnica:
Jardín de Otoño
Una obra de Diana Raznovich
Dirección: Carlos Perciavalle
con Carlos Perciavalle - Guillermo Gill - Julián La Bruna
Estreno: Jueves 20 de mayo de 2010
Funciones: Jueves, viernes y sábados, 20.30 hs.
Sala: Teatro Moliére – Balcarce 678, Buenos Aires
Localidades: $ 80.- en venta en el teatro y Ticketek, 5237-7200

publicada en Tiempo Argentino el 7/6/10

una de las tantas formas de encontrar ayuda

2010-06-06T11:38:00.002-03:00

Sótano es un texto del premiado dramaturgo catalán Benet i Jornet. Xavier Albertí, que había dirigido el año pasado esta pieza en España, ahora la presenta, con elenco argentino, por unas pocas semanas en Buenos Aires. El encuentro entre dos desconocidos, algo casual, “casi” un accidente lleva a los protagonistas interactuar. La amabilidad propia de un pueblo chico hace el resto. Estamos en el teatro y entonces sabemos que nada es lo que parece. Sótano convierte al espectador en un detective curioso por acceder a la verdad entre las mil formas de retacear información. ¿De qué se trata? ¿Es una de las tantas trampas del amor?, ¿sus ciclos?, ¿sus equívocos? ¿Una manera extraña de buscar ayuda? Nada es inocente, ni siquiera el más mínimo detalle. El espacio escénico es elegante en su austeridad. Oculta tanto como muestra. Un living minimalista, una butaca de diseño, un cortinado espeso. Con dos parlamentos, lo que habíamos inferido puede cambiar.
Sótano se articula y se sostiene por el propio peso de las palabras como en una apretada sesión de análisis. Hace dudar del uso literal de algunos términos y de las situaciones que se van dejando ver. ¿Eso que escuchamos es realmente lo que quisieron decir? Boy Olmi lleva con soltura los tiempos del diálogo, parece estar siempre bajo control. No así el personaje interpretado por Alejandro Paker, más emocional y complejo. Entre los dos sellarán los términos de un extraño contrato. Sin embargo, hay una distancia que no se logra zanjar. Sótano no termina de resultar coloquial, suena tan artificial como imaginar a una abuela buscando amigos por Internet. Podría ser cierto pero no parece verosímil. No es por la traducción, correcta y fluida, realizada del catalán por Javier Olivares. Aunque no sea tema central de la obra, el texto deja traslucir el pesado agotamiento de la vieja Europa. Se soslaya, una vez más, la eterna cuestión de la responsabilidad en la intervención internacional y el colonialismo como de una actualidad agobiante.

Sótano, de Benet i Jornet
Con Boy Olmi y Alejandro Paker
Dirección: Xavier Albertí
Traducción al castellano: Javier Olivares
Funciones: Viernes y sábados a las 21 y domingos a las 20
Localidades: desde $ 70.-
Teatro Margarita Xirgu – Chacabuco 875 / 4300-8817 4307-0066

publicada en Tiempo Argentino, 17/05/2010

El matrimonio en cuestión

2010-05-30T12:25:00.004-03:00

Se estrenó en el teatro Metropolitan 2 El descenso del monte Morgan, una de las últimas obras de Arthur Miller. Allí se cuenta la historia de Lyman Felt, un vendedor de seguros cincuentón y exitoso cuya vida da un vuelco inesperado. Al sufrir un accidente automovilístico deja al descubierto su sonoro caso de poligamia. La prensa se hace un festín. Las historias de adulterio tienen siempre ese gusto especial de lo prohibido. Al mismo tiempo, las dos mujeres de Lyman repasan su historia para tratar de entender cómo fue que pasó. En su tratamiento social y moral del matrimonio, Miller vuelve a echar mano a aquellos recursos que tanto resultado le dieran en el pasado. Un hombre psicológicamente complejo, en el momento más vulnerable de su vida, no ceja un átimo en sus motivaciones expresadas a través de una lógica imbatible. Aunque la obra avanza planteando un acertado relativismo, el dilema moral en el que se apoya termina siendo unívocamente masculino, tanto como las risas que se escuchan en la platea. En la lógica del polígamo si él es feliz, puede hacer felices a las mujeres que ama y esa es la verdad que lo lleva a mentir.

La obra sigue el punto de vista de Lyman, que, postrado en su cama de hospital, imagina las situaciones que vemos en el escenario: El encuentro entre la puritana Theo, una siempre elegante Carola Reyna, y la pragmática Leah, cuya intensidad le cuadra muy bien a Eleonora Wexler. A partir de ágiles diálogos repasarán los momentos clave de cada relación y hasta la utopía de una vida en común que articulara un triángulo de celos y deseo por igual. Oscar Martínez se muestra lo suficientemente seductor como para entender el amor que despierta en esas dos mujeres e igualmente obstinado a la hora de vivir su peor pesadilla. Lyman no quiere dar el brazo a torcer. Fueron nueve años de sostener dos hogares. No desea arrepentirse más allá del dolor que causara a sus esposas. No es un descenso. Se convierte en una caída libre que termina dejándolo más solo que nunca. Pero la tragedia de Lyman no se resuelve en el escenario. Los espejos de la bella y austera escenografía son una última provocación. Le queda a la platea allí reflejada responder cuánto de este planteo le toca en su intimidad.

El descenso del Monte Morgan, de Arthur Miller
actúan: Ernesto Claudio, Gaby Ferrero, Malena Figo, Oscar Martínez, Carola Reyna, Eleonora Wexler.
Escenografía: Alberto Negrín
Dirección: Daniel Veronese
TEATRO METROPOLITAN 2
Av. Corrientes 1343, Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Reservas: 5236-3000
Web: http://www.teatrometropolitan.com.ar
Domingo, Miércoles, Jueves y Sábado - 20:00 hs
Viernes - 20:30 hs
Sábado - 22:00 hs

2010-05-27T18:40:00.001-03:00

ACTIVIDADES EN LA CIUDAD AUTÓNOMA DE BUENOS AIRES:
DE 11 A 13 HORAS, EN CONGRESO (ENTRE RÍOS Y RIVADAVIA)
Intervención urbana con siluetas
dramatizaciones
radio abierta
recolección de firmas,
concentración de todas las firmas reunidas
La Red Nacional de Medios Alternativos transmite en vivo la acción por Internet

Un Miller en la calle Corrientes

2010-05-27T18:36:00.002-03:00

En la guerra, los jóvenes mueren y los viejos hacen negocios. Las madres lloran a sus muertos, las novias perpetúan en el tiempo su duelo, hasta que lentamente se vuelve a la vida normal. Todos eran mis hijos comienza una apacible mañana de verano al final de la Segunda Guerra. Un jardín tan artificial como la estética impecable y homogénea de las casas de película o las que vemos en algunos countries. Salvo por un detalle que desentona, un triste arbolito quebrado en varias partes, símbolo obvio de lo que vendrá. Escrita en 1947, es una obra temprana de Arthur Miller, todavía instalado en un realismo crudo. El protagonista es un comerciante exitoso que sufre el peso de encubrir una decisión negligente, tan pragmática como criminal. Joe Keller, un bonachón Lito Cruz, vive en un armonioso equilibrio tratando de dejar atrás la muerte de uno de sus hijos en la guerra y la posible condena por haber vendido al ejército material defectuoso.

En las épocas del liberalismo más extremo, se repetía eso de que la plata no se hace trabajando. No es el caso, Joe es un hombre de otro tiempo. Más allá de entramar un apretado puzzle ideológico, cabe preguntar ¿cómo resuenan estos razonamientos hoy en la Buenos Aires del Bicentenario? ¿Siguen teniendo la actualidad que parecieran endilgarle?

Tolcachir, como adaptador, privilegió depurar las posiciones contrapuestas. Usando un registro fluido y neutro que le va bien a la ambientación histórica. Como director, apoyó su labor en la calidad interpretativa de sus actores. Usando principalmente el diálogo para hacer avanzar la acción, se van delineando los distintos personajes junto con los intereses que los mueven. Cada uno sostiene con lógica inquebrantable su propia ley: la del dinero, de la familia, de la guerra, de la muerte, de dios. El problema es que son irreconciliables. Un elenco parejo donde se luce especialmente Marina Bellati.

La obra postula con claridad la denuncia a una sociedad cómplice y la pervertida lógica de un capitalismo que lleva a que padres asesinen a sus propios hijos. No es tan diáfano aquello que la pieza deja ver, entre otras cosas, la profunda misoginia del autor, algo que lamentablemente excede la reconstrucción de época.

Todos eran mis hijos
De Arthur Miller, adaptación y dirección Claudio Tolcachir
Con: Lito Cruz, Ana María Picchio, Esteban Meloni, Vaneza González, Federico D’ Elia, Carlos Bermejo, Adriana Ferrer, Diego Gentile, Marina Bellati
Teatro Apolo
Corrientes 1372
Miércoles y jueves 20.45 hs.
Viernes 21.15 hs.
Sábados 21.00 hs.
Domingo 20.30 hs.

Publicado en Tiempo Argentino, 25/05

el circuito recomienda

2010-05-22T23:44:00.004-03:00

Desde Puerto Rico, el colectivo teatral
El Bonche presenta:
Caíllo Crú en Argentina
con Cristian Nieves
dirección: Hegalis Ramos
DELBORDE ESPACIO TEATRAL
Chile 630
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4300-6201
Web: http://www.delborde.com.ar
Entrada: $ 25,00 y $ 20,00 - Domingo - 19:00 hs
Hasta el 25/07/2010

Fantasmas de la clase media

2010-05-21T18:45:00.004-03:00

Reseña de Nuestros Padres, de Nayla Pose

El 26 de abril de 1905 la compañía de José Podestá estrenaba en Montevideo una nueva tragedia de Florencio Sánchez. Era un drama moral que mostraba las desgracias de un hombre de campo, ya viejo, que habiendo perdido en un pleito la propiedad de sus tierras era abandonado a su suerte por las mujeres de su familia. Luego de que la menor de sus hijas muriera tuberculosa, el anciano caía en la desesperación y el suicidio. Noventa y cinco años después, Nayla Pose y Claudio Quinteros ponen en escena una versión de Barranca abajo en clave “ocupa”.

Nuestros padres comienza instalándonos como espectadores en la angustiante precariedad de los personajes. Entramos a tientas a la pequeña sala de El Brío, sin percibir con claridad dónde estamos siendo conducidos. Luego, ya ubicados en las butacas, podemos disfrutar de la función. Lo que vemos es inquietante. Los miedos más oscuros de la clase media postcrisis suben todos juntos a escena: el acecho de la miseria y la desprotección. El fantasma de quedarse sin casa, sin comida, sin abrigo. Vemos cómo tres hermanas se meten de intrusas en una casa deshabitada. Todo está sucio, todo es basura. Están huyendo de la acechanza de la salida “fácil”. Un intento fallido de ponerse a salvo. Se habían convertido en un blanco apetecible a las redes de prostitución. Ya no son el viejo Zoilo por un lado y las mujeres por el otro. La desmesura trágica del padre es absorbida por el personaje de Rosa, la hija mayor. Ella recibe las quejas de las otras dos, no tan seguras de haber tomado la decisión correcta. Lo moral, en este caso, se apoya en el punto de vista generacional citando la famosa frase de Jean-Paul Sastre “La libertad es lo que haces con lo que te han hecho”. No hay padres, hay responsabilidad. Desde la dramaturgia se refuerza esta cuestión revirtiendo el título de otra obra de Sánchez, Nuestros hijos. Queda del original el planteo moral del conflicto, la degradación y desamparo de los personajes y también el realismo como una marca de estilo que se impone. El teatro de Florencio Sánchez deja su impronta al querer reproducir en escena dichos y situaciones de la vida real e imprime su estética naturalista a la actuación por sobre los requerimientos de la puesta. Nuestros padres resulta así una actualización urbana del recordado clásico.

