Un esquimal en Buenos Aires

Se suele decir que los unipersonales son difíciles. Estos espectáculos tienen el desafío extra de captar la atención del espectador sin que se eche en falta a otros actores. En el Centro Cultural de la Cooperación, Damián Dreizik presenta Groenlandia, una obra escrita y protagonizada por él mismo. Se trata de varios monólogos enlazados a partir de una hipótesis disparatada: a raíz del calentamiento global, los hielos de Groenlandia se derriten y sus habitantes se ven forzados a migrar. Muchos esquimales terminan aquí, en Argentina. Gran parte de la acción transcurre durante la supuesta filmación de un “corto institucional” de una conocida fábrica de hielo. Para contar esta historia, el ex Melli apela a infinidad de recursos: la mímica de un afiebrado viaje en trineo, el monólogo interior de un empleado vencido, el diálogo de sordos con la cabina de control y más. La puesta de Gustavo Tarrío saca lo mejor de cada texto. Aprovecha muy bien el espacio y agiliza el pasaje de un personaje a otro. Tiene mucho ritmo y variedad. Los cambios se realizan de manera vertiginosa, casi a la vista de los espectadores. El humor es un aliado muy efectivo para un público que sigue y conoce el trabajo de Damián Dreizik. A lo largo de la obra pasará de encarnar a un esquimal desorientado a un empresario cheto o a una productora estresada. A cada uno le va a encontrar sus giros y particularidades propias. Los referentes son claros y reconocibles. Sin embargo todos comparten un mismo rasgo de estilo. Damián Dreizik, en tanto autor de los textos, busca chistes a partir de asociaciones sorpresivas y similitudes fonéticas con marcas conocidas. Es así que por momentos cae en algo infantil, como si no pudiera contenerse de buscar el gag. Esto se hace evidente sobre todo en los momentos más intencionadamente políticos de la obra donde ese tipo de humor queda sobrando.
La música y efectos sonoros aportan mucho en estímulos. Actor y música dialogan y se acompañan ajustadamente. También los cambios de luces resultan fundamentales para una puesta que cuenta con un mínimo de escenografía: telón oscuro, una silla, un cartel, unos palos y nada más. El final, apelando a la resolución onírica, no desentona con el resto de la obra pero le da un matiz moral al planteo que lo vuelve redundante.

Ficha técnica:
Groenlandia
unipersonal de Damián Dreizik
Dirección: Gustavo Tarrío

CENTRO CULTURAL DE LA COOPERACIÓN
Corrientes 1543 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 5077-8077
Web: http://www.centrocultural.coop
Entrada: $ 40,00 - Viernes y Sábado - 23:00 hs


Publicada en Tiempo Argentino 30/08/2010

Dos viejos cómicos en el ocaso

El dato: El director español Álex de la Iglesia dirigió Muertos de risa, una adaptación hilarante a un mismo tema.

Los reyes de la risa tiene la virtud de unir a dos de los actores más reconocidos del país dirigidos por uno de los directores teatrales más celebrados. La trama se organiza a partir del esperado reencuentro de dos grandes cómicos luego de más de una década sin dirigirse la palabra. Como la intriga es predecible y poco ambiciosa, el énfasis está puesto en la actuación. Lo más sorprendente de Los reyes de la risa es que en una misma obra confluyen tres formas de hacer teatro. ¿Cómo se amalgaman en escena Daniel Veronese, el osado director alternativo, Alfredo Alcón, el actor trágico por antonomasia del teatro oficial y Guillermo Francella, el comediante televisivo y popular? ¿Qué aporta cada uno a este espectáculo?
El público de Daniel Veronese puede quedar decepcionado. En Los reyes de la risa se echa en falta la genial mirada del director. Si bien es cierto que la adaptación de la comedia dramática de Neil Simon está a cargo de Federico González del Pino y Fernando Masllorens, la puesta en escena resulta convencional y estática. La escenografía de Alberto Negrín sigue las pautas de los sets de televisión donde incluso se nota el esfuerzo por “avejentar” los objetos decorativos.
También el público que se acerca por Alfredo Alcón debe estar conciente que no va a ver el despliegue trágico acostumbrado. No es el Alcón del Rey Lear por el cual le otorgaron el premio ACE a mejor actor dramático. Sus trabajos en comedia nos remontan a películas como Cohen vs. Rossi donde sorprendía a todos vestido de mujer. Al encarnar a Manuel, un viejo cómico bastante senil y taimado, su voz se transforma en un balbuceo que el micrófono amplifica pero no necesariamente hace inteligible.
Sin lugar a dudas, el público que sigue a Guillermo Francella es quien más satisfecho resulta. El mismo público que está dispuesto a reír, aunque el actor encarne a un personaje mucho más anciano de lo que da su phisique du rol y que actúe una renquera tan inorgánica como intermitente. Francella, como Goyo, resulta simpático y comprador, caracterizado como un joven Gene Wilder canoso y pícaro. Como actor supo transformarse paulatinamente hasta trascender limitaciones y encasillamientos. Por eso cuenta con la ferviente e incondicional devoción de su público siempre dispuesto a aplaudirlo de pie.