Nuestros padres
de Nayla Pose
con: Lucía Aráoz de Cea, Georgina Hirsch, Santiago Lozano, Mariana Paz, Jennifer Permuy, Paz Rotoni
Vestuario: Mariana Paz
Asistencia de dirección: Victoria Flores Beltrán
Prensa: Carolina Alfonso
Supervisión dramatúrgica: Patricia Zangaro
Dirección: Nayla Pose, Claudio Quinteros
Web: http://nuestrospadres-elbrio.blogspot.com/

EL BRÍO - ESPACIO DE INVESTIGACIÓN TEATRAL
Guatemala 5092
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4771-7005
Entrada: $ 30,00 y $ 20,00 - Viernes - 21:30 hs

Revisión histórica en clave musical

2010-05-18T18:15:00.002-03:00

A partir de alusiones a los hechos históricos ampliamente conocidos, Lovely revolution pone en cuestión lo más anquilosado del discurso escolar celebratorio de la gesta revolucionaria. Algo muy a tono con estos días de festejo patrio. Esta tertulia musical fue escrita por Enrique Palatino. La música es de Pablo Dacal. El espacio escénico, agradable y austero, destaca el aura de los instrumentos musicales. Una pequeña orquesta de cámara con violín, violoncello, clarinete, oboe, clarón y corno inglés. Lovely. La primera canción se estructura a partir de juegos de palabras sobre la famosa Jabonería de Vieytes: las virtudes purificantes del jabón y lo sucio de ciertas acciones y tramoyas que se están organizando. Para narrar los hechos se fusionan las tertulias revolucionarias, de carácter político, con aquellas otras, las literarias, organizadas por Mariquita Sánchez. Con una gran economía de recursos se logra contar una historia de manera entretenida y llevadera.
Lovely revolution traza, además, la semblanza de un personaje histórico y permite conocerlo en su intimidad. Enrique Palatino compone a un Mariano Moreno apasionado, enardecido por las circunstancias históricas que lo tienen como protagonista, en sus aciertos, en su espíritu indomable y también en su ingenuidad jacobina. Fusión de La Historia, así, con mayúsculas, con la vida privada. La obra presenta también la historia de un vínculo: las cartas de amor que Guadalupe Cuenca enviara a su marido muerto en altamar.
Por último, se presenta también una tesis histórica. La obra funciona a partir de contrastes: lo limpio, lo sucio; la pasión, la astucia; la revolución, el oportunismo; la virtud, la lascivia; lo público, lo privado. Allí está la tesis que propone el espectáculo. Sin sutilezas. Como las veces que Moreno se dirige directamente al público con preguntas directas, desafiantes que son toda una lectura del presente. El título en inglés remite directamente al personaje interpretado por Enrique Dacal que cobra protagonismo desde la periferia, acompañando los hechos y beneficiándose sin importar el resultado. Lovely revolution es, en definitiva, la historia de un pasaje, como concluyen alegremente cantando los actores, de “lo negro del barro al blanco del mito”.
Correspondencias: Guadalupe Cuenca le escribió a su marido con pasión y desvelo mientras él viajaba en barco a Inglaterra. Viuda sin saberlo desde su primera línea, retrata a un Moreno en la intimidad. Estas cartas fueron llevadas a escena por una creación colectiva del Teatro Payró. Cartas a Moreno se estrenó con dirección de Felisa Yeni en 1987.

Lovely Revolution
Teatro de la Comedia
web: http://www.lacomedia.com.ar
Rodríguez Peña 1062
Domingos 20 hs.

Publicado el 16 de mayo de 2010 en Espectáculos de Tiempo Argentino.

mujeres terribles

2010-05-13T15:37:00.003-03:00

Con la inauguración de la muestra fotográfica en el Centro Cultural San Martín y dentro del marco de la Feria del Libro, comenzó Mujeres en la literatura, un ciclo que incluye teatro, conversatorio y galería de retratos.

La propuesta es múltiple. Se da un extraño juego en la sucesión de eventos: primero, la galería de fotos de escritoras; luego Mujeres terribles, una obra de teatro sobre la relación entre Silvina Ocampo y Alejandra Pizarnik. Por último, la charla íntima coordinada por Susana Reinoso. En la muestra curada por Sara Facio vemos a una Alejandra aniñada y juguetona frente a una enorme máquina de escribir. En la obra, Noemí Frenkel encarna a la autora del Árbol de Diana más ronca, más oscura, con sus eternos problemas para dejar de fumar. En el coloquio, Solange Camaüer reflexiona sobre la actualidad de la obra poética en Pizarnik señalando en qué consiste esa “primera persona del singular herida” y tendiendo lazos a las escrituras del yo y las redes sociales digitales. En las fotografías, vemos a Silvina Ocampo, escondida detrás de un atril. Reconocemos sus característicos anteojos de marco grueso. Su cuerpo, algo avejentado, algo ganado en kilos, no logra ocultarse ni, por ello, dejar de sonreír. Contrasta con la figura espigada de Marta Bianchi en la obra y la composición del dolor profundo que le trae un matrimonio desdichado. En el conversatorio, Elsa Osorio se centra en el relato “La continuación”, cuyo narrador elude toda marca de género. Un gesto tan ambiguo como el de Silvina que se esconde y desafía al mismo tiempo. En Mujeres terribles las penurias y miserias personales, la veracidad sobre tal o cual dato biográfico, no revisten otro atractivo más que el de visitar los acostumbrados consensos sobre el oficio de la escritura y lo atormentadas que vivieron. Retratarlas en su intimidad pareciera acrecentar la distancia. Se las convierte en heroínas románticas, las “enfants terribles” a las que se refiere el título. El bronce del monumento se empeña en ocultar su potencia revulsiva. Porque estas escritoras fueron mujeres de armas tomar. Es por eso que cuando aparecen los poemas y textos de Alejandra y Silvina, la obra adquiere un vuelo poético conmovedor. Al final del coloquio, alguien del público pregunta si hay algo intrínsecamente femenino en las autoras. Afortunadamente, en la respuesta se pudo eludir todo predecible lugar común.

Nada peor que un macho amenazado

2010-03-30T14:49:00.003-03:00

A veces resulta difícil argumentar la sospecha de machismo. Puede molestarme la misoginia de House, algunos dirán que es la misantropía del personaje que también abarca a las mujeres, yo sospecho que la misoginia excede al personaje y que las mujeres son bastante maltratadas en esa serie. Es dicutible y muchas veces una queda hablando sola.

También resulta difícil lograr consenso. Una nombra palabras como feminismo y la te están gatillando en la cabeza.

Después una lee cosas como éstas, donde el nivel de agresión es directamente proporcional a la falta de ideas y se pasa a otro plano. Ya no es una lectura o un debate de ideas, es el empobrecimiento de nuestro campo intelectual a partir de figuras mediocres y asustadas. Oscar Peyrou devenido cronista se vanagloria de su pobreza intelectual, su falta de talento y su pequeñez de espíritu. Y peor es el editor, paranoico y necio, que publica semejante basura. Dan pena, muchachos. Dan pena.

el pasado

2010-03-19T00:09:00.002-03:00

Hoy en la boletería del teatro me reconoció alguien del pasado. Nos saludamos, me dijo que estoy igual, devolví la gentileza y le conté más o menos en qué ando. No tengo la menor idea de quién es, de dónde me conoce o siquiera cómo se llama.

Cada vez que pienso en el pasado, pienso en olvido. Tantas veces en mi vida me dediqué con fervor a cosas ridículas, faltas de sentido o de propósito... no es que me arrepienta, no, sino más bien la pregunta es cómo fue...

Tal vez es un mecanismo de defensa que me evitaría enfrentarme cara a cara con mi propia estupidez, o tal vez es lo contrario, es el ruido del motor de búsqueda que me hace seguir confiando en que todavía puedo equivocarme mucho.

La obra era sobre el pasado, sobre la década que se cierra este año, la década que debería hacer de mí un adulto y yo sigo pensando ¿cómo pasó?

2010-03-17T19:51:00.003-03:00

Me publicaron esta nota sobre la Heptalogía de Rafael Spregelburd. Aunque se demoró bastante en salir, siempre está bueno escribir sobre aquello que admiramos.

2009-10-06T21:42:00.001-03:00

Este viernes parto para Tucumán para participar de este Encuentro

día de la lucha por el derecho al aborto en América Latina y el Caribe

2009-09-29T01:28:00.004-03:00

podés estar a favor o en contra, pero sabiendo que es una de las principales causas de muerte entre las mujeres, estar en contra de la despenalización del aborto es un acto criminal o hipócrita.

2009-09-25T23:48:00.000-03:00

severo ataque de misantropía

2009-09-24T12:53:00.005-03:00

"Lejos de ser un medio de reproducción para las mitologías o para las historias de ficción, las revistas femeninas funcionan como foro para la popularización de las investigaciones académicas... estas publicaciones recurren al discurso científico con el fin de legitimar una visión particular de la realidad." Esto decía la investigadora Eva Illouz sobre las revistas femeninas de la década del ochenta.

Las cordobesas las leen así.

árbol genealógico

2009-09-22T12:18:00.002-03:00

1.- Mi tío abuelo, enloquecido por la sífilis, sale por Santa Fe y Suipacha a repartir toda la plata que tiene entre la gente.

2.- Mi abuelo, enloquecido por un alzheimer no declarado, negocia aguerridamente para que le paguen menos.

3.- Yo, enloquecida por el miedo, dejo en la puerta de mi casa todo lo que tengo de valor (plata, notebook y alianza) para que se lo lleven unos chorros.

2009-01-16T22:55:00.002-02:00

nunca creí que se pudiera necesitar con tanta vehemencia de una piedra pómex.

2009-01-15T23:42:00.004-02:00

Un reflejo en el ventanal, el sol que encandila por un segundo haciendo un juego casi imperceptible de luces y sombras, como si hubiera pasado alguien. Pero no, estoy sola. Y ya, no necesito más. Estas vacaciones se me antojan en clave "primera media hora de película de terror":

1. ambientación early ochentosa del club, con sus casas bajas y feas de suburbio y viejas pretensiones nunca del todo abandonadas,

2. diálogos casuales anodinos que se vuelven inquietantes al estilo de "este verano va a ser tremendo",

3. electrodomésticos que se encienden solos,

4. decrépitos guardias de seguridad con uniforme y gorra saludando a la distancia,

5. voces infantiles cantando canciones infantiles en loop,

6. la noche con el cielo iluminado a relámpagos,

7. gente mostrándose jovial y feliz sin motivos aparentes,

8. imprevistos cortes de luz.