Ficha técnica:
Los reyes de la risa
de Neil Simon
con Alfredo Alcón, Guillermo Francella, Peto Menahem
Dirección: Daniel Veronese

TEATRO METROPOLITAN
Av. Corrientes 1343 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 5277-0500
Web: http://www.teatrometropolitan.com.ar
Entradas desde: $ 90,00 -
Domingo, Miércoles y Jueves - 20:15 hs, Viernes - 20:45 hs, Sábado - 20:00 hs y 22:00 hs


Publicada en Tiempo Argentino, 23/08/2010

¿Servicio público o industria cultural?

Colectivo Teatral invita a la charla:

¿Servicio público o industria cultural? Dos paradigmas para rediscutir el rol del Estado en el desarrollo de las artes escénicas.

Miércoles 18 de agosto, 19.00 hs.
Teatro La Tertulia
Gallo 826
Entrada libre y gratuita

Participan: Guillermo Heras, Alejandro Tantanian, Raúl Brambilla, Valeria Kovadloff y Silvia Pritz.
Modera: Alejandro Cruz.

Para más información: colectivoteatral@gmail.com

Básico y eficaz como un vestido negro

El dato: Andrea Garrote escribió en 1996 La ropa donde ya entonces se planteaba con humor inteligente la innegable relación identitaria de las mujeres con lo que llevan puesto.


Vestidos, carteras, zapatos, accesorios la idea central de Amor, dolor y qué me pongo es que los recuerdos de una mujer se guardan en lo que lleva sobre el cuerpo. Mercedes Morán y Fidel Sclavo son los encargados de la versión local de Love, Loss and What I Wore de las hermanas Nora y Delia Ephron. Conocidas por dominar el género “comedia romántica” a la perfección, las autoras cuentan con éxitos cinematográficos tales como Cuando Harry conoció a Sally, Tienes un e-mail y la reciente Julie & Julia. A semejante antecedente, se suma un elenco de figuras encabezado por Leonor Manso y Cecilia Roth y el debut como directora de Mercedes Morán. Por donde se la mire, Amor, dolor y qué me pongo es una apuesta a ganador.
Una obra de mujeres, actuada por mujeres y destinada a una platea compuesta casi en su totalidad por mujeres. Un escenario austero, cinco banquetas y cinco actrices, cinco modelos de vestido negro. Sabemos de qué se trata. Cada una a su tiempo, le habla al público directamente, en la mejor tradición del stand-up. De manera que las historias se multiplican oscilando entre el testimonio de vida y el monólogo de humor. Como en Monólogos de la vagina o Confesiones de mujeres de treinta, cada una tiene su estilo y transita momentos reconocibles por todas. El dibujo de un vestido de fiesta, la búsqueda de la cartera perfecta y hasta la entereza de sobrellevar con estilo un cáncer de mama. Sin embargo, en su afán universal, la obra se evade de hablar de ciertos temas, por ejemplo del paso del tiempo y sus consecuencias. Exceptuando a Leonor Manso que reconstruye toda una vida a partir de la memoria de sus vestidos. El resto del elenco se centra en problemas de mujeres en unos eternos treinta años. Aquello que no encaja en la postadolescencia será erradicado. Incluso el incipiente embarazo de Ana Katz queda disimulado en los pliegues de su vestido. La gran ficción de la obra es hacer como que la menopausia no existe. Y hasta Cecilia Roth se ve y habla como una treintañera más. Los momentos más graciosos de la obra se los lleva Jorgelina Aruzzi con su desparpajo y recursos humorísticos. Amor, dolor y qué me pongo resulta un espectáculo dinámico y divertido, elegante y versátil como un buen vestido negro.


Ficha técnica:
Con Cecilia Roth, Leonor Manso, Jorgelina Aruzzi, Ana Katz y Mercedes Scápola.
Adaptación: Mercedes Morán y Fidel Sclavo
Dirección: Mercedes Morán,

Teatro Tabarís –Av. Corrientes 831
Miércoles, jueves y viernes a las 21 hs. Sábados a las 20 y a las 22 hs. Domingo a las 18.30 y a las 20.30 hs.
Entradas en venta en el teatro y en www.plateanet.com.ar

publicado en Tiempo Argentino, 16/08/2010

Recordando a una grande

La sala Kabaret queda en el segundo piso del Maipo, legendario teatro que antes fuera de revista. La escalera de acceso tiene una galería de fotos dedicada enteramente a una de las grandes actrices y cantantes argentinas, Tita Merello. Los retratos la muestran como damita joven, como vedette rea, con ojos soñadores y boca carnosa, como actriz consagrada, como anciana combativa y dura. Una vida dedicada al escenario, un siglo entero de éxitos y soledad. Esas fotos anticipan el espectáculo que nos convoca: Dijeron de mí. La actriz Virginia Innocenti imaginó, entre la añoranza y el tributo, este bello homenaje a Tita.
Un tributo para alguien que ya es todo pasado: del “se dice” al “dijeron”. El cambio de tiempo del título de la obra habla a qué público se dirige. Aquellos que en su momento supieron “qué se decía de ella”. La obra no es explicativa o biográfica, más allá de recordar su verdadero nombre, su debut en el Bataclán, su mal de amores, sus frases célebres. Al comienzo resuena una pregunta en off: ¿Cómo son los momentos previos a morir? El espectáculo será entonces un aluvión de recuerdos, algunos felices, otros atormentados que se enciman, arremolinan y componen una vida. Cuanto más se conoce sobre Tita, más se disfruta Dijeron de mí. El hilo conductor es la música. Grandes tangos que permiten repasar e identificar los vaivenes de la vida de Tita: Niebla del Riachuelo, Se dice de mí, Arrabalera, Pipistrela y tantos otros. Si la Merello tenía esa voz ronca, fuerte y tan característica, Innocenti es toda suavidad en su interpretación. Si Tita era conocida por su carácter indómito y su rebeldía popular, Virginia resulta en comparación algo fría y distinguida. Una de las decisiones más interesantes de la puesta es que en esta evocación a Tita no se busca emular su estilo, tan solo recordarlo. Eso le da un matiz elegante, distanciado y emotivo. Diego Vila, al piano, va marcando con soltura el pasaje de un número a otro. La elección de los distintos fragmentos resulta acertada y los arreglos están hechos con gusto. En esta oscilación entre el repertorio de la Merello y los datos de su vida, Dijeron de mí se decide terminar con el aspecto biográfico, tal vez más teatral, pero nos deja con ganas de un bis a todo tango.

Ficha técnica:
Libro: Virginia Innocenti. Con Virginia Innocenti y dirección de Luciano Suardi. Con el acompañamiento al piano de Diego Vila.
Funciones: Jueves a Sábados a las 21hrs. Domingos a las 20hrs.
Venta en boletería del teatro o telefónica en Platea Net 5326-3000 Tarjeta VISA Crédito ó VISA Débito.
Maipo Kabaret - Esmeralda 443 2do. Piso / 4322-4882/8238

Publicada en Tiempo Argentino el 09/08/2010

Nueve dramaturgos en busca de los secretos de la escritura teatral

Un ciclo de clases magistrales en el Malba. Los autores abordan el proceso de elaboración de textos en el marco del Proyecto Sur. Iniciaron el ciclo Eduardo Pavlovsky y Ricardo Monti y pasarán Mauricio Kartun y Philipp Löhle. ¿Los organizadores? Joachin Gersteier y Alejandro Tantanián.