En cualquier momento empiezan los gritos.

2008-12-25T21:05:00.005-02:00

Nos preparamos, nos reunimos, nos saludamos y comimos. Se repartieron los regalos y brindamos, miramos los fuegos artificiales, bailamos algo, nos peleamos otro tanto y cada uno para su casa. Hoy, habiendo dormido poco, juntamos los restos del vithel toné en un tuper y partimos a la costa. Sólo unos días, hasta el fin de semana. Me gusta la playa y el bosque y pasar estos días acá.

Después de jugar en la arena con mi hija y respirar aire húmedo y fresco, prendo la compu ilusionada y ocurre el milagro: tengo acceso a un wi fi ignoto (ya lo sé, "milagro" puede parecer mucho pero mis expectativas cada vez son menores) y ahí me entero que se murió Pinter y esa noticia me entristece.

hablando de compras navideñas...

2008-12-21T23:16:00.000-02:00

compras navideñas 1

2008-12-18T15:40:00.004-02:00

Esta es la primera navidad de Pipi, la primera que realmente espera, sabiendo de qué se trata. Supongo que por eso también será la más recordada. El año pasado era todavía muy chiquita y la tomó totalmente por sorpresa. Nosotros estábamos muy cansados. En verdad, no fue un festejo.

En cambio esta vez, mi hermana, abusando de sus influencias, consiguió a último momento alquilar un traje de Papá Noel que mi padre sudará estoicamente. Vendrán todos a casa, habrá comida y baile.

Hace unos días le pregunté a mi niña qué quería de regalo y me respondió con la lista de cosas que había recibido mi sobrina la navidad pasada: una tabla de Barbie, un teléfono de Barbie y agregó otras por su cuenta el dinosaurio de Toy Story, el chanchito de Chicken Little. Ahh, chucherías dije yo y me fui al tumultuoso barrio de eleven a comprarle a unos chinos todo lo que me llenara los ojos. Quiero aclarar que gran parte de mi esfuerzo como madre consiste últimamente en tratar de reducir el impacto de las princesas en la vida de mi niña (todos sus juguetes se dividen en princesas durmiendo y en príncipes besando, y lo que es peor, hace un año que no logro ponerle pantalones). En vez de un castillo conseguí una casita de muñecas plegable con sus mueblecitos y sus habitantes, una familia de plebeyos (se pliegan, son como play móbiles). También dos muñequitas para jugar y, claudiqué ante una carroza con un pegaso alado y una princesita. Por último, una varita mágica luminosa, una pelota, masa y un juego completo de baldes, palas y molinitos para jugar con arena y agua. Chucherías. Son todas cosas con las que me entusiasma jugar con ella. Volví a mi casa feliz. Escondí todo y a esperar.

Pero, siempre hay un pero. Hoy mi marido vino con que había visto una Barbie Mariposa, que para ser original no era tan cara (mentira, yo sé que es carísima) y que le gustaría regalársela. Ante mi negativa, me retrucó que él no le había comprado nada, que también era su hija y que era lo que ella más quería. ¿Es que no supe interpretar el deseo de mi hija? Me dejó sin palabras, en un estado de contradicción insalvable: no tengo derecho a pasar por encima de las ganas de un padre de hacer el regalo que más quiera, con el agregado jodido de que me hizo sentir una pichulera, que compra porquerías en vez buscar lo mejor para su hija. Y se fue porque llegaba tarde.

Al rato no pude más y lo llamé al celular y le largué todo un speech sobre mis objeciones ideológicas sobre gastar esa plata en esa muñeca con toda la carga semántica que trae aparejada, y de la responsabilidad como padre y del rol de la mujer en la sociedad y... me largó la carcajada. Nos reímos los dos, es cierto, pero nos quedó una conversación pendiente.

2008-12-17T23:59:00.003-02:00

La de las fiestas es la peor época para escribir, dice él. Yo asiento pero no comparto, tanto. El calor, la desconcentración sí ya sé, la gente que te quiere ver, reunirse, comer, esas cosas. Ya compré los regalos, ya organicé la comida de navidad (mentira, vienen todos a casa y todavía no tengo idea qué voy a servir) y hasta trato de explicarle a pipi una vez más que, aunque venga papá noel, acá no nieva. La desconcentración me viene de antes. Este año publiqué mucho pero escribí poco. Otras exigencias. Falta de autoexigencia, dice él. En eso no comparto pero asiento. Tiene razón. No actualizo desde abril! y recién ahora estoy extrañando. Será cuestión de retomar.

2008-04-24T11:25:00.000-03:00

Y ahora cómo sigue?

2008-04-16T12:01:00.002-03:00

Terminé la novela y me enfermé. Estoy en la cama. Mocos, tos perruna, dolor en todo el cuerpo. Seguramente voy a tener que reescribir bastante. Pero por ahora, sólo puedo pensar en curarme: descanso y tecitos con miel.

2008-04-09T14:55:00.002-03:00

Primera vez que dono sangre. Según parece, alcancé la edad y el peso requeridos. Después de completar un cuestionario larguísimo donde preguntaban cosas como:

"ha usado ultimamente drogas ilegales por vía intravenosa": no

"ha pagado por sexo": nunca es gratis.

"se ha hecho tatuajes o perforaciones en la piel de manera poco segura": ¡espero que no!

Nos hicieron pasar a una habitación, luz de tubos fluorescentes y azulejos blancos. Ya me sentía enferma. Me toman la presión. 9,6. Es normal, les digo. Nos acomodan en unos sillones reclinables. Ya los quisiera en mi casa, tal vez con otro tapizado. La enfermera se acerca con una aguja gruesa como un caño. Mi brazo se ve finito en comparación. Me quejo. Respiro hondo. Me clava esa aguja de tejer en dos tiempos y después empieza a brotar la sangre, bien roja. Abrir y cerrar la mano al compás de la bomba que extrae.

Pregunto si es cierto que mi sangre vale doble. Como soy 0 - parece que le puedo donar a todos pero sólo puedo recibir de ese grupo y factor. A la enfermera se le abren los ojos, se entusiasma como un vampiro goloso. Lamento haber dado esa información durante la extracción. No me sobra tanta como para que me saquen demás. Mientras espero, así recostada toso delicadamente de costado y me hago la película. Ahora soy una heroína romántica y tuberculosa durante una sangría.

la tele engorda

2008-04-08T16:00:00.006-03:00

Hoy lo vi a Sawyer. Yo estaba esperando el colectivo y él venía caminando y cruzó por el medio de la calle en diagonal hacia mí. La verdad es que me decepcionó un poco. Era Sawyer pero sin el glamour de la tele. Tenía el mismo pelo lacio, rubio y grasoso peinado con raya al medio. Tenía la barba dura y renegrida de un par de días. Tenía la misma camisa de jean. Hasta el mismo físico. El problema es que la realidad de Montevideo y Sarmiento le había sacado todo el sex-apeal. Lejos de ser el superchongo sensible y rudo que me encanta en la serie; en persona, hasta me dio un poco de asquito.

pregunta

2008-04-04T15:48:00.002-03:00

¿Cómo hacen en Mc Donalds para que les salga grasosa una ensalada de lechuga?

felices fiestas

2007-12-26T23:36:00.000-03:00

Se terminó el año y yo todavía me siento en octubre. Si sigo así, el espíritu navideño me va a llegar para abril.

2007-12-06T14:42:00.000-03:00

pichín

2007-12-04T13:37:00.000-03:00

Tengo que hacerme unos análisis: el famoso sangre y orina. El horario de atención es bastante corto y yo a la mañana tan temprano no funciono del todo bien: el día empezó mal. A las apuradas cargo en la cartera las órdenes, el tarrito, un pañal de la niña, pañuelos, los documentos del auto, llaves, dinero, agenda y subimos al auto con la niña disfrazada con la ropa del acto de fin de año, incluido el arreglo floral en la cabeza. Llego al laboratorio y veo que mi cartera está sospechosamente goteando. Lo miro y no lo puedo creer. No atino a nada. Bajo como puedo del auto. La niña baja con un globo rojo enorme. Vamos corriendo porque si no voy a tener que volver otro día. En la recepción, un chico muy simpático me dice que saque un número y espere. Me acomodo en un asiento y saco todo de mi cartera. Un asco. Las órdenes se me empaparon. Uso el pañal de Pierina para ver si absorbe todo. Estoy abandonada al asco. El chico simpático ve a mi hija jugar con el globo, se enternece y me dice: sacale una foto, ¿no tenés celular? Le digo que mi celular es del siglo pasado mientras seco la agenda con una carilina. Sigo tratando de secar el líquido de mi cartera y que no se note tanto el enchastre. Recuerdo las propagandas de pañales y su poder de absorción, no lo compruebo del todo. En la sala de espera, hay antes que yo una madre con un bebé que tendrá como mucho un mes. Lo miro bien y me parece que tiene cara de contador. Me deprime un poco ese pensamiento.

124, dice el chico simpático.

Me levanto para que me atienda. Cuando le doy las órdenes me mira y me dice: "¿no será pichín, esto? Acá se ve cada cosa...

Nooooo, le digo yo muerta de vergüenza y le echo la culpa a Pierina. Me hacen pasar a otra sala donde una enfermera muy malhumorada me mira y me dice: esto está todo mojado de pis.

Yo no le puedo mentir y me doy cuenta de que es un error. Esa mujer es la que me va a pinchar el brazo y está claro de que eso la predispuso muy mal. Pierina corre y tira el globo por todo el salón y tengo miedo de que se manche con algo contaminante. Entramos en un cubículo diminuto. Trato de distraer a mi niña mostrándole cómo me atan el brazo pero no quiero que se asuste al ver cuando me pinchan o cuando sacan la sangre. A ella, el procedimiento la entretiene. Ya está. Pero, acá viene la complicación. La enfermera me dice: tenías que traer dos muestras de orina. Pienso en la anegación que hubiera sido dos tarritos de pis volcados en mi cartera, pienso en que si son dos tarritos, serían el primer y segundo pis de la mañana, ¿servirán lo mismo? No se lo pregunto porque le veo en la cara que ya terminó su cuota de cordialidad para conmigo. Me voy sabiendo que mañana tengo que volver a enfrentar al chico simpático con la humillación de saber que sabe que le mentí y que estuvo en contacto con mi pis. Esta vez espero cerrarlo mejor.

2007-11-16T14:39:00.000-03:00

Hace unos meses me preguntaron en una entrevista qué suponía se podía esperar de la gestión cultural (y específicamente teatral) del próximo gobierno de la ciudad de Buenos Aires. Yo respondí esto.

Todavía no asumió el nuevo jefe de gobierno y siento que me equivoqué, casi que pequé de optimista. No tuve en cuenta la torpeza política que Macri y su equipo demostraron y menos aun consideré que fuera posible tamaño grado de estrechez mental como para considerar a la inversión en cultura como un gasto. Esa forma de evaluar en términos comerciales neoliberales los resultados de una gestión cultural (al punto de manejarse con caprichos como el de cerrar un canal de televisión porque no les gusta) me resulta criminal. Creo que a las gestiones pasadas les faltó hacer un montón de cosas pero no por eso hay que destruir lo que sí venían desarrollando y bien que lo hacían. Parece que esta gente no sabe que aquello que se suele englobar en el amplísimo término de "cultura" genera lazos, comunidad y un sentimiento de pertenencia que se identifica como ciudadanía. ¿Cómo se les ocurre, entonces, que "va a estar bueno Buenos Aires"?

la venganza de las señoritas

2007-11-13T14:27:00.000-03:00

Se viene fin de año y en el jardín de Pipi están preparando el acto que va a ser en un teatro y con entrada. ¿La nena no tiene dos años? Sí. En fin...

El jueves pasado me mandaron el instructivo para hacerle el disfraz, con la aclaración de que tenía que estar listo para el lunes. Tobilleras y muñequeras de papel de colores. Bien. Manos a la obra. Primer contratiempo: llegué tarde y se acabó el papel metalizado en todo el barrio. Hay mamás más previsoras que yo. Fin de semana, andá a encontrar una librería abierta. No puedo permitir que la niña sea la única sin sus muñequeras. Llanto, fracaso, frustración. Mi marido llamándome desde Easy con dudas sobre la consigna: si es papel plateado, ¿cómo puede ser de colores? No, dejá. Ya veremos. Lunes por la mañana (despertador incluído), se subió al auto y buscó hasta consiguir el bendito papel de regalo liso, metalizado y de colores (no confundir con el papel glasé porque ese es opaco por detrás y no brillante). Genio.

Me puse manos a la obra. Cortar, pegar, medir, coser. (¿a qué perverso ente del mal puede ocurrírsele la prometeica tarea de coser papel brillante?) Después de cuatro horas reales por reloj terminé mi labor, enceguecida por los destellos de los hologramas del papel metalizado. Orgullosa, se las mostré a la directora del jardín que me dijo: "bueno, ya que aprendiste a hacerlas, tené unas de repuesto porque ésas son para ensayar. No llegan sanas al acto."

Nuevamente saboreando el sin sentido volví a casa con la certeza de ser parte de una economía perversa. El trato sería así: yo me haré cargo de tus hijos siempre y cuando vos aceptes realizar una serie de tareas inútiles pero trabajosas con que ocupar el tiempo libre que te estoy regalando.

Ahora me pidieron un arreglo floral para la cabeza. Me parece que se lo voy a pedir a mi mamá.

brutos

2007-11-06T12:39:00.000-03:00

Si esta es la idea que estos muchachos tienen de la cultura, mamma mia.

este viernes la perra, la virgen y el pitufo

2007-11-01T15:09:00.000-03:00

acá va la crónica de la defensa de la tesis

2007-10-27T14:50:00.000-03:00

Ustedes lo pidieron, acá va la crónica. Viernes a las tres de la tarde. Afuera, el diluvio universal. Yo estaba bastante nerviosa. Me había peinado por horas con el secador y productitos, algo inútil absolutamente porque ni bien salí del baño tenía tanto frizz que parecía que un cordero dormía la siesta en mi cabeza. Llegué empapada de pies a cabeza y me econtré con que todavía no había nadie. Después aparecieron los jurados, mis amigos y mi mamá. Me dejaron el escritorio y leí con voz medio ñoña el texto que pongo al final. Estaba nerviosa. Sólo podía pensar en que no se notara que se me movía un dedo. Después vinieron las preguntas. Todo muy polite, muy amigable. Es bárbaro cuando te dicen cosas lindas sobre tu trabajo. Yo, agrandada. Después se reunieron para deliberar. Y al rato, el veredicto. La situación no dejaba de tener algo de ridículo, casi como si de verdad les importara todo eso. Me recomendaron la publicación. (By the way, ¿saben de una editorial amiga que pueda interesarse en una tesis de maestría sobre dramaturgos en la década del noventa?, la casa de altos estudios no se responsabiliza por sus recomendaciones) Después, saludos y besos y agradecimientos y nos fuimos con mi corderito a tomar algo por ahí.

Defensa de la Tesis de Maestría en Sociología de la Cultura
El lugar de la disolución. Lo joven y la tradición en el primer Caraja-ji

Antes de empezar quiero agradecer a los presentes el estar hoy aquí, a Cecilia Hidalgo su labor como tutora (con alegría y soltura siempre tuvo palabras de aliento para mí), a los jurados por haber aceptado constituirse como tales, sin duda un honor para mí, y por supuesto a mi marido que me bancó en todos y cada uno de los vaivenes de la realización de esta tesis.
No todos me conocen, voy a empezar presentándome. Mi carrera de grado fue la licenciatura en Letras, aunque siempre me interesaron los desafíos que traía el teatro como campo de investigación. Diciembre del 2001 no resultó ser el mejor momento para terminar la carrera, por lo menos no fue uno demasiado alentador. Mucha indeterminación. Sin embargo, fue precisamente en ese tiempo que me convocó la dirección del teatro Payró con la propuesta de escribir un libro conmemorativo de sus cincuenta años. La editorial EMECÉ publicó en el 2003 el resultado de esa, mi primera investigación. Aprendí mucho con esa experiencia: aprendí a trabajar con materiales provenientes de diferentes campos y también aprendí a que podía y quería escribir.
A la hora de pensar una maestría, me decidí por Sociología de la Cultura. Me interesaba la perspectiva interdisciplinaria que proponía. Los seminarios que más afines me resultaron fueron los tendientes a pensar objetos y prácticas culturales, a delimitar casos y a encontrar la relevancia de los mismos en su contexto. Pude profundizar algunas lecturas, incorporar otras nuevas, corroborar ciertos recelos con respecto a la teoría y explorar terrenos hasta entonces desconocidos para mí. Escribí monografías sobre temas y autores tan diversos como: el tarot, lecturas de El Matadero de Esteban Echeverría, una argumentación a favor de Carlo Ginzburg (como si eso fuera necesario), la tragedia de Cromagnón, Benjamin, etc., etc., etc. Promediando el segundo año de cursada, ya estuve más encaminada en cuanto a cuál sería mi tema de tesis. Iba a escribir sobre el Caraja-ji.
Desde el vamos me interesó la posibilidad de trabajar sobre un caso tan particular que me permitía una doble articulación: por un lado podía dar cuenta de un momento específico, puntual e irrepetible (situarme en un año casi como en un escenario para analizar las tensiones que allí se estaban desarrollando) y al mismo tiempo, podía ensayar una forma novedosa de leer textos dramáticos.

La tesis

Lo primero fue situarme en una coordenada bien precisa: el panorama teatral de Buenos Aires en 1996. Mi tarea se centraba en indagar las características y complejidades de uno de los grupos de dramaturgos, a mi entender, más interesantes surgidos en la década del ‘90: el Caraja-ji. Mi fuente principal consistió en buscar y entrevistar a sus ocho ex-integrantes: Carmen Arrieta, Alejandro Tantanián, Rafael Spregelburd, Alejandro Robino, Javier Daulte, Alejandro Zingman, Jorge Leyes e Ignacio Apolo. No siempre fue sencillo ubicarlos. Si bien todos continuaron ligados al teatro y la dramaturgia, los recorridos personales fueron bastante dispares. También recopilé lo escrito y publicado tanto en la prensa del momento como en revistas especializadas. Discutir las lecturas que se han hecho del grupo y su producción se convirtió para mí en un gran desafío. Por ejemplo, rastrear cómo se leyó algo tan magmático e inesperado como fue la irrupción de estos dramaturgos en ese preciso momento. En mi investigación traté de responder a las preguntas: ¿Cómo ingresaron los Caraja-ji al circuito teatral? ¿Cómo fue el pasaje de “joven dramaturgo” a autores consagrados? ¿Qué le aportaron estos escritores a la dramaturgia de los años noventa? No es vano repetir la importancia que tuvo el surgimiento de este grupo para la vitalidad del campo teatral porteño.
El otro gran desafío de mi investigación tenía que ver con las obras del Caraja-ji. ¿Cómo leer los textos que produjeron? Las publicaciones del grupo fueron mi fuente principal. Mi punto de partida fue la observación de que todos los textos del Caraja-ji abrevaban en discursos distintos a la tradición teatral que los precedía. Es por eso que se podían establecer referencias intertextuales con el cine, la televisión y géneros como el policial, el bildungsroman, la novela de aventuras o el rock. De esta manera, me propuse leer las obras desde una perspectiva más amplia, dejando de lado las explicaciones teóricas y metodológicas más tradicionales de la crítica teatral en Buenos Aires. Las referencias se fueron ampliando a otros géneros y soportes, fui acumulando citas a películas, novelas, canciones, etc. Algunas relaciones intertextuales parecían tan obvias como innegables, otras se desprendían de asociaciones más osadas pero siempre buscando alguna apoyatura en lo textual que las justificara.

La historia: Qué fue Caraja-ji

La cita había sido pautada para un martes por la mañana. Estaba terminando el mes de marzo de 1995. Los dramaturgos convocados por el teatro San Martín –la mayoría no se conocían ni de nombre– fueron llegando de a poco. Se reunieron en el hall de la sala Martín Coronado del teatro San Martín donde Roberto Cossa y Bernardo Carey comenzaron a explicar qué se esperaba de ellos. Nadie tenía demasiado en claro cómo se había hecho la selección ni por qué los habían convocado.
Carmen Arrieta, Ignacio Apolo y Alejandro Tantanián habían sido compañeros en la entonces flamante carrera de Dramaturgia de la Escuela Municipal de Arte Dramático y por lo tanto habían sido alumnos de Roberto Perinelli y de Mauricio Kartun. También Rafael Spregelburd había asistido al taller de Kartun algunos años antes.
A otros, el contacto les llegó a través de Roberto Cossa que había coordinado una experiencia de taller anterior. Fue el caso de Alejandro Robino y de Alejandro Zingman.
Este último y Jorge Leyes eran, además, egresados de la carrera de Actuación de EMAD donde habían participado de un taller de dramaturgia también con Kartun. Por último, Javier Daulte formaba parte de la dirección del teatro Payró y había estudiado dramaturgia con Ricardo Monti. Muchos de ellos habían recibido algún que otro premio y habían estrenado (o estaban en trance de hacerlo) alguna obra. Mauricio Kartun recuerda que: “Yo no tuve decisión en esta elección, pero te diría que eran nombres cantados.”
La institución que convocaba, el entonces Teatro Municipal General San Martín, no estaba en su mejor momento. Venía haciéndole frente a los embates de una grave crisis presupuestaria. Juan Carlos Gené había llegado a la dirección del teatro San Martín con un amplio apoyo inicial producto de su larga y reconocida trayectoria. Sin embargo, su gestión estuvo signada por los conflictos. Gené se había propuesto seguir el modelo de los grandes teatros dirigidos por “directores de prestigio artístico”, o sea imprimirle algo más que su sello personal y profesional a la programación. Sin embargo, esta actitud “personalista” fue rápidamente cuestionada en el ambiente. Sostener y consolidar el trabajo de Perinelli en la dirección de la Comedia Juvenil fue uno de los objetivos que el flamante director se había propuesto con más ahínco. Algo que se volvería un arma de doble filo porque desató uno de los conflictos más violentos por los que tuvo que atravesar la administración de Gené. El razonamiento fue más o menos así: si los actores jóvenes tienen problemas para interpretar papeles “adultos”, una forma de solucionarlo sería convocar a dramaturgos jóvenes a que escriban obras afines en temática y estética.

Un taller de dramaturgia

Esa soleada mañana de marzo, Roberto Cossa y Bernardo Carey explicaron a los convocados las premisas del taller. Comenzarían a reunirse en abril y deberían entregar las obras terminadas en octubre de ese mismo año. El teatro no se comprometía a producir esas obras. Algo que instalaba un matiz velado de “competencia” entre los participantes. Daulte afirma que “todas las demás premisas eran aceptables, eran casi del sentido común. Un grupo para trabajar, tratar de redactar obras para una cantidad importante de personajes. Es lo único que tienen en común las obras de ese período.” Pero devino el conflicto.
Mauricio Kartun entiende que hubo un error básico en la convocatoria que hizo eclosión ni bien comenzó a funcionar el taller: “El malentendido trágico –en el sentido literal, porque no tenía solución– era que las obras que se iban a generar no se correspondían con las necesidades de ese medio. Se seguía pensando: “El San Martín necesita obras que...” y acá va toda la lista de lo que, en aquel momento y ahora, reclaman las estéticas oficiales. Esa fue la gran crisis, el teatro que ellos producían no se correspondía con los modelos del teatro San Martín.”
Demás está decir que la relación entre los convocados y los coordinadores fue tensa desde el comienzo. Había un profundo desacuerdo ideológico y estético. Y ni bien comenzaron a trabajar ambos se hicieron patentes. Por ejemplo, Rafael Spregelburd recuerda que: “Cuando preguntamos ingenuamente qué es una obra joven, que era el trabajo que teníamos que hacer, nos respondieron “una obra joven es una obra cuyos personajes son jóvenes”. Errores que tienen que ver con malas interpretaciones de cuestiones técnicas. Incluso, hasta el punto tal que creíamos estar hablando de lo mismo y no. No se podía empezar a hablar.”
Uno de los mayores problemas del taller, según sus participantes, fue el ruido que hacía la distancia generacional para la comunicación con los coordinadores. Por ejemplo, Jorge Leyes recuerda que: “No en vano los conflictos estallaban en las voces de Tito Cossa que era el mayor y de Rafael que era el menor. Los otros permanecíamos un poco en silencio pero rara vez alguien no estaba de acuerdo con lo que proponía Rafael. Él estaba en sintonía con lo que uno estaba pensando. Lo que pasa es que se brotaba antes.”
Sin duda, una de las grandes cuestiones era que los talleristas no compartían con los coordinadores una serie de presupuestos básicos y puntos de partida que estos expresaban en fórmulas y pasos a seguir. Según Javier Daulte: “Había diferencias artísticas, había diferencias discursivas, había diferencias con los coordinadores, se planteaban leyes dramatúrgicas con las que nosotros no estábamos de acuerdo y nosotros tendíamos a aplaudir y aceptar el riesgo en materiales que eran muy diferentes entre sí.” Y así surgió algo imprevisto: descubrieron la mirada de un par. Alejandro Tantanián lo explica así: “Si bien eran materiales absolutamente divergentes. Somos muy diferentes como autores, ya lo éramos en aquella época, pero teníamos una cosa de mucha defensa de la otra voz. Yo creo que lo que los mareaba era que no había una cohesión en el discurso. Nosotros podíamos defender una cosa que no nos era afín. Eso era muy raro para ellos.”
Había una gran diferencia de temas y de estilos en los materiales a trabajar: el recuerdo de un grupo de amigos de la secundaria, las vicisitudes de la resistencia checa en el nazismo, tres hermanas y sus juegos macabros, las disyuntivas de jóvenes revolucionarios, un caso policial cordobés, un milagro en un lavadero, cementerios en llamas y unas chicas de Barrio Norte ansiosas por salir a bailar. Así como también la cantidad y variedad de procedimientos para contar estas historias: aceleración del tiempo, recursividad, repetición y otros tantos recursos que rompen la ilusión realista.
A los dos meses de sostener el trabajo con dificultades y alto grado de conflicto, desde la dirección del teatro se pide leer los materiales. Fue algo imprevisto porque no respetaba los tiempos ni las posibilidades reales de evaluación. Objetivamente, los materiales no estaban terminados. Y al martes siguiente, la devolución. La decisión de la dirección del teatro fue terminante: disolver el taller. Alejandro Robino lo cuenta así: “En junio, a los pocos meses nos dicen que tenemos que mostrar lo que estamos haciendo. Nosotros dijimos: “es como tener camisa, corbata y calzoncillos”. “No se preocupen –nos dijeron– simplemente es para saber cómo es la tarea.” Mostramos lo que habíamos hecho. Nos echaron.”
Tan sencillo como esto: Los materiales no resultaban acordes a lo que el teatro San Martín estaba buscando. Según la dirección, los textos carecían de “humor, pasión y ternura”, tres aspectos que resumirían la norma estética propuesta por la dirección del teatro San Martín. La descalificación institucional sobre algo tan magmático como es el proceso de escritura de una obra resultó una carga pesada y difícil de manejar. No sabían muy bien qué hacer. El San Martín que los había reunido, ahora los expulsaba. Se cerraba una puerta.
La primera cuestión resultó, entonces, en la decisión de terminar el trabajo. Javier Daulte ofreció el marco del teatro Payró como espacio físico para los encuentros. El dónde estaba resuelto pero surgió la pregunta por el cómo, ¿quién los coordinaría? Daulte recuerda que: “Empezamos a pensar nombres que nos interesaban a todos. Kartun, Monti, Gambaro, Pavlovsky. Nos costó mucho decir ¿y si lo hacemos sin coordinación? Eso era muy osado.” Resultaba muy novedoso que estos ocho dramaturgos pudieran prescindir de un “otro” superior y funcionar como taller entre pares, generando y sosteniendo lazos horizontales.
Junto con el objetivo de terminar las obras surgió la posibilidad de publicarlas. El Centro Cultural Ricardo Rojas, dirigido en aquel entonces por Darío Lopérfido, tomó conocimiento de lo ocurrido en el teatro San Martín y les propuso editar las obras. Rafael Spregelburd es muy crítico frente al lugar en que quedaron a partir de lo sucedido: “Nosotros empezábamos a tener sentido como bloque en tanto rechazados y era un lugar bastante flaco. Si bastante mal está el teatro oficial, pues menudo favor te hacen en decir “éste es aquel al que el teatro oficial rechaza”. Y qué venís a ser, ¿el rey de la marginalidad?”
Sin duda, desde que el hecho cobró dominio público, algo de eso sucedió. A partir de entonces encontramos grandes exageraciones e interpretaciones desmedidas tratando de leer las implicancias de una convocatoria fallida.

Nace el Caraja-ji

Durante meses siguieron reuniéndose en el Payró. A principios de 1996, las obras estaban casi terminadas y se aproximaba la perspectiva de publicación. Era hora de darse a conocer, tenían que buscar un nombre. ¿Qué mejor manera de dejar en claro aquello que eran? Esa suma de individualidades, el grupo era la suma de sus partes. Desde el nombre se propusieron señalar las diferencias. Con el libro publicado había nacido el Caraja-ji.
El surgimiento público del Caraja-ji desencadenó todo tipo de simplificaciones y exageraciones. La mayoría de los integrantes recuerda lo incómodo que les resultaba el lugar en que los ubicaban. Es cierto que fueron una novedad absoluta para la prensa y la crítica: ocho autores teatrales jóvenes, talentosos y aguerridos irrumpiendo juntos en la escena cuando parecía que la figura del dramaturgo era algo tan extinto como los dinosaurios. Ayudaba también el perfil combativo y de niños terribles que habían desarrollado a partir de la misma experiencia de expulsión del teatro San Martín.
Aunque en diferente grado y magnitud, el paso por el Caraja-ji fue una experiencia transformadora para todos sus integrantes. En los dos años que duró el taller, muchos de ellos recibieron premios, alcanzaron cierto grado de consagración en la escena local y hasta tuvieron una proyección internacional. Aunque la decisión de disolver el taller fue acordada y celebrada por todos los integrantes, sin embargo, años después algunos de ellos volvieron a trabajar juntos.
El Caraja-ji, mal que les pese, ocupó un lugar incómodo, singular e ineludible. Además, no fue algo tan improvisado como pretendían hacernos creer. Como grupo, tuvieron una clara estrategia hacia adentro y otra hacia afuera. Hacia afuera, se instalaron en el concepto de la “disolución”, marca de la época con la caída de las ideologías y los embates de la posmodernidad pero también habilidad para lidiar con los encasillamientos apresurados de la prensa y la crítica ante algo que se presentaba tan novedoso como sin precedentes. Hacia adentro, lograron sostener durante el tiempo que duró el taller un espacio horizontal de compromiso y trabajo que generó lazos y vínculos que trascendieron al grupo.

Algunas conclusiones

Al comenzar mi investigación me proponía indagar sobre tres aspectos en particular: reconstruir la historia del grupo Caraja-ji; describir las peculiaridades de la conformación del campo teatral en la década del ’90; y proponer una lectura de las obras producidas por el grupo a partir de instalarlas en nuevas series.
El gran desafío crítico para mí resultó de contextualizar un producto estético en un lugar y tiempo determinados: el conjunto de obras del Caraja-ji en la Buenos Aires de la década del noventa. Debía encontrar una forma que me permitiera leerlos y otorgarles un justo valor. Por eso, tan importante como contar la historia, que en algún punto me parecía anecdótica, me resultó el trabajo con los textos producidos en ese marco. Para el análisis de las obras me propuse, entre otras cosas, dar cuenta de cómo todos y cada uno de los dramaturgos del Caraja-ji reflexionaron sobre el motivo de “lo joven”. Se los ubicó como “niños terribles”, se los catalogó como “jóvenes escritores” y sin duda estas categorías estuvieron presentes en las obras y dejaron sus marcas. Ya sea como relato de iniciación, como resignificación del parricidio, como pregunta existencial, como disidencia, como algo imposible, como regeneración, como salida al mundo o como consumo: Lo joven da cohesión a este primer grupo de obras y permite leerlas en consonancia.
El otro aspecto que me interesaba registrar era cómo los Caraja-ji leyeron los años ‘90 y aquí encontré relecturas del teatro político, la tematización de las consecuencias de la apatía y falta de compromiso en la política, la catástrofe como escenario, la expulsión y el exilio como única salida.
Esto último es particularmente interesante, dado que se suele catalogar la producción de estos autores como totalmente ajena a la actualidad que las contiene.
Pasaron más de diez años desde que el teatro San Martín lanzara su convocatoria, sin embargo el Caraja-ji sigue, aun hoy, generando sentido y equívocos por igual. Parece imposible referirse a cualquiera de sus integrantes y no aclarar su paso por el grupo. Se habla mucho del Caraja-ji, se lo cita como referencia obligada para pensar la dramaturgia argentina en la década del ’90 aunque muchas veces cabe sospechar que no se sabe a ciencia cierta en qué consistió realmente. Espero con este trabajo enmendar esa falta. Traté de dar cuenta de la singularidad del caso. Una época que no era especialmente proclive a las formaciones grupales, una época donde las instituciones se desestabilizaron y dejaron de funcionar como históricamente lo habían hecho dio lugar a algo tan raro como un grupo de dramaturgos. Más extraño aun, si pensamos que el escritor es por definición un ser solitario.
Considero que la importancia del Caraja-ji radica en haberle dado visibilidad a un fenómeno que lentamente se venía desarrollando en el teatro porteño. En los años del menemismo, el país estaba cambiando y el campo teatral no era ajeno a ello. En el período que comienza con la vuelta a la democracia y la última edición de Teatro Abierto, la figura del autor dramático había sido dejada de lado para dar espacio a la experimentación, las dramaturgias de actor y de director estaban a la orden del día. El comienzo fue una historia fallida, la convocatoria del Teatro San Martín, pero lo que surgió después superó ampliamente el desdichado origen.
¿Cómo pensar la dramaturgia de Federico León o la de Mariano Pensotti o la de Mariana Chaud y los nombres podrían seguir, sin referirse al Caraja-ji? Al contar la historia y trabajar con estos textos encuentro un profundo acuerdo entre el surgimiento del Caraja-ji y el teatro que se desarrollaría contemporánea y posteriormente, un teatro que rompe con la tradición que le precede y, como traté de probar en mi investigación, se permite establecer relaciones con otras series no teatrales. Esta historia permitió que en uno de los momentos menos propicios surgiera un grupo de pares: un “nosotros” conflictivo, inestable, pero “nosotros” al fin. El Caraja-ji puede pensarse como un corte: una forma de escribir y producir teatro deja, no sin conflicto, lugar a otra. Sin duda, es el principio de algo.

master of the universe

2007-10-12T00:02:00.000-03:00

Este viernes 12 de octubre me toca finalmente la defensa de la tesis de maestría. La cita es en la sede del IDAES, Paraná 145 5º piso a las 15 hs.

Están todos invitados.

primavera y novedades

2007-09-20T16:49:00.000-03:00

En el jardín, las seños se la pasan pegando flores de goma eva, un invento propiamente del demonio. Sí, Pipi finalmente se curó de todas sus pestes y reincidimos. El tema es que me parece que son demasiados pibes en la salita. Eso me preocupa. No sé si son mis temores de madre primeriza pero siento que en vez de al jardín la estoy llevando a un curso de defensa personal. Yo trato de enseñarle a que esquive los golpes y que, en todo caso, sea ella la que surta. Lo que me deja tranquila es que mi niña es de las más altas y con el carácter que tiene, no la van a pasar por arriba así nomás.
Tengo otras novedades. La primera es que me puse un piercing. Sí, a esta edad! No se puede creer. ¿Será que me agarró un ataque primaveral de pendevieja? Fue este domingo. Como todavía Nico estaba de viaje, fui a comer a lo de mis papás. Estaban todos mis sobrinos y después cayeron mis hermanas y mi cuñado. Mi hermana menor había alquilado unas películas (el videoclub de ella es una gloria). Pusieron Duro de matar 4 pero por esas cosas de la piratería la película estaba doblada al ruso. Era muy gracioso escuchar a Bruce Willis decir algo así como "spaciva" mientras luchaba contra los hackers. Después llegó Cristo, un amigo de mi hermana, que se dedica profesionalmente a tatuajes y piercings. Me convencieron entre mi hermana y su sobrina. Cada una se agujereó una parte de su cuerpo y yo no podía quedar de oyente. Igual, me queda bonito y no dolió (¿debería haber dolido para que sea genuino?).
La última novedad es que ya tengo fecha para defender la tesis. Va a ser el 12 de octubre. Así que si todo sale bien, el próximo día de la raza voy a terminar de una vez por todas con la bendita maestría.

adiós a la freidora

2007-09-20T00:02:00.000-03:00

El lunes pasado mi marido se apareció con una notebook de regalo. Me mató de amor. Toda una sorpresa. Así que finalmente cambié la freidora en la que escribía por una que hace ruidito a presurización de avión.

misantropía

2007-09-15T11:34:00.000-03:00

Aprovechando que nos quedábamos solas el fin de semana, junté ropa, juguetes, libros, anteojos de sol (qué ilusa) y me fui al country de mis viejos. Entre que no paró de llover desde que llegamos y que es el año nuevo, no vi a nadie desde que llegué. Me genera una sensación extraña, casi tristeza, ver todas esas instalaciones sin que nadie las use nunca. Parece un cuento de Bradbury, el fin de la humanidad en los suburbios de Ezeiza. Las canchas de tenis vacías. La pileta climatizada vacía. El vestuario vacío. El salón de usos múltiples, la cancha de básquet, las canchas de fútbol y paddle, vacías. Las luces de encienden a determinada hora. El sauna se calienta pero nadie lo usa. El autito de la seguridad privada hace su circuito mecánicamente. Nadie. Me dan ganas de correr, usar indebidamente, abusar de tanto espacio vacío. Pero aprovecho que mi niña está distraída aporreando unos muñecos y sueño con encender un fuego para sentarme decimonónicamente a terminar de leer una novela. Algunos inconvenientes me salen al cruce. No quedan diarios ni tronquitos pequeños, sólo dos grandes y una revista. Todo un desafío. Consigo un par de piñas pero están mojadas. Aunque las pongo en el tostador no se terminan de secar. La cosa se complica. Cada vez que me agacho a tratar de prender el fuego, Pipi salta sobre mi espalda para que le haga caballito. Esta noche tendré un ataque de siático. Además terminé de comprobar que la Revista Luz no sirve ni siquiera para quemarla. Me frustro. No me quiero dar por vencida, seguramente reincidiré más tarde. Por ahora me conformo con un té y me abandono a esa extraña sensación de soledad.

pierina empezó el jardín

2007-09-08T22:10:00.000-03:00

Después de escuchar una y otra vez que mi mamá, mis hermanas, mi suegra, mis amigas y mi analista me repitieran hasta el cansancio que estaría bueno que Pipi fuera a un jardincito, que interactuara con otros nenes, que no viera tanta tele, que despegara un poco de mí, bla bla bla... finalmente lo hablamos con mi marido y nos decidimos. Hice una research por el barrio y elegí el que queda más cerca de casa.

¿Cómo decirlo? La adaptación fue un asco.

Fuimos el lunes: mochilita con los útiles (toallita, pañales y mamadera). Mucha emoción porque ahí empezaba su larga y futura carrera en la educación formal. Fuimos los tres, pero me quedé yo sola en la salita con ella. Pipi disfrutó de jugar con bloques. A los otros nenes no les dio ni pelota salvo cuando se acercaron a su mochila y ahí chilló como un chancho. Lo que más le gustó fue esconderse dentro de una caja que había en el patio y espiar desde ahí. Estuvimos poco más de media hora.

Quedó exhausta.

Se durmió sin comer.

Al otro día amaneció con fiebre. Muchas emociones para un solo día. Estaba hecha una piltrafita. Se quedó en casa tosiendo, con mocos y fiebre, mirando la tele.

El miércoles amaneció mejor. Me contó que había soñado con el jardincito. Eso me decidió. No tenía fiebre.

Reincidimos.

Pero ya no me gustaba tanto que se le acercaran los compañeritos. Si tenían mocos, yo trataba de distraerlos y que fueran a jugar lo más lejos posible. Apártese de mi hija, bicho infecto, pensaba. Esos nenes se me hacían como pringosos e itinerantes cúmulos de enfermedades. Supuse que si los atacaba con Lysoform había un par que desaparecían (con explosión y todo como la propaganda de Raid). También supe que esa sensación de aprensión me iba a acompañar toda la vida escolar de Pipi, tal vez hasta se agrave durante su adolescencia.

Odio a todos y cada uno de los que me convencieron para llevarla al jardín, odio a las madres que "porque tienen que trabajar" mandan a sus hijos infectocontagiosos a babosear los juguetes que tocará mi hija, odio no poder cumplir mi fantasía de rociar con lysoform todo lo que vaya a acercársele, odio tener que cortar el bendito cordón umbilical.

A la noche, vi que mi niña tenía unas legañitas.

Jueves a la mañana, los ojos rojos.

Jueves a la tarde, oculista: conjuntivitis. El resfrío además empeoró: más tos, más mocos, más fiebre. Se pasó todos estos días encerrada en casa viendo la tele y sintiéndose para el culo.

A pesar de esto, la semana que viene parece que volveremos.

de los riesgos de no ver suficiente tv

2007-08-23T13:13:00.000-03:00

Le uso la compu a él, la mía está rota. De repente, oh, ¿qué es esto? Fotos de una chica y otra foto y otra más. Che, pero está en pelotas. ¿Qué hacer? ¿Qué hacer? Si lo encaro de una, me va a decir que le estuve revisando sus cosas. Pero, ¿quién es esta trola que le manda fotos a mi marido? ¿Por qué? No me puedo quedar callada, los nervios me carcomen el cerebro. Respiro hondo y con la mejor de mis sonrisas me acerco y le digo: no sé... me pareció... digo... perdoname que te diga pero creo que tenés una admiradora que está un poco el bolas en tu compu y...

Y él se entra a cagar de risa, mal, y yo me trato de comer la humillación pero estoy en llamas.

-Boluda, es la de Gran Hermano. Me las mandó Marco por chat porque yo no las había visto...

Estas celebridades de pacotilla y mis celos son capaces de hacer estragos.

viperina

2007-08-16T18:11:00.000-03:00

Una maestrita de lengua menopáusica y resentida, además de escritora mediocre le preguntó a mi marido si ya nos habíamos separado. Mi marido me lo contó divertido: "no, todavía no".

Yo me indigné.
¿No tenés nada mejor que hacer, vieja chismosa?

2007-08-13T00:07:00.000-03:00

si el gran dios pregunta, María responde así

tengo un gato anoréxico

2007-08-01T13:34:00.000-03:00

-Está viejo-dijo el veterinario-. Puede ser por la comida o diabetes o un bolo intestinal. Tal vez se agarró el sida de los gatos.

Yo lo miraba buscando el chiste pero la verdad es que no me hacía reír.

-Está deshidratado, vamos a tener que pasarle suero. Pero antes, una ecografía.

No salía de mi asombro.

-¿Cómo le pasás suero a un gato?-le pregunté incrédula.

-Igual que a los humanos, con un cateter en la patita.

El veterinario era petiso y barbudo, cuando hablaba se ponía nervioso y se le caían las cosas. A medida que me explicaba el procedimiento, yo también me iba poniendo nerviosa. ¿Cuánto tiempo tarda en pasar el suero? ¿Hay que dormirlo? Mi gato parecía un felpudo blanco en la mesa de disección. Daba pena.

Hace quince años que vive conmigo, digamos que es la relación más larga que tuve. Además, viene haciéndole frente a varias crisis: una mudanza (algo fatal para los gatos), una hermanita que lo vive cascando (Pierina) y una convivencia forzada con otras dos gatas atorrantas que no lo dejan salir al jardín. El pobre no daba más. Necesitaba algo de atención y se mandó un acting. Durante todo un día estuvo vomitando como si fuera Linda Blair en El exorcista.

En la sala de espera había una vieja con un perrito igual de feo que ella. Tenía los dientes torcidos y un moño rojo en la frente. La vieja en joggin me quería sacar conversación. Con la excusa de saber qué le pasaba a mi gato, se despachó en contarme con lujo de detalles todas sus desgracias. Divorciada, sola y con una perra enferma.

-No sé qué le pasa a Chachi, se me desmaya. Ya le hicieron una tomografía para ver si tenía un tumor, pero no salió nada.

Yo miré a la perra y en sus ojos reconocí el pedido de "mátenme".

El veterinario me confesó que no le gustaba atender gatos porque siempre lo rasguñaban, que él prefería a los perros. Me quedo más tranquila, pensé pero no se lo dije.

Yo estaba perpleja, esa es la palabra. Era la primera vez que me veía ante los avatares de la medicina animal. Si ese tipo de procedimientos siempre son complicados e incómodos en los humanos, no me quería imaginar cómo resultarían en animales.

Yo trataba de repreguntar, llenar los blancos que me dejaba el discurso del veterinario. ¿Quién iba a tener inmovilizado al gato durante las cinco horas mínimo que tarda en pasar el suero? Ya sabemos la respuesta. En ningún momento se le ocurrió pensar que yo podría tener que trabajar o hacerle la comida a mi hija o atender a mi marido. Está bien, era una emergencia, ¿no? Me sentía en deuda con mi gato, se lo debía. Acepté sin chistar lo que viniera.

Con una maquinita, el veterinario le afeitó parte del pelo de la mano derecha y me pidió que la estirara para pasar el cateter. Esta vez, fui yo la que salió arañada. El gato se mandó la gran Wolverine y me cruzó la mano con sus garras. Esta era para vos, pensé mientras el veterinario se agachaba a recoger por tercera vez la sonda del piso.

Resultado: tuve que improvisar una salita de primeros auxilios en mi habitación, colgando el suero de una percha. Me sentía toda una enfermera: que el anticoagulante, que pinchás acá, que tantas gotitas por minuto. El gato y yo vimos Terminator 2 hasta tanto pasara todo el suero. Se hicieron como las dos de la mañana. Mi gato estaba mejor.

Así fue como descubrí que la veterinaria evolucinó hacia la psicología animal. El diagnóstico final fue que mi gato tuvo un cuadro de anorexia.

hadita

2007-07-31T14:55:00.001-03:00

2007-07-27T16:08:00.001-03:00

En Córdoba, Falco me enseñó a hacer praliné (nombre cordobés de la garrapiñada).
Hoy probé hacerla en casa.
Me sentí Narda Lepes

en el parque

2007-07-02T17:14:00.000-03:00

grande como un elefante

2007-04-26T18:46:00.000-03:00

El martes a la noche, comida en la cama y canal estatal para ver la primera entrega del ciclo "200 años". El proyecto de canal 7 que nucleó de a pares a un director de cine y uno de teatro para realizar un telefilm. Reconozco que había generado muchas expectativas. Ver lo que pueden hacer juntos directores que me gustan de ambos campos me resultaba sumamente estimulante. No sé, tal vez por eso mismo es que la primera entrega me pareció tan mala.

La dupla Caetano / Muscari filmó Mujeres elefante con un elenco heterogéneo de actrices de cine y teatro como Celeste Cid y Julieta Vallina, Mimí Ardú y Jimena Anganuzzi. La ecuación me resultó más o menos así:

Miserabilismo de Adrián Caetano
+
Bizarrerie de José María Muscari
=
- Gus van Sant.

Igual, me encantó ver en la tele a actrices que suelo asociar a otros soportes y, en general, las actuaciones me resultaron lo mejor de la propuesta. El monólogo de Lola Berthet y su reflexión sobre Michael Jackson no tiene desperdicio. Por el contrario, la historia y los procedimientos narrativos para contarla me parecieron tan equívocos como anodinos. Otra vez la apelación sensiblera al trabajo de la fábrica. Entonces, aparecen las actrices posándose sobre un torno. Otra vez la recursividad mostrando desarrollos paralelos de la historia. ¿Cómo es posible que juntaran semejante cantidad de arbitrariedades previsibles? Si lo bizarro no genera extrañeza, se transforma en simple puerilidad con pretensiones artísticas.
¡Y la música! ¡Santo cielo! Cada vez que aparecían los acordes de Jealous gay, mi marido resoplaba y se iba a hacer otra cosa. Yo persistí hasta el final pero me pareció un tanto abusivo el uso de la cancioncita de Lennon como leit-motif. Y hablando de usos abusivos, me surge un pedido: por favor, dejen descansar a la Muy interesante. Está claro que este tipo de información ya les dio lo que tenía para dar. Esos usos de la trivia se deschavan como el relleno de cuando un personaje no tiene nada que decir. La sensación global que me quedó es que intentaron filmar Elephant pero se quedaron en El elefante trompita. Más allá de mis impresiones de esta primera entrega, yo sigo bancando al ciclo porque me sigue pareciendo una idea buenísima.

sobre Budín inglés, de Mariana Chaud

2007-04-16T13:59:00.000-03:00

Dos mujeres que hablan de literatura. Se cuentan cómo empezaron a leer, qué libros les gustaban cuando eran chicas, cuándo y cómo fueron cambiando sus gustos literarios, se fueron introduciendo en otros géneros, probando con la historia, la filosofía, el esoterismo. Charlan.

Una pareja se separa y los libros que en su momento conformaron una sola biblioteca, de pronto están sobrando, ya no tienen lugar en ningún lado. Las diferencias de la pareja también se expresan en sus intereses literarios. Así se pelean. Las historietas son para él imprescindibles en su formación. Ella retruca con pasajes de Proust. Así se reconcilian.
En Budín inglés se recoge la experiencia de lectura de cuatro personas muy diferentes. El proyecto traía implícito un riesgo grande: caer preso de teorías de la lectura que hicieran de la obra un “Chartier para principiantes”; o uno mucho peor, perderse en la superficie de la importancia de la lectura (con mayúsculas) y repetir sloganes insulsos tales como “leer es un placer”. Sin embargo, Mariana Chaud sorteó todos esos obstáculos y logró, con inteligencia y sensibilidad, meterse con la experiencia íntima de cuatro personas físicas –la obra surgió dentro del ciclo Biodrama– y crear una historia, vínculos y disyuntivas de cinco personajes ficcionales.
Marta Lubos y Elvira Onetto están fantásticas (palabra que usaría Adela, personaje interpretado por Marta Lubos) y Santiago Gobernori nos hace reír con su composición del único no-lector de la obra, un idiota entusiasta tan desubicado como querible.
El jueves pasado se reestrenó Budín inglés en el Teatro del Pueblo y es una oportunidad, en especial aquellos que no la vieron, para no perdérsela.

Budín inglés

Dramaturgia y dirección: Mariana Chaud
Con: Santiago Gobernori, Laura López Moyano, Marta Lubos, Elvira Onetto, Esteban Sánchez Lamothe

Vestuario: Cecilia Allassia
Escenografía: Ariel Vaccaro
Iluminación: Matias Sendón
Música: Gabriel Barredo
Asesoramiento: Walter Jakob
Asistencia de dirección: Mara Guerra
Prensa: Walter Duche, Alejandro Zárate

TEATRO DEL PUEBLO
Dirección: Av Roque Sáenz Peña 943
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfono: 4326-3606 / 4394-2639
Web: http://www.teatrodelpueblo.org.ar
Entrada: $20,00 - jueves - 21:00 hs

2007-04-13T18:30:00.000-03:00

Nina: Supongo que depende también de cada personalidad. Yo vivo hace dieciocho años en tortuosa pasión e insulsa compañía, todo a la vez.

Angela: Qué bien.

Nina: No tanto porque te aburrís cuando no sufrís y no te aburrís cuando sufrís.

(fragmento de La Ropa, de Andrea Garrote.)

2007-04-10T19:21:00.000-03:00

Hace un tiempo, íbamos con mi marido en el auto a visitar a su abuela que vive en Ramos Mejía. Y en un semáforo de vaya una a saber qué barrio (me desentiendo cuando es otro el que maneja) descubrimos una casa de disfraces. ¿A quién se le ocurre poner un negocio de ese tipo? Más, ¿a quién se le pudo ocurrir ponerla allí? La cuadra tenía este paisaje: Chalet, chalet, chalet, Pantera Rosa desteñida, chalet, chalet, chalet, etc. Todo un misterio. Me di cuenta, además, de que nunca había visto disfrazado a mi marido. ¿Raro, no? Supongo que no es del tipo de los que se disfrazan. Me contó de una vez que su abuela le hizo un traje de pato para una fiesta en el Club Italiano. Recordaba con orgullo que la idea de unir dos gorras con visera para hacer el pico había sido suya. Él proveyó la logística; su abuela, la ejecución del proyecto.

El hijo de unos amigos de mis viejos tuvo una fase "Hombre araña" que le duró casi todo un año. Inquietante. Cada vez que nos visitaban, ahí estaba Manolito con su capita y su traje de nylon brillante. ¿Tenía capita? Fue todo un logro cuando, después del tercer asado, accedió a sacarse la capucha para comer. Pero para eso, tuvieron que pasar meses. La cosa es que Manolito no salía a la calle si no era con su traje de superhéroe, que lentamente se iba deteriorando. Y si lo confundían con Superman, le agarraba un ataque de llanto e indignación. Un día, sin explicaciones ni nostalgias, volvió a la ropa de civil.

A mí, nunca me fue demasiado bien con los disfraces. Ya lo conté varias veces pero fue una tortura ir a un colegio de chicas y ser la más alta del grado. Nunca "dama antigua", siempre "granadero"; nunca "negrita mazamorrera", siempre "gaucho matrero". Ya sabía yo que cuando se acercaba el 25 de mayo, lo mío eran los bigotes de corcho quemado y no el miriñaque y los peinetones.

Mi hermana le festejó el cumpleaños a su novio disfrazada de Mujer Maravilla. Había alquilado el traje, se había batido el pelo y estaba igual a Linda Carter. Tiempo después se peleó con ese novio. Eso sí, a sus dos hijos varones no se les va el Edipo ni con un exorcismo.

Paré el 15 y me subí corriendo porque llegaba tarde para comer con mis viejos. Ya había anochecido pero era temprano. Distraída en mi propio apuro, noté que pasaba algo raro pero tardé un tiempo en darme cuenta de qué era lo que andaba mal. Parada al lado mío estaba Caperucita Roja con su mini cuadrillé y sus trencitas con moñitos. Me enganchó las medias con su canastita de mimbre. La odié. Atrás mío, Frankenstein y un Drácula discutían acaloradamente sobre las desgracias de San Lorenzo. La mano peluda de un Hombre Lobo me hizo cosquillitas cuando pasó para el fondo. En el primer asiento, una enfermerita hot hablaba con una Morticia embarazada. La enfermerita le daba consejos sobre la maternidad y Morticia sudaba. Uñas negras, peluca, labios morados y vestido ajustado resultaban demasiado outfit para siete meses de embarazo. El 15 dobló en Santa Fe y se bajaron todos los disfrazados, dejándome a mí y a otros tres pasajeros más con la sensación de quedar desnudos.

Semana Santa me encontró en Punta, veraneando con Abrojito y marido. Nunca en mi vida hice tan mal un bolso. Supongo que me creí todo lo que muestran las revistas sobre "Punta del Este" y resultó tan brutal el choque con mi propia cotideaneidad que me reventó la cabeza y quedé medio grogui para elegir la ropa. Llevé sólo musculosas, ningún short, un ponchito peludo, un vestidito liviano que nunca uso y hasta me olvidé las ojotas. Desastre. Pocas veces me pasó sentirme todo el tiempo disfrazada. Disfrazada de familia tipo en vacaciones, disfrazada de madre y esposa, disfrazada de mujer en paseo de compras, disfrazada.

el triple

2007-04-05T00:32:00.000-03:00

Una frase suelta en el último libro de María Moreno me trajo un recuerdo tan banal como inquietante. La cita está en uno de los capítulos que más me gustó de Banco a la sombra y dice así: "El señor Plaza me dijo que al andar por el mundo aumentaba la posibilidad de encontrarnos con nuestros dobles y los de nuestros amigos, más aun en los países desde donde habían migrado sus ascendientes".
Una de mis experiencias más raras con los dobles no la viví yo sino justamente mi doble.
Tengo una falsa hermana melliza.
Ella fue la protagonista de esta historia y el lugar, la estación de ómnibus de Tres Arroyos. La historia empezó una noche de verano cuando mi hermana estaba esperando el colectivo que la trajera de vuelta a Buenos Aires. Esos viajes suelen tener horarios tipo 23:45 y uno nunca sabe muy bien qué se puede hacer en Tres Arroyos hasta esa hora.
Tanto es así que otra vez, también con esa misma hermana, nos quedamos charlando en uno de los bancos de la estación y era invierno y hacía frío y el colectivo, que venía de Bahía Blanca, estaba tardando demasiado. Cerca de la una de la mañana fuimos a reclamar y nos dijeron que el micro había llegado a horario y se había ido sin nosotras. Nos quejamos pero ya no había nada que se pudiera hacer.
Bueno, la cosa es que mi hermana estaba esperando el colectivo y se le acercaron dos chicos y una chica, le dijeron que eran de Bariloche y le pidieron permiso para sacarle una foto. Mi hermana que estaba en una etapa muy anti-fotografía se negó rotundamente. La chica fue a llamar a otra chica y así, se fueron acercando otros más a ese grupo y cada vez que la veían decían cosas como "no lo puedo creer", "es re-igual, boludo". Le siguieron insistiendo porque, al parecer tenían un amigo, varón, llamado enigmáticamente "El Cholito", que era su vivo retrato. Con esa información extra, mi hermana los sacó cagando.
A pesar de que el parecido no es ni de lejos asombroso, yo siento que tengo en mi hermana a mi doble. Nos pasó varias veces que nos confundieran. Alguna amiga que no veíamos hacía mucho que nos cruzó por la calle y nos vió "cambiadas". Algún que otro novio que quedaba desorientado cuando nos prestábamos la ropa y hasta el chico que vendía pan en la facultad que está convencido de que mi hermana estudió Letras (durante cinco años tuve que responder sobre la vida de amigos de mi hermana a los que yo ni siquiera conocía).
Aun hoy me inquieta saber que en algún lado de Bariloche existe un hombre que tiene la cara de mi hermana, que también, en parte, es mi cara.

Adiós, Ines Poggetto

2007-03-30T15:42:00.000-03:00

Ciao,
a l'é un sospir
l'é na carëssa.

Ciao,
son l'aria che respire
son ël profum dle fior.

sí, preciosa, vos también harás terapia

2007-03-26T18:08:00.001-03:00

Los días feriados y lluviosos, mi familia se solía reunir alrededor del proyector para ver diapositivas. Era parte de nuestra memoria colectiva. Había varias series: mis hermanas y yo con gatitos, mis hermanas y yo en la plaza, mis viejos de vacaciones en Sierra de la Ventana cuando todavía nosotras no habíamos nacido. Y por lo general, esas diapositivas servían para contar siempre las mismas historias: El amigo de mis viejos nadando en lo que resultó ser una cloaca, la panza de siete meses de mi mamá cuando estaba embarazada de mí, nosotras chiquitas, mi papá flaco y con pelo y mi mamá usando la moda colorinche de la década del '70. Se trataba de un ritual familiar: Oscurecer la habitación, armar el proyector, colocar bien las diapositivas y que salieran al derecho y en foco. Yo lo disfrutaba mucho salvo por un detalle. Había una única foto que me sumía en la peor de las ansiedades. La esperaba con pavura y cuando aparecía, me dejaba paralizada de vergüenza. Escenario: la placita de Copetonas. Primer plano: una cola enorme y desnuda y para que no quede ninguna duda de la pertenencia, mi cara asomándose por detrás. Durante décadas sentí que esa foto era la culpable de mi timidez patológica. ¿A quién se le había ocurrido sacarme una foto haciendo pis?

Pasan los años y ahora es mi hija la que está pasando por una etapa nudista. No soporta la ropa ni los pañales y yo, que no aprendí nada, repito la experiencia.

Queremos tanto a Audrey

2007-03-21T13:37:00.000-03:00

Me faltan un par de páginas para terminar de leer una biografía de Audrey Hepburn. Me decepcionó tanto que podría abandonarlo ya mismo pero supongo que por una cuestión moral no me permito dejarlo inconcluso. ¿Cómo se puede hacer algo tan reiterativo y ramplón de un personaje tan carismático y atractivo? Fácil: poniendo fechas como único título (Capítulo 1, 1929-1939. ¿Qué es eso? Es preferible no poner nada, parece un ejercicio escolar); idolatrando tan sin pudor a la actriz que más que biografía parece hagiografía; tomando exclusivamente como fuente la trivia de las películas (¿qué me importa si el productor de tal película volvió a trabajar con ella tres años después en esta otra película?); usando siempre la misma reflexión para contar siempre lo mismo (los aciertos son por Audrey, las películas que no funcionan es por culpa de los otros). Creo que lo peor del libro es que el autor borra toda diferencia entre los personajes que Audrey interpretó en el cine y su vida privada. Esto lo vuelve muy limitado, muy pegado al fan.
La biografía, como género, me gusta mucho. Tiene algo de híbrido que habilita casi cualquier cosa, freakeadas incluso. Pero, como siempre, depende de la pericia, imaginación e inteligencia del escritor, de las cosas que se permite y qué le puede sacar a los datos con los que cuenta. Una foto puede contar una historia, el tema es hacerla hablar.
Queremos mucho a Audrey pero no queremos nada a Donald Spoto.

2007-03-16T22:00:00.000-03:00

Prometí escribirte y no lo hice. Qué manejo choto de la culpa, sorry, es que vengo de un trajín que mamma mía. Después de días de dedicarme por entero a ella, basta que me siente dos segundos en la compu para que venga Abrojito a los gritos pelados y con ese paso de robot que tiene ahora a demandarme que juguemos un rato o le haga upa o le cuente un cuento. Creo que intuye mi incomodidad. En estos días estoy terminando el libro de la tesis y lo odio. Me da tanto odio que no lo termino de una vez y me pongo a hacer las diez millones de cosas que no estoy haciendo porque tengo que terminar esto primero. El sinsentido se me instala y no me lo puedo sacar del cuerpo. No voy a llorártela, ya la conocés.
Te cuento que hace más o menos un mes entraron chorros a casa. Fue espantoso (nunca mejor usado el término). Imaginate, cuatro de la mañana, estar durmiendo lo más pancha y de repente que entren cuatro tipos encapuchados en tu habitación. No sé porqué pero mi primera reacción fue de resignación: cagamos, pensé, cómo salimos de ésta. A pesar de dar órdenes enérgicas, en seguida aclararon que eran ladrones "a la vieja usanza", sólo interesados en las cosas de valor que pudiéramos tener. No puteaban, no estaban sacados, más bien parecían dedicados a exhibir con orgullo su costado profesional. Después la cosa se fue poniendo cada vez más bizarra. Los chorros querían saber por qué había tantos libros en la casa. Nico les dijo que por su trabajo, que trabajaba en el diario haciendo reseñas de libros. El momento cumbre fue más o menos así:
-¿Y qué estás leyendo ahora?, le preguntó el chorro.
-El Ulises de Joyce. -Le respondió mi marido.
-¿Y de qué se trata?
Ahí te quiero ver, ¿qué respondés en ese momento? Me acordé de las clases de Panessi, de las de Cerrato, de las discusiones de teoría literaria que pude tener en el pasado, se me cruzaron por la cabeza todas las vaguedades posibles, me acordé de una obra de Spregelburd en la que en una situación por demás absurda hablaban del Ulises como "un libro necesario, aburrido pero necesario." y mientras estaba en esa nebulosa escuché que mi marido le respondía: "es una de detectives y ladrones". Me reí (sólo él puede hacerme reír en esos momentos).
La cosa podría haber sido muy pesada, pero no lo fue tanto. Te ahorro la colección de lugares comunes que repito en estos casos. Sin embargo, entre todas las cosas, se llevaron unos anillos que habían sido de mi abuela. Yo los usaba de vez en cuando, en alguna fiesta. Vos sabés, yo no soy una mina de usar "joyas". Tengo amigas que sí, que sus maridos les regalan alhajas en ocasiones especiales. No es mi caso. Nunca lo fue y menos que menos con el marido que tengo. Si tuviera mucha plata, seguro no la invertiría en comprarme anillos.
Es raro pero siento que los chorros se llevaron algo de mi pasado. Me entristece pensar todas las veces que me disfracé con la ropa de mi abuela, que ella sí era de joyas y pieles y vestidos de fiesta. Yo adoraba ir a su casa, husmear en su placard que era enorme y olía al perfume Hermès. De todos, lamento la pérdida de uno de los anillos. Mi abuela me había contado que mi abuelo se lo regaló después de una gran pelea (típico matrimonio de los años cincuenta que arreglaba sus diferencias con regalos costosos). Ella lo estrenó en una función de gala del Colón y decía que desde que se lo puso fue como un hechizo. En vez de mirar el escenario, estuvo toda la noche con la vista fija en el anillo. La única vez que sentí algo parecido fue cuando me regalaron el album de figuritas de Sara Kay. Tesoros, ¿dónde habrá quedado? Creo que lo que me pasa es que extraño la parte de mí que no fue para poder ser la que soy hoy. ¿Muy rebuscado? Digo, todos dejamos cosas en el pasado y hoy (no sé si será la lluvia o qué) siento que perdí la referencia, ya no sé dónde ir a buscarlas.

ding dong the bitch is dead

2007-02-01T18:08:00.000-03:00

se abre una nueva etapa

martes a la tarde

2007-01-16T19:31:00.000-03:00

punto final
terminé un trabajo
qué placer

dulces sueños

2007-01-09T17:04:00.000-03:00