A quien escribe piezas teatrales se lo llama “dramaturgo”, definición concisa pero que esconde innumerables problemas. ¿Desde dónde se escribe teatro? ¿Desde el escenario, con los actores, en la soledad del escritorio? ¿Qué estatuto tienen las palabras del drama?, ¿son dignas de registrarse, deben editarse en libros o su destino es perderse en cada representación? ¿Qué tiene de particular la escritura dramática? Dentro del ambicioso proyecto Escena Sur, tiene lugar en el Malba un ciclo de nueve clases magistrales dictadas por importantes dramaturgos argentinos y extranjeros. La propuesta es abordar las peculiaridades del texto teatral desde su perspectiva creadora. Sin duda, uno de los aportes más interesantes del ciclo es la diversidad de estéticas y puntos de partida para acercarse a la escritura teatral. Abrieron el ciclo Eduardo Pavlovsky y Ricardo Monti, dos de los grandes maestros del género dramático argentino.

Pavlovsky fue agasajado recientemente por cumplirse cincuenta años del estreno de su primera obra, La espera trágica. En su conferencia, fue alternando la lectura rigurosa de sus reflexiones teóricas y la explicación improvisada a partir de ejemplos y anécdotas. “¿Cómo es ponerse en la cabeza de un personaje ‘represor’?”, se preguntaba. Su concepción del teatro político quedó circunscripta a la lectura de los años del terror. Uno de los momentos más interesantes fue cuando ejemplificó cómo construir un espacio escénico y brindó al público una muestra de su talento actoral. Luego concluyó diciendo: “no soy un teórico del teatro; como actor, conceptualizo mis prácticas”.


Otro fue el estilo de Ricardo Monti. Subió al escenario y ante nuestros ojos expectantes se convirtió en el niño enamorado de las palabras que supo ser. El autor de Visita contó qué difícil le resultaba escribir un texto dramático. Sólo conseguía hacer diálogos y él intuía que el teatro era otra cosa. Un día descubrió la solución y pudo transformar la novela que estaba escribiendo. Así surgió su primera obra Una noche con el Sr. Magnus e hijos. Monti entiende al teatro como la delimitación de un lugar donde todo tiene sentido. “Es la vida, pero más iluminada”, concluyó.
Con el correr de las clases, se va armando un mapa complejo y diverso de las mil maneras de llegar a un texto teatral. Por ejemplo, Guillermo Calderón sorprendió al afirmar que parte siempre de una idea política. Por su parte, Romina Paula y Ariel Farace incluyeron otro concepto: la improvisación con los actores. Rafael Spregelburd abrió su conferencia con un inquietante video musical peruano y centró su clase en la importancia de trabajar con el azar en el proceso creativo. Luego propuso un ejercicio de escritura para ejemplificar sus palabras. Aportó lúcidas reflexiones en torno a las características y complejidades de la estructura dramática.
Las clases magistrales continúan hasta el 13 de agosto y contarán con la presencia de Mauricio Kartun, Philipp Löhle y Emilio García Wehbi.

La intimidad del proceso creativo. Entrevista con Guillermo Calderón.

La primera semana de conferencias se completó con la presencia de Guillermo Calderón. El dramaturgo y director chileno que fuera figura del pasado Festival de Teatro con sus obras Neva y Diciembre, habló de “La dictadura del aburrimiento”. Antes de su charla, concedió a Tiempo Argentino una entrevista:

–¿Cómo deberían interesarse los jóvenes hoy en la dictadura?
–Las generaciones más jóvenes están aburridas de la idea de dictadura. Es un desafío para toda la gente que hace teatro el abordar ese tema sin aburrir. No hacer de la dictadura algo entretenido sino interesante. Mi próxima obra trata justamente de ese tema. Por eso elegí ese título.
–¿De qué modo abordarlo?
–Lo primero que tiene que haber es una ultrainformación. Una investigación profunda de lo que pasó. En segundo lugar tiene que haber una crítica verdadera a quien le valió la impunidad para la violación de los Derechos Humanos. En tercer lugar, hay que hacerse cargo de la inmensa fractura de lo que ha ocurrido en el país. La ideología dominante actual es que no podemos seguir eternamente pegados en el pasado. Tenemos que ser capaces de mirar hacia el futuro. Esa es para mí la ideología de la impunidad. Si uno pretende entender el Chile de hoy sin esa historia, simplemente no se entiende y no vale la pena.
–¿Cómo es el teatro chileno hoy?
–Un teatro cada vez más diverso, de gente joven. Hay una generación muy interesada en la marginalidad como principal metáfora política.
La vida del pobre, la violencia, y eso es lo que retrata mejor una especie de quiebre en el sistema. En Chile hay dos grandes metáforas: la violencia y la marginalidad, para hacerse cargo de que aquí hay un trauma no explícito en el país. Eso es lo que yo veo principalmente.
–¿Cómo llega a una situación dramática a partir de una idea?
–Básicamente parto de una idea política. Desde ahí, sale la necesidad de explicarla, de discutirla. Entonces, ¿qué personajes pueden crear una situación dramática?
–¿Cómo continúa el procreso creativo?
–Luego construyo la situación dramática simple, por lo general una situación doméstica. Una sala de clases, una familia en una cena de navidad o un grupo de actores ensayando una obra de teatro. Comienzo a explorar la idea de que ellos discutan. ¿Cómo pueden discutir y finalmente expresar su idea? Todo apunta hacia un clímax de ideas y no a un clímax de emoción.
–¿Cómo es su trabajo como director en relación con la escritura?
–El director en mí es el editor de la obra.
–¿Qué significa eso exactamente?
–Cuando la obra se escribe, el director no tiene compasión con el dramaturgo. Lo corta, lo parte. Es un director bastante severo, capaz de decir claramente lo que sirve y lo que no.
–¿Trabaja siempre con un mismo elenco?
–Por lo general trabajo con amigos. No soy bueno para trabajar con gente que no conozco.
Me gusta escribir para actores específicos y entonces soy capaz de ver cómo me gustaría que él o ella actuaran. Les escribo cosas especiales para ellos.
–Es decir que prefiere establecer relaciones muy cercanas con los actores.
–Sí, es una relación bastante íntima. Típica del teatro, también.


publicada en Tiempo Argentino el 5/8/2010
fotos de Ernesto Donegana

personas que quizás conozcas

¿Qué dice de la amistad ser amigos por facebook? ¿Hay usos “correctos” de la exposición pública? En muy pocos años, las nuevas tecnologías han modificado profundamente nuestra vida. Eso es innegable pero también es decir poco. Así como se reactualizan viejas costumbres y vínculos, también se crean muchos nuevos. José María Muscari le propuso a un grupo de actores investigar en este fantástico aleph de las relaciones humanas, la red social virtual más influyente, el facebook. A partir de esta idea original, se dedicaron a hacerla rendir. Muscari (y los actores) eran usuarios obsesivos y manejaban a la perfección las singulares categorías de facebook: amigos, etiquetas, grupos, perfil, muro, estado, etc. El resultado fue una obra de teatro que, luego de un casting multitudinario, se multiplicó en siete elencos diferentes. Están los míticos, sex, tours, hot, stars, teens y freaks. Cada elenco aporta su matiz y se puede elegir, según la sensibilidad del público, a qué función asistir. Feizbuk se da de miércoles a domingo en la Ciudad Cultural Konex.
En el programa de mano se aclara que el texto de Feizbuk no es ficción pero tampoco es una obra testimonial. Se arma a partir de lo que distintas personas exponen de sus vidas en Internet: una mujer que habla a su familia de sus amantes, un chico que murió pero que sigue actualizando su muro, gente que miente, que odia, que quiere volverse famosa a cualquier costo.
En el foro se proyecta en tiempo real la sesión de facebook de Muscari y cada uno de los casos que se consideran es mostrado en la pantalla: el que está pero se esconde, el que se exhibe sin pudores. Feizbuk denuncia tanto la ingenuidad de algunos como el oportunismo de otros. Completan la escenografía un gran cartel luminoso, micrófonos y las coreografías de los cuerpos de los actores.
¿Los casos que se presentan son rarezas o la norma? Neo-nazis, asesinos de gatitos, pedófilos, la red parece el lugar indicado para que se exhiban los seres más despreciables de la humanidad. Con astucia, Muscari aprovecha el carácter público de la red para morderle la cola. Así crea un ready-made hipnotizante y encuentra arte en las contradicciones y las ya cotidianas miserias virtuales.

- FEIZBUK MITICOS -

7 QUE YA HICIERON MUSCARI: Miercoles 21 HS
Ya son viejos conocidos, si viste Muscari, los viste.
Lo mejor del Olimpo Muscariano!
Actúan: Martin Otero - Emiliano Figueredo - Maruja Bustamante - Laura Espinola - Diego Rinaldi - Felipe Rivera Valencia - Natalia Giardinieri

- FEIZBUK SEX -

7 CHICAS TRANS CON CHICOS GAYS: Jueves 21 HS
De sexo, Vos que sexo sos? Ellos lo saben y lo exponen, se exponen en este Feizbuk de Muscari
Actúan: Juan Manuel Cabrera - Naty Menstrual - Lucia Escobar - Delfina Bianco - Marcelo Blanco - Richie Guzman - Victoria Cortes

- FEIZBUK TOURS -

7 EXTRANJEROS DE CUALQUIER LUGAR: Viernes 21 HS
Tienen cantito, no son de acá, nacieron en otro lado, lejos, pero están radicados, hablan paposo y se exponen lejos de mamá.
Vení, mirá y escucha, Feizbuk es internacional!
Actúan: Cesar Riveros (Chileno) John Aguirre Garcia (Colombiano) Maria Alcalde Montt (Chilena) Pilar Esteban Calle (Española) Milko Bikic (Brasilero) Herve Segata (Francés) Saeed Pezeshki (Mexicano)

- FEIZBUK HOT -

7 PERRAS Y CHONGOS A FULL: Viernes 23 HS.
Ellos son hot, calientes, te calientan, se calientan. Dejate calentar, calentate. Así es Feizbuk, si lo sabrás!
Actúan: Pablo Rojas - Facundo Cardosi - Constanza Molfese - Paula Meson - Miriam Lanzoni - Martin Crespo - Marianela Resera

- FEIZBUK STARS -

7 QUE LA FAMA LOS MERODEA: Sabados 21 HS
Les conoces la cara, los tenes de algún lado, son familiares de un famoso, son famosos, lo fueron o lo serán. Fama relativa. Fama Feizbuk
Actúan: Luis Bremer - Tania Luna - Mariana Brey - Valeria Britos - Federico Ayos - Jezabel Yacuzzi - Señorita Lee

- FEIZBUK TEENS -

7 PENDEX EN ESTADO DE EBULLICION: Domingos 19 HS
Son jóvenes, juveniles, teens! Pero se exponen, no se esconden, se muestran y te muestran.
Actuan: Federico Vallejos Ariel Francilessing - Pablo D Elia - Guadalupe Torres - Daniela Gaitan - Brian Ynserra Arezo - Daiana Arias

- FEIZBUK FREAKS -

7 RAREZAS VARIAS DEL MONTON: Domingos 21 HS
Son raros, peculiares, particulares, atractivos, freaks! en Feizbuk de Muscari se dejan ver vení, miralos.
Actúan: Carlos Folias Maiamar Abrodos - Marina Castillo - Bimbo Godoy - Leo Espindola - Marisa Bredice -Silvia Armoza


CIUDAD CULTURAL KONEX
Dirección: Sarmiento 3131
Reservas: 4864-3200
Funciones: Miércoles y jueves 21hs. Viernes: 21 y 23hs. Sábados 21hs. Domingo: 19 y 21hs. Localidades: $40


publicado en Tiempo Argentino, 2/08/2